11/24/2010

Poison de Todd Haynes



Inspirándose en tres novelas de Jean Genet (Nuestra señora de las flores, El milagro de la rosa y El diario de un ladrón) Todd Haynes construye una obra cinematográfica rica en elementos audiovisuales y decididamente provocadora en su composición estética. La propuesta narrativa entrelaza permanentemente tres historias (HERO, HORROR y HOMO), las cuales evocan de manera directa y como proyección reflexiva, algunas de las temáticas desarrolladas por Genet en aquellos textos.

Sin duda, HOMO, es la que tiene mayor filiación biográfica con Genet. Hay un narrador que nos introduce en los padecimientos de un convicto que ha visitado desde su adolescencia, diversos espacios de control y reclusión, donde ha conocido el abuso, la burla y el sometimiento, y quien al volver de nuevo a la cárcel (cuando ya sobrepasa los treinta años), ve cómo los flujos del deseo aparecen en su propia entidad y lo perturban a diario en la interacción con sus compañeros de presidio.

Con una alta dosis de erotismo, traslucida en los gestos, las miradas, las poses e incluso, en los desafíos cuerpo a cuerpo, Haynes revive los paisajes que acompañaron a Genet en su primer momento creativo. HOMO es, además, la parte más cinematográfica, filmada con mayor rigurosidad; reiterativa en los ambientes claroscuros y enriquecida con actuaciones más complejas, aunque en los tránsitos al pasado, la puesta en escena es más teatral y evocadora de espacios desarrollados por la plástica.


 
HORROR, está filmada en blanco y negro, con un ritmo que va del frenetismo a la pausa propia del suspenso. Es el fragmento más vanguardista en su estatuto audiovisual, con abundantes contrapicados, tomas inclinadas del personaje, saltos abruptos de la cámara e inesperados desencuadres. Por su parte, la banda sonora está oportunamente insertada para permitir la fluidez del relato, el cual nos presenta a un científico que busca los condicionamientos de la sexualidad humana, quien por accidente, conoce los resultados de su investigación en su propio cuerpo, convirtiéndose en un portador y propagador de la lepra, y por consiguiente, condenado a padecer la exclusión, la persecución y finalmente, el enjuiciamiento.


HERO, también recurre a otro formato audiovisual (el televisivo) para reconstruir a partir de testimonios, la historia de un niño que ha huido tras asesinar a su padre. Las versiones nos permiten descubrir un entorno social lleno de complejos, de lugares comunes, y orientado hacia la descomposición. La madre del niño asesino asegura que su hijo partió volando luego de perpetrar el crimen, pues era un ángel que había venido para enrostrarle su pecado: la infidelidad. Evidentemente, la mecanización y la superficialidad de las vidas en ese pequeño espacio, son las que posibilitan el surgimiento de historias metafísicas que centran sus esperanzas en la creación de héroes aunque sean macabros.


 
Ahora bien, volviendo a las proximidades con las temáticas de Genet, vemos que Haynes establece de una forma bastante libre, unos certeros vínculos. El científico Graves, quien busca la luz en las penumbras, sólo encuentra la más aguda oscuridad. El padecimiento de la más terrible enfermedad en sus entrañas lo enfrenta a una sociedad que señala, que persigue, que excluye al diferente, es decir, la misma que tuvo que padecer y confrontar Genet con su aguerrida obra.

De similar forma, retoma a Genet en su condición de santo (según la catalogación hecha por Sartre) pero un santo que invierte su condición benévola con la humanidad para retomar y exaltar lo que lo separa del hombre e instaurar así, un ser por fuera de la corporeidad real, que se fortalece con sus caprichos y que es susceptible de convertirse en un héroe. Es el caso del niño Beacon, el héroe que tras matar a su padre logra un carácter angelical que le permite alejarse y olvidarse del hombre.

Así pues, estamos ante un filme que le rinde homenaje a Genet de forma singular y profunda, y que nos revive muchas de las preocupaciones que acompañaron a este escritor maldito, recordado hasta el último momento en el filme con una de sus expresiones: “Un hombre ha de soñar mucho tiempo para poder actuar con grandeza, y el sueño se nutre en la oscuridad”.  

(Imágenes tomadas de la circulación libre en la red)

11/17/2010

Ciclo de cine en homenaje a Jean Genet


Con el ánimo de recordar la vida y obra de Jean Genet, de quien conmemoramos el próximo 19 de diciembre, cien años de su nacimiento, hemos programado un ciclo de cine en el que proyectaremos el único trabajo cinematográfico realizado por el creador francés (Un canto de amor, 1951) y otros dos filmes inspirados en sus trabajos literarios (Poison de Todd Haynes, 1991 y Querelle de R.W. Fassbinder, 1982).
Las proyecciones tendrán lugar en la Sala Fundadores de la Universidad Central de Bogotá DC. (Calle 22 No. 5-91), los días 29 de noviembre y 4 de diciembre, próximos. La programación es la siguiente:
Lunes 29 de noviembre
3:30 p.m. Un canto de amor de Jean Genet (25 minutos) – Poison de Todd Haynes (82 minutos)
6:30 p.m. Querelle de R.W. Fassbinder (109 minutos)
Sábado 4 de diciembre
3:30 p.m. Conferencia: Una ceremonia del recuerdo con Jean Genet (por Omar Ardila)
Un canto de amor (25 minutos)
6:30 p.m. Poison de Todd Haynes (82 minutos)

Sinopsis de las películas

Un canto de amor
Director: Jean Genet (Francia, 1951 – 25 minutos) 


En la década del cincuenta, Jean Genet  realizó el arquetípico mediometraje gay: Un chant d´amour, el más famoso de la historia del cine europeo durante mucho tiempo. Es el único film rodado por Genet, originalmente hecho para coleccionistas pornográficos del Paris gay de esos años. En el se plasma el mundo carcelario que formó parte de la propia vida de Genet, con tres de sus principales actores: un guardia y dos prisioneros. La historia es una obra maestra de la poética voyerista. Naturalmente, y como cabía esperarse, el film fue censurado en su momento. En 1954, H. Langlois hizo la primera exhibición pública en la Cinemateca Francesa, pero a pesar del apoyo de la institución, el film sufrió las iras de la censura, y no fue fácil poder ver el film en Francia a lo largo de los veinte años siguientes a su primera muestra; mientras tanto, entró en los circuitos subterráneos de distribución. Una historia de 25 minutos de amor sin palabras y entre rejas, que ahora es sacada de la oscuridad y presentada en su versión completa, con un nuevo transfer.  




Querelle
Director: Rainer Werner Fassbinder (Francia, Alemania, 1982 – 109 minutos)

  
Poco después de ganar el Oso de Oro en el Festival de Berlin con La ansiedad de Veronika Voss, Fassbinder rueda Querelle, su obra póstuma y la tercera adaptación literaria que hizo de forma muy libre para la gran pantalla. Querelle de Brest era la cuarta novela de Jean Genet, escrita inmediatamente después de la segunda guerra mundial. En contra de la ética tradicional y con gran fuerza lingüística e imaginativa, el autor creó un mundo mágico de maldad que obedecía a sus propias leyes. Homosexualidad, asesinato, traición y nostalgia de la muerte son sus temas principales. Esta obra, definida como "un punto crítico del análisis existencial del hombre moderno", fue considerada durante mucho tiempo no apta para filmarse. El productor Dieter Schidor se la ofreció a directores como Bernardo Bertolucci -que la rechazó por escabrosa-, Sam Peckinpah -que también dio un no por respuesta- y finalmente a Werner Schroeder, el cual había comenzado los preparativos en el año 1981. Sin embargo, debido a los numerosos problemas económicos que estaba planteando y los continuos aplazamientos, la producción fue encomendada a Fassbinder, quien sin dudarlo aceptó rodarla y la llevó a su terreno personal: "En mi opinión, no se trata de asesinato y homosexualidad, sino de una persona que con todos los medios posibles en esta sociedad intenta encontrar su identidad. Tal es, a mi juicio, el tema de la novela. Y a fin de ser fiel a sí mismo, Querelle tiene que ver todo lo que hace desde dos ángulos: desde el que la sociedad califica de criminal -es decir, desde la miseria- no saca nada en limpio, así que tiene que engañar desde el otro. Sólo de este modo puede dar un paso hacia delante".


Poison
Director: Todd Haynes  (Estados Unidos, 1991 – 82 minutos) 


 
El director presenta tres historias entrelazadas y filmadas de forma radicalmente distintas, sobre sexo y violencia, inspiradas en los textos de Jean Genet.
Presentada como un documental televisivo, HERO cuenta la historia de un niño de siete años que mata a su violento padre y huye. HORROR, rodada en blanco y negro a modo de homenaje a los filmes de ciencia-ficción de serie B de los años 50, narra la búsqueda del elixir de la sexualidad humana con unas consecuencias mortales. Mientras que HOMO, explora en forma de drama, la obsesiva atracción de un recluso hacia otro preso, al que conoció en un reformatorio juvenil y presenció cómo abusaban de él.
Esta ópera prima de Todd Haynes, desató una gran polémica por su alto contenido sexual y violento, siendo criticada duramente por los sectores políticos de derecha norteamericanos. El filme ganó el Gran Premio del Jurado del Festival de Sundance de 1991 y el premio Teddy en el Festival de Berlín de ese mismo año.


(Imagenes tomadas de la circulación libre en la red)