tag:blogger.com,1999:blog-81162403289395246382024-03-12T23:18:08.403-07:00Cine Sentidocreamos este blog, con el ánimo de retomar y conformar diversos discursos en torno la experiencia cinematográfica (entendida como una actividad que le supone nuevas realidades al pensamiento) y establecer vínculos (desde diversas intertextualidades) entre cine y pensamiento.Omar Ahttp://www.blogger.com/profile/05665780406648038335noreply@blogger.comBlogger113125tag:blogger.com,1999:blog-8116240328939524638.post-24750286855145680572023-08-08T17:15:00.000-07:002023-08-08T17:15:30.759-07:00XXIV ENCUENTRO NACIONAL DE CRÍTICOS Y PERIODISTAS DE CINE<p> </p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEihoVc_ZIuUoUb4PfUQ04uEI2R_LSRMG_odhk6FhlBtS5XtwmANpSUojrmVh-yZmVSzY2DTdVduNpVV9zENGgA3z9XR4zdeENHzEBmmRcHZUXU48LBUr45xBFutBCVN8b-yOVXz_yE-fonvGSubNAv1Nwit2EAdyB4TT-NouEBRvd74_LV-ANZyXqpkXzk/s1280/encuentro%20pereir.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1280" data-original-width="988" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEihoVc_ZIuUoUb4PfUQ04uEI2R_LSRMG_odhk6FhlBtS5XtwmANpSUojrmVh-yZmVSzY2DTdVduNpVV9zENGgA3z9XR4zdeENHzEBmmRcHZUXU48LBUr45xBFutBCVN8b-yOVXz_yE-fonvGSubNAv1Nwit2EAdyB4TT-NouEBRvd74_LV-ANZyXqpkXzk/w309-h400/encuentro%20pereir.jpg" width="309" /></a></div><br /><p></p><p style="text-align: justify;">Entre el 18 y el 21 de agosto próximos tendrá lugar en la ciudad de Pereira el <b>XXIV Encuentro Nacional de Críticos y Periodistas de Cine</b>. Gracias a la persistencia y la pasión de Germán Ossa, este evento (único en su género en Colombia) se ha logrado sostener pese a las dificultades para encontrar los apoyos, puesto que no hay un rubro fijo que asegure la realización del evento año tras año. </p><p style="text-align: justify;">Como ha sido acostumbrado, cada año se fija un eje temático sobre el que los ponentes preparan su intervención con meses de anticipación. El tema del presente encuentro es <b>Teatro y cine</b> y sobre él vamos a escuchar importantes reflexiones como la del documentalista José Urbano: <i>Las tablas y el cine amor a primera vista</i>; la del crítico venezolano Alfonso Molina: <i>Román Chalbaud como dramaturgo y cineasta</i>; la del periodista cultural Jaime Ponce: <i>Cine y teatro dos estéticas y una gran historia</i>; la del escritor y cinéfilo Víctor Bustamante: <i>Del radioteatro al cine. Antonia Santos (1944)</i>; la de la directora ecuatoriana Yanara Guayasamín: <i>El teatro como recurso cinematográfico</i>; o la del filósofo y crítico Juan Guillermo Ramírez: <i>Conexiones entre el pensamiento filosófico y la práctica teatral</i>. <i>(Del Teatro al Cine de la Crueldad).</i></p><p style="text-align: justify;">También se le estarán rindiendo homenajes y reconocimientos a la cineasta pereirana <b>Laura Gómez Hincapié</b> y a la cineasta y editora santandereana <b>Salomé Castro Duque</b>.</p><p style="text-align: justify;">Mi participación en este encuentro va a ser en dos momentos: por una parte, voy a presentar la ponencia: <i>Despojo y creación en Robert Bresson. Del Teatro filmado al Cinematógrafo</i> y en un segundo momento, haré la presentación de mi reciente libro <i>Cine sentido</i>, editado por <a href="https://favilaeditorial.com/">Favila Editorial</a> en el presente año.</p><p style="text-align: justify;">A continuación comparto la programación completa del Encuentro:</p><p style="text-align: justify;"><br /></p><p align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;"><b><u><span lang="ES-CO">PROGRAMA </span></u></b></p><p align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;"><b><u><span lang="ES-CO">XXIV ENCUENTRO NACIONAL DE CRÍTICOS Y PERIODISTAS
DE CINE<o:p></o:p></span></u></b></p>
<p align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;"><b><u><span lang="ES-CO"> PEREIRA, AGOSTO 18 AL 21 DE 2023<o:p></o:p></span></u></b></p>
<p align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;"><b><u><span lang="ES-CO"> </span></u></b></p>
<p align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;"><b><u><span lang="ES-CO">Viernes 18:<o:p></o:p></span></u></b></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="ES-CO">Lugar: Teatro de Cámara - Teatro SANTIAGO
LONDOÑO. (Cra. 12 Calle 18 esquina)<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><b><span lang="ES-CO">7.00
p.m.</span></b><span lang="ES-CO"> <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><b><span lang="ES-CO">Inauguración.
<o:p></o:p></span></b></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="ES-CO">* Saludo a los Invitados y participantes
Especiales.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="ES-CO">* Palabras del Dr. <b><i>VÍCTOR HUGO SUÁREZ</i></b>,
Secretario de CULTURA de Pereira.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="ES-CO">* Homenaje a una cineasta pereirana. <b> LAURA GÓMEZ HINCAPIÉ</b>. <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="ES-CO">(Proyección de fragmentos de su
largometraje documental <b>“UTOPÍA”</b>).<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="ES-CO">Entrega del RECONOCIMIENTO.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="ES-CO">*Homenaje a una Cineasta Colombiana, <b>SALOMÉ CASTRO DUQUE</b>, editora
santandereana.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="ES-CO">(Proyección del cortometraje “<b>Fifteen LOVE”, </b>editado por ella).<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="ES-CO">Entrega del RECONOCIMIENTO.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="ES-CO">* Saludos al 24 ENCUENTRO de algunas
personalidades.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="ES-CO">* Proyección de un trabajo venezolano de
gran impacto, el cine de John Pequisseli.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="ES-CO">Presentación a cargo del crítico de cine
venezolano <b>ALFONSO<i> MOLINA</i></b> y la poeta, cineasta y teatrista venezolana <b>Yoyiana Ahumada Licea.<o:p></o:p></b></span></p>
<p align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;"><b><span lang="ES-CO">GALA<o:p></o:p></span></b></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="ES-CO">Proyección de la galardonada e inteligente
obra documental <b><i>“EL PAÍS DEL SOL SONORO, de Bolombolo a Korpilombolo”</i></b>, sobre el
poeta León de Greiff, presentada por su realizador Óscar Mario Estrada.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="ES-CO"> </span> </p>
<p class="MsoNormal"><span lang="ES-CO"> <b><u>Sábado 19:</u></b><o:p></o:p></span></p>
<p align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;"><b><u><span lang="ES-CO"> </span></u></b></p>
<p align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;"><b><span lang="ES-CO">Lugar: Teatro DE CÁMARA, TEATRO SANTIAGO LONDOÑO.
(Cra. 12 Calle 18 esquina)<o:p></o:p></span></b></p>
<p align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;"><b><span lang="ES-CO">Conferencias y Proyecciones <o:p></o:p></span></b></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="ES-CO"> </span>09: 00 a.m. </p>
<p class="MsoNormal"><b><span lang="ES-CO">JOSÉ
FERNANDO RUÍZ<o:p></o:p></span></b></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="ES-CO">Comunicador Social y Periodista Cultural.
(Colombia).<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><b><span lang="ES-CO">“MISERY
DE STEPHEN KING, EN CONTRAVÍA, DE LA PANTALLA A LAS TABLAS, UN CAMINO INVERSO” <o:p></o:p></span></b></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="ES-CO">09:30 a.m. <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><b><i><span lang="ES-CO">JUAN DIEGO VELÁSQUEZ. </span></i><span lang="ES-CO">(Colombia)<o:p></o:p></span></b></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="ES-CO">Poeta, Cinéfilo, Crítico de Cine.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><b><span lang="ES-CO">“MI
CINE, MI TEATRO Y MIS MEMORIAS”<o:p></o:p></span></b></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="ES-CO">10: 00 a.m. <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><b><i><span lang="ES-CO">MARÍA EUDOXIA ARANGO</span></i></b><span lang="ES-CO">.
(Colombia).<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="ES-CO">Directora de la Corporación del Nuevo Cine
Latinoamericano y Representante de la Escuela Internacional de Cine y TV en
Colombia.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><b><span lang="ES-CO">“LAS
MUJERES, SI NOS CIERRAN LAS PUERTAS, NOS METEMOS POR LAS VENTANAS”.</span></b><span lang="ES-CO"> Una mirada femenina reivindicativa.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><b><span lang="ES-MX">10: 45 a.m. <o:p></o:p></span></b></p>
<p class="MsoNormal"><b><i><span lang="ES-MX">MAURICIO LAURENS</span></i></b><span lang="ES-MX">. (Colombia).<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="ES-MX"> Crítico de Cine, Periodista Cultural y Docente
Cinematográfico.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><b><span lang="ES-MX">“DE LAS TABLAS LOCALES A LAS PANTALLAS
NACIONALES”<o:p></o:p></span></b></p>
<p class="MsoNormal"><b><span lang="ES-MX">11: 30 a.m.<o:p></o:p></span></b></p>
<p class="MsoNormal"><b><i><span lang="ES-MX">YOYIANA AHUMADA LICEA.
</span></i></b><span lang="ES-MX">(Venezuela)<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="ES-MX">Poeta,
cineasta y teatrista.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><b><span lang="ES-MX">“JOSÉ IGNACIO CABRUJAS, DEL TEATRO a la
reinvención de la telenovela</span></b><span lang="ES-MX">.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="ES-MX">12: 00 m.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><b><i><span lang="ES-MX">GERMÁN A. OSSA E. </span></i></b><span lang="ES-MX">(Colombia)<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="ES-MX">Dibujante,
Crítico de Cine y Arte, Escritor a veces y Gestor Cultural.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><b><span lang="ES-MX"> “TODOS SOMOS
ACTORES, NI BUENOS, NI MALOS, PERO SOMOS ACTORES” <o:p></o:p></span></b></p>
<p align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;"><b><span lang="EN-US">RECESO</span></b><span lang="EN-US"><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="EN-US"> 2: 00 p.m. <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><b><i><span lang="EN-US">JHON JAIME CORREA
RAMÍREZ. </span></i></b><span lang="ES-MX">Historiador,
Docente de la U.T.P. Director de la
Maestría de Historia de la Universidad Tecnológica de Pereira. (Colombia).<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><b><span lang="ES-MX">“El Lienzo mágico del Cine en Pereira: Notas
sobre la relación CINE, CIUDAD y Modernización en la década de los años 30” <o:p></o:p></span></b></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="ES-CO">2: 30 p.m.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><b><i><span lang="ES-CO">JOSÉ URBANO</span></i></b><span lang="ES-CO">.
(Colombia)<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="ES-CO">DOCUMENTALISTA. Profesor de Historia del
Cine y Crítico. Blog: ventanadelcine.blogspot.com <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><b><span lang="ES-CO">“LAS
TABLAS Y EL CINE: AMOR A PRIMERA VISTA”<o:p></o:p></span></b></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="ES-CO">3: 15 p.m.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><b><i><span lang="ES-CO">OMAR ARDILA. </span></i></b><span lang="ES-CO">(Colombia)<b><i><o:p></o:p></i></b></span></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="ES-CO">Poeta, Cinéfilo e investigador
cinematográfico<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><b><span lang="ES-CO">“DESPOJO
Y CREACIÓN EN ROBERT BRESSON. DEL TEATRO FILMADO, AL CINEMATÓGRAFO”.<o:p></o:p></span></b></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="ES-CO">4: 00 p.m.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><b><i><span lang="ES-CO">ALFONSO MOLINA</span></i></b><span lang="ES-CO">
(Venezuela)<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><b><span lang="ES-CO">“Román
Chalbaud COMO DRAMATURGO Y CINEASTA”<o:p></o:p></span></b></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="ES-MX">4: 30 p.m.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><b><i><span lang="ES-MX">JAIME PONCE</span></i></b><span lang="ES-MX">. (Colombia)<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="ES-MX">Periodista
Cultural y Crítico de Cine en Caracol Televisión/ LA KALLE.<b><i><o:p></o:p></i></b></span></p>
<p class="MsoNormal"><b><span lang="ES-MX">“CINE Y TEATRO: DOS ESTÉTICAS Y UNA GRAN
HISTORIA”.<o:p></o:p></span></b></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="ES-MX">5: 10 p.m.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><b><i><span lang="ES-MX">PRESENTACIÓN DE
PUBLICACIONES DE CINE<o:p></o:p></span></i></b></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="ES-MX">OMAR ARDILA.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><b><span lang="ES-MX">CINE SENTIDO</span></b><span lang="ES-MX">. Editorial Favila.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><b><span lang="ES-MX">CINEMATECA DISTRITAL</span></b><span lang="ES-MX">. Varias obras<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><b><span lang="ES-MX">BABEL</span></b><span lang="ES-MX">. Víctor
Bustamante.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="ES-MX"> </span></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="ES-MX">7: 00 p.m.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><b><span lang="ES-MX">TEATRO DE CÁMARA DEL TEATRO SANTIAGO LONDOÑO<o:p></o:p></span></b></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="ES-MX">Proyección de
la película <b><i>“PALABRAS ENCADENADAS”</i></b>, de Laura Mañá, con Darío Grandinetti y
Goya Toledo. <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="ES-MX">Presentación
a cargo de Jairo Cruz. Desde España, Curador de las Muestras del Festival de
Cine de Bogotá.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="ES-MX"> </span></p>
<p align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;"><b><u><span lang="ES-MX">DOMINGO 20:<o:p></o:p></span></u></b></p>
<p align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;"><b><span lang="ES-MX"> </span></b></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="ES-MX">8: 00 a.m.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><b><span lang="ES-MX">PURO MEDELLÍN <o:p></o:p></span></b></p>
<p class="MsoListParagraph" style="mso-list: l0 level1 lfo1; text-indent: -18.0pt;"><!--[if !supportLists]--><b><span lang="ES-MX">1.<span style="font-size: 7pt; font-stretch: normal; font-variant-east-asian: normal; font-variant-numeric: normal; font-weight: normal; line-height: normal;">
</span></span></b><!--[endif]--><b><span lang="ES-MX">Henri Díaz Vargas.<o:p></o:p></span></b></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="ES-MX"> Dramaturgo y realizador audiovisual.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><b><span lang="ES-MX">“Cine y dramaturgia”<o:p></o:p></span></b></p>
<p class="MsoNormal"><b><span lang="ES-MX"> 2.
William Castrillón Pérez:<o:p></o:p></span></b></p>
<p class="MsoNormal"><b><span lang="ES-MX"> “Arquetipos junguianos en el cine”<o:p></o:p></span></b></p>
<p class="MsoNormal"><b><span lang="ES-MX">
3. CORTOMETRAJES DE MEDELLÍN<o:p></o:p></span></b></p>
<p class="MsoNormal"><b><span lang="ES-MX">La doble vida de Morado: </span></b><span lang="ES-MX">Dirigido por Mateo Arango y Nicolás
Forero <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><b><span lang="ES-MX">Cantos al cielo - Documental: </span></b><span lang="ES-MX">Dirigido por Mateo Arango<b><o:p></o:p></b></span></p>
<p class="MsoNormal"><b><span lang="ES-MX">4. Oscar Mario Estrada Vásquez. </span></b><span lang="ES-MX">Realizador antioqueño.<b><o:p></o:p></b></span></p>
<p class="MsoNormal"><b><span lang="ES-MX">TEATRO Y CINE<o:p></o:p></span></b></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="ES-MX">10: 30 a.m.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><b><i><span lang="ES-MX">JAMES LLANOS GÓMEZ. </span></i></b><span lang="ES-MX">(Colombia)<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="ES-MX">Artista
Plástico. Gestor Cultural.<b><i><o:p></o:p></i></b></span></p>
<p class="MsoNormal"><b><span lang="ES-MX">“LA LÍNEA ROJA ENTRE EL TEATRO Y EL CINE”<o:p></o:p></span></b></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="ES-MX">11: 00 a.m.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><b><i><span lang="ES-MX">JORGE HERNANDO DELGADO</span></i></b><span lang="ES-MX">. (Colombia)<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="ES-MX">Historiador,
Cinéfilo.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><b><span lang="ES-MX">“TEATRO Y CINE: AMIGOS CON DERECHOS”.<o:p></o:p></span></b></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="ES-MX">11: 40 a.m.
<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><b><i><span lang="ES-MX">EMMANUEL MARÍN<o:p></o:p></span></i></b></p>
<p class="MsoNormal"><b><i><span lang="ES-MX">Estudiante. </span></i></b><span lang="ES-MX">(Colombia)<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><b><span lang="ES-MX">“LOS MISERABLES Y EL CINE LITERARIO”<o:p></o:p></span></b></p>
<p class="MsoNormal"><b><span lang="ES-MX"> </span></b></p>
<p align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;"><b><span lang="ES-MX">RECESO<o:p></o:p></span></b></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="ES-MX"> </span></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="ES-MX">2:00 P.M.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><b><i><span lang="ES-MX">JUAN GUILLERMO
RAMÍREZ. </span></i></b><span lang="ES-MX">(Colombia)<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="ES-MX">FILÓSOFO,
Crítico de Cine.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><b><span lang="ES-MX">“CONEXIONES ENTRE EL PENSAMIENTO FILOSÓFICO Y
LA PRÁCTICA TEATRAL”<o:p></o:p></span></b></p>
<p class="MsoNormal"><b><span lang="ES-MX">(Del Teatro al Cine de la Crueldad).<o:p></o:p></span></b></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="ES-MX">2: 45 p.m.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><b><i><span lang="ES-MX">YANARA GUAYASAMIN<o:p></o:p></span></i></b></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="ES-MX">Directora
de Cine. (Ecuador).<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><b><span lang="ES-MX">“EL TEATRO COMO RECURSO CINEMATOGRÁFICO”<o:p></o:p></span></b></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="ES-MX">3: 30 p.m.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><b><i><span lang="ES-MX">VÍCTOR BUSTAMANTE</span></i></b><span lang="ES-MX">. (Colombia)<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="ES-MX">Poeta, Escritor,
Cinéfilo. Educador.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><b><span lang="ES-MX">“DEL RADIO TEATRO AL CINE: ANTONIA SANTOS
(1944)”<o:p></o:p></span></b></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="ES-MX">4: 00 p.m.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><b><i><span lang="ES-MX">MIGUEL DÍAZ<o:p></o:p></span></i></b></p>
<p class="MsoNormal"><b><i><span lang="ES-MX">Dibujante,
caricaturista, Autor de Cómics. </span></i></b><span lang="ES-MX">(Cuba)<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="ES-MX">“AJIGUAGUAO”.
Serie de Televisión animada en Cuba. Estreno.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><b><span lang="ES-MX">4: 20 p.m.<o:p></o:p></span></b></p>
<p class="MsoNormal"><b><span lang="ES-MX">SANDRA MOYA ROMERO. </span></b><span lang="ES-MX">Directora de escena. Actriz.
Cantante. Estudió en España.<b><o:p></o:p></b></span></p>
<p class="MsoNormal"><b><span lang="ES-MX">MARÍA GUTIÉRREZ CEDRÓN. </span></b><span lang="ES-MX">HISTORIADORA del Arte. Escenógrafa.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><b><span lang="ES-MX">“ANÁLISIS SEMIÓTICO DE LA OBRA FÍLMICA
PERSECUCIÓN Y ASESINATO DE JEAN PAUL MARAT REPRESENTADO POR EL GRUPO TEATRAL
DEL HOSPICIO DE CHARENTON BAJO LA DIRECCIÓN DEL MARQUÉS DE SADE”<o:p></o:p></span></b></p>
<p class="MsoNormal"><b><span lang="ES-MX">5: 00 p.m.<o:p></o:p></span></b></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="ES-MX">Proyección
del Cortometraje <b>“COVA”</b>, presentado
por su editora, la joven cineasta <b>SALOMÉ
CASTRO DUQUE.</b> Homenajeada.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><b><span lang="ES-MX">5: 45 p.m.<o:p></o:p></span></b></p>
<p class="MsoNormal"><b><span lang="ES-MX">ALONSO MARULANDA.<o:p></o:p></span></b></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="ES-MX">TEATRISTA.<b> </b>(Colombia)<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><b><span lang="ES-MX">“EL TEATRO DE SOLUCIONES”<o:p></o:p></span></b></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="ES-MX">………….<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><b><span lang="ES-MX">7: 00 p.m.<o:p></o:p></span></b></p>
<p class="MsoNormal"><b><span lang="ES-MX">TEATRO DE CÁMARA DEL TEATRO SANTIAGO LONDOÑO<o:p></o:p></span></b></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="ES-MX">Proyección
del Cortometraje<b> “VICTORIO”, </b>del
cubano Joel Núñez. Presentación a cargo de José Luis Lobato.<b> <o:p></o:p></b></span></p>
<p align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;"><b><u><span lang="ES-CO">Lunes 21:<o:p></o:p></span></u></b></p>
<p align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;"><b><span lang="ES-CO">Lugar: HOTEL DEL CAFÉ. (Calle 20 No. 4-60). Sede del
evento.<o:p></o:p></span></b></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="ES-CO">9: 00 a.m.:
Conclusiones del Encuentro. Conversatorio. Propuestas para el ENCUENTRO
No. 25.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="ES-CO">10: 00 a.m.: Reunión de la Asociación Nacional de Críticos
y Periodistas de Cine.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="ES-CO">10: 30 a.m.: Entrega del fallo del 12 CONCURSO DE
CORTOMETRAJES DEL EJE CAFETERO.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="ES-CO"> </span></p>
<p align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;"><b><span lang="ES-CO">OTROS<o:p></o:p></span></b></p>
<p class="MsoNormal"><b><span lang="ES-CO" style="font-size: 16.0pt; line-height: 115%;">12 CONCURSO DE CORTOMETRAJES DEL EJE
CAFETERO.</span></b><i><span lang="ES-CO" style="color: red;"> <o:p></o:p></span></i></p>
<p style="text-align: justify;"><i style="text-align: left;"><span lang="ES-CO" style="color: red;"> </span><b><u><span lang="ES-CO">Todos los eventos con Entrada
libre y gratuita.</span></u></b></i> </p><p style="text-align: justify;"><br /></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi0TP122mbAkI-UeAtvWUE1z-I62I_vkKgMW-0O2H4YLUROw26oMao9BQ3tYCXDcYKR-_FApcJosDgzKxawBYe_3cg-qRJyk6F1Pt9NOKIE-a8WUuWLgNYZfxp9zwhO7kW3x_1B1Mw7pauiDzhG14uJkol8Qrh8tWp-iqCfPDUy4lMOetQgMfpSdGM4d8k/s1280/encuentro%20pereir%202.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1280" data-original-width="836" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi0TP122mbAkI-UeAtvWUE1z-I62I_vkKgMW-0O2H4YLUROw26oMao9BQ3tYCXDcYKR-_FApcJosDgzKxawBYe_3cg-qRJyk6F1Pt9NOKIE-a8WUuWLgNYZfxp9zwhO7kW3x_1B1Mw7pauiDzhG14uJkol8Qrh8tWp-iqCfPDUy4lMOetQgMfpSdGM4d8k/w261-h400/encuentro%20pereir%202.jpg" width="261" /></a></div><br /><p style="text-align: justify;"><br /></p>Omar Ahttp://www.blogger.com/profile/05665780406648038335noreply@blogger.com2tag:blogger.com,1999:blog-8116240328939524638.post-11149863231477687402023-03-20T19:19:00.001-07:002023-03-20T19:19:56.165-07:00Cine Sentido, nuevo libro de Omar Ardila<p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjzf12vAbR-MBRSuRIy_2qLrgo7vyZanABNvPr9vs5nQomt_fHsTxvC_JNl2w9c9vEinYWHQiYNtBA0hu7d_Y-SC9dYRQDJ29d5O6H42I3Jv9XOAm_1B0GUYONa083Uz4mnHENLEe7UUSvhH0mBGmwHVHgKujv8vUkprZvfTWzP7LM4OwL47_XirLVN/s868/Cine%20sentido%20libro.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="868" data-original-width="600" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjzf12vAbR-MBRSuRIy_2qLrgo7vyZanABNvPr9vs5nQomt_fHsTxvC_JNl2w9c9vEinYWHQiYNtBA0hu7d_Y-SC9dYRQDJ29d5O6H42I3Jv9XOAm_1B0GUYONa083Uz4mnHENLEe7UUSvhH0mBGmwHVHgKujv8vUkprZvfTWzP7LM4OwL47_XirLVN/w276-h400/Cine%20sentido%20libro.jpg" width="276" /></a></div><br /> <p></p><span style="font-family: times; font-size: large;"><b><div style="text-align: justify;"><b>La editorial Favila, de la ciudad de Bogotá, acaba de publicar mi más reciente libro: Cine Sentido. A continuación comparto el texto de la contraportada y enseguida las referencias de la publicación.</b></div></b><br /></span><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: times; font-size: large;">Un libro sobre cine protagonizado por la filosofía de Gilles Deleuze.</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: times; font-size: large;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: times; font-size: large;">Una parte importante de la filosofía desde finales del siglo XIX y hasta nuestros días ya no está en busca de la verdad. Esto ha redundado en las concepciones de las artes, la historia, la filsofía misma y del pensamiento en general. Una propuesta en esta vía es la de Gilles Deleuze: la búsqueda en cuanto deseo de los signos que otorgan sentido a nuestra existencia y a la existencia como tal. Los signos son la clave para pensar de otra forma, para expresarnos y producir aquellos sentidos (ideas) que nos permiten acercarnos a nosotros mismos desde eso que se ha excluido, se ha marginado de la existencia: aquello otro que nos constituye. Omar Ardila se apoya en esa propuesta para elaborar un recorrido muy personal y apasionado por diferentes hitos del cine, además de detenerse en algunpos de los realizadores más interesantes que ha tenido este medio, a pesar de que algunos pueden ser no tan conocidos en nuestro contexto, como Artavazd Pelechian, Miklós Jancsó, entre otros.</span></div><span style="font-family: times; font-size: large;"><br /></span><div style="text-align: right;"><b><span style="font-family: times; font-size: large;">Nota de contraportada del libro</span></b></div><span style="font-size: large;"><span style="font-family: times;"><br /><br />Referencias:<br /><br />Título: Cine sentido<br /><br />Autor: Omar Ardila<br /><br />Editorial: Favila<br /><br />Año de publicación: 2023<br /><br />Idioma: Español<br /><br />Categoría: Favila<br /><br />Género: Filosofía y cine<br /><br />Encuadernación: Rústica<br /><br />Dimensiones: 13.5 x 19.5<br /><br />Número de páginas: 184<br /><br />ISBN: 9786289536027<br /><br /><br /><b>Quienes estén interesados en adquirir el libro, pueden hacerlo a través de la tienda virtual de la Librería Favila, en el siguiente enlace: </b></span><a href="https://libreriafavila.com/products/cine-sentido-omar-ardila"><span style="font-family: times;">Tienda virtual Librería Favila</span></a></span>Omar Ahttp://www.blogger.com/profile/05665780406648038335noreply@blogger.com2tag:blogger.com,1999:blog-8116240328939524638.post-49050309822331505192022-11-21T19:11:00.001-08:002022-11-21T19:11:37.774-08:00Pier Paolo Pasolini: la poética de la realidad<p> </p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjPMJVjiKwXtQXBxnmy-xeQqaL0hbmdS-le0zghDY5SBDX_XRwWYz8sqpbG_UqmSlXkXFjH10Wgug4m7L9hsbuA5_zlVu2u0v0DOYn7NjWpSLKFeX9SXQsqtJAP7UiXrIpRpow6bDo48y_7xHTK6Hdt_QqFtgKJZEhoUnyGFAMGEod2x3GZx68jVrgN/s1706/Pasolini.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="960" data-original-width="1706" height="225" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjPMJVjiKwXtQXBxnmy-xeQqaL0hbmdS-le0zghDY5SBDX_XRwWYz8sqpbG_UqmSlXkXFjH10Wgug4m7L9hsbuA5_zlVu2u0v0DOYn7NjWpSLKFeX9SXQsqtJAP7UiXrIpRpow6bDo48y_7xHTK6Hdt_QqFtgKJZEhoUnyGFAMGEod2x3GZx68jVrgN/w400-h225/Pasolini.jpg" width="400" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><p></p><p align="center" class="MsoBodyText" style="text-align: center;"><i><span style="font-family: "Times New Roman",serif; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">"Han dicho que tengo tres ídolos:
Cristo, Marx y Freud. En realidad mi único ídolo es la Realidad. Si he elegido
ser cineasta al mismo tiempo que escritor, se debe al hecho de que en lugar de
expresar esta Realidad a través de esos símbolos que son las palabras, he
preferido el cine como medio de expresión: expresar la Realidad a través de la
Realidad".<o:p></o:p></span></i></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<p align="center" class="MsoBodyText"><i><span style="font-family: "Times New Roman",serif; mso-bidi-font-size: 12.0pt;"> </span></i></p>
<p align="center" class="MsoBodyText"><span style="font-family: "Times New Roman",serif; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">(P.P.
Pasolini)<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-TRAD"> </span> </p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-TRAD">En el 20</span><span lang="es-419">22</span><span lang="ES-TRAD"> se
cumpl</span><span lang="es-419">en</span><span lang="es-419"> </span><span lang="es-419">cien años</span><span lang="ES-TRAD"> de</span><span lang="es-419">l
nacimiento de </span><span lang="ES-TRAD">Pier Paolo Pasolini (Bolonia</span><span lang="es-419">,</span><span lang="ES-TRAD"> 1922 –
Roma</span><span lang="es-419">,</span><span lang="ES-TRAD"> 1975). </span><span lang="es-419">Presento
un recorrido breve por su biografía, sus obras conematográficas y algunas
características y reflexiones teóricas sobre el cine. <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="es-419"> </span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="es-419">ESBOZO BIOGRÁFICO</span> </p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES-TRAD">Desde los siete años empezó a manifestar por escrito su asombro
ante la existencia con la construcción de sus primeros poemas, anotados en un
cuaderno que se perdió durante la guerra. A los dieciocho, publicó por primera
vez en algunas revistas locales unos textos escritos en fruliano (su lengua
nativa); y a los veinte, dio a conocer su primer libro de poesía <i>(Poesie a Casarsa)</i>, estando aún en su
provincia.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES-TRAD">Durante este periodo se estaba viviendo el avance de la II Guerra
Mundial. Pasolini entendió que era necesario emprender una práctica activa para
la defensa de su territorio. Entonces decide interesarse por la ideas marxistas
– las cuales le acompañarían durante toda su existencia – para entender el
fenómeno de la <i>lucha de clases</i> como
propulsor del cambio social. En la guerra ve con dolor y esperanza, cómo su
hermano Guido sacrifica la vida por la causa antifascista, y cómo los
partisanos enfrentan las tropas yugoslavas que querían invadirlos.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES-TRAD">En 1945, se graduó en Letras en la Universidad de Bolonia, y
comenzó su trabajo como profesor en la provincia de Udine. Hacia 1947, se vinculó
al Partido Comunista Italiano, realizando escritos periodísticos que animaban
al pueblo para la resistencia. En 1950, tras la denuncia que recibió por
corrupción de menores, abandonó el interior y se fue a instalar en Roma, la
capital. Allí publicó durante la primera etapa de su estancia (1950-1961) el
primer volumen de las poesías dialectales, <i>La
meglio gioventú </i>(1954)<i>;</i> la novela
<i>Ragazzi di Vita </i>(1955)<i>; </i>el poemario<i> Ceneri di Gramsci </i>(1957), el libro de ensayos <i>Passione e ideología </i>(1960); y un nuevo libro de versos <i>La religione del mio tempo </i>(1961). Al
mismo tiempo, fue estableciendo contacto con personas del mundo cinematográfico
como Fellini y Bertolucci, para quienes desarrolló labores de guionista,
ayudante y actor.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES-TRAD">En 1961, comienza la etapa dedicada a la creación cinematográfica.
Su ópera prima, <i>Accattone</i>, es
presentada en el XXII Festival de Cine de Venecia y recibida con bastantes
reparos por diversos estamentos oficiales, aunque también fue elogiada por
pequeños círculos intelectuales – lo que se volvería una constante con todas
sus producciones fílmicas –. En 1962 realiza <i>Mamma Roma</i>, en la cual mantiene la preocupación conceptual por
desnudar una sociedad de consumo que le va cerrando las puertas a los
protagonistas hasta dejarles como única salida la muerte. Hacia 1964, dirige <i>El evangelio según San Mateo</i>, obra
cumbre que explora el evento de la pasión desde la óptica de los excluidos. Más
adelante, siguiendo el interés por renovar sus discursos, se adentra en la
reflexión sobre el mundo mítico y psicológico, sin olvidar el asentamiento en
la realidad que dichas expresiones subjetivas manifiestan. En este periodo
dirige <i>Edipo rey </i>(1967)<i>, Teorema </i>(1968)<i>, Pocilga </i>(1969) y <i>Medea </i>(1970).
La visión regresiva con que asume el mito en dichos filmes, es provocadora y
muy cuestionada. Posteriormente, concentra la atención en la experiencia de lo
mágico, de lo primario, de lo original, de lo poético, y construye la “Trilogía
de la vida”, compuesta por <i>El Decamerón </i>(1971)<i>, Los cuentos de Canterbury </i>(1972) y <i>Las mil y una noches </i>(1974). Y para
cerrar su producción fílmica, nos volvió a cuestionar sobre el fascismo
interior que aflora y se adentra en nuestro desvalido cuerpo (materia), con su
obra, quizá, más polémica, <i>Saló o los 120
días de Sodoma</i> (1975). En ella, el punto de análisis, denuncia y
provocación que alcanza es muy alto, pues muestra con crudeza cómo hay de por
medio un sistema que busca, por todos los medios, generar eventos donde la
fragilidad del ser humano se pueda utilizar para imponer sus nocivas
intenciones.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES-TRAD">En otra faceta de Pasolini, lo encontramos realizando escritos
periodísticos; aprovechando la posibilidad de publicar en varios medios
(algunos muy distantes de su posición ideológica como <i>El Corriere della Sera</i>) para comunicar sintéticamente sus
reflexiones en torno a temas culturales y políticos. Éstos escritos mantienen
el estilo fuerte, directo y lleno de lucidez ante el fenómeno del hombre-masa,
cada vez más imposibilitado para la autodeterminación. Tras conocer el <i>estructuralismo</i> y la <i>fenomenología</i> – referentes teóricos
afianzados en los años sesenta – Pasolini se concentra en hacer un estudio del
“cambio antropológico del pueblo italiano”. Su origen campesino, su amor por el
territorio, su compromiso político, su conocimiento de las distancias de clase,
su formación lingüística y su afecto evidente por las maneras primarias, le
sirven como sustento propicio para desarrollar su análisis, el cual no deja muy
alentadores resultados, pues confirma cómo el fascismo se ha arraigado en el
interior de todos los actores sociales, de tal forma que ya resulta muy difícil
distinguir sus intenciones. Sin duda, estas polémicas afirmaciones le valieron
la crítica de agudos intelectuales como Italo Calvino; pero Pasolini respondería
que la elección de un joven para ser fascista era producto de la desesperación
y de la neurosis que le causaba el crecimiento del sistema capitalista. Los
escritos periodísticos en que Pasolini dio a conocer los anteriores puntos de
vista, han sido editados en varios tomos, con los títulos de <i>Las bellas banderas, Cartas luteranas</i> y <i>Los escritos corsarios</i>.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoBodyText" style="text-align: justify; text-indent: 35.45pt;"><span style="font-size: medium;"><span style="font-family: "Times New Roman",serif; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">Pasolini fue uno de los hombres que
mejor lectura hizo de la realidad y que comprometió todas sus fuerzas para dar
a conocer esa experiencia. “Estuvo atravesado por la nueva sociología
americana, por las nuevas formas del catolicismo social, por el nuevo
psicoanálisis y por los primeros textos de los marxistas disidentes”. As</span><span lang="es-419" style="font-family: "Times New Roman",serif; mso-ansi-language: #580A; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">i</span><span style="font-family: "Times New Roman",serif; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">mismo, vivió el ascenso y la caída del
sistema fascista y la posterior derechización de sus compatriotas. Entendió que
todo aquello respondía al afianzamiento del neocapitalismo y levantó la voz
para denunciar “el polvo de la pobreza” y la encarnación simbólica de la
burguesía en las nuevas posturas ideológicas. Sostuvo una mirada crítica e
irónica frente al discurso oficial de la iglesia y frente a la lingüística como
constructora de significantes y significados para mantener la opresión en todos
los órdenes. Logró integrar</span><span lang="es-419" style="font-family: "Times New Roman",serif; mso-ansi-language: #580A; mso-bidi-font-size: 12.0pt;"> con
claridad</span></span><span style="font-family: "Times New Roman",serif; mso-bidi-font-size: 12.0pt;"><span style="font-size: medium;">
los vínculos que establecen los intereses económicos con las funciones
lingüísticas y promovió, en cambio, una lingüística pobre, es decir, universal,
vinculante, genérica.</span><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES-TRAD">La lucha de Pasolini frente a sí mismo comenzó desde muy temprano,
cuando fue comprendiendo los estigmas del nacimiento, de la infancia y de la
educación, los cuales le iban generando una separación del cuerpo sexuado y del
mundo interior – la castración como determinante de las sociedades modernas –.
Por ello, siempre buscó la reconstrucción de la dinámica vital en el
entendimiento de las prácticas sexuales. El poderío y la fuerza del impulso
sexual vertido hacia el fortalecimiento del cuerpo y la potencialización del
deseo erótico.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES-TRAD">Pasolini mismo se reconoce como crítico apasionado y como
ideólogo. Como crítico, confrontó la crítica del gusto (de los moralistas
liberales); la crítica de la comunión estética (de los esteticistas católicos);
y la naciente crítica neocapitalista, dispuesta a imponer a las masas lo que
éstas acepten que se les imponga (los críticos limitados a ser inventores de
slogan), para terminar creando un mundo inexpresivo, sin diversidad de culturas
(homogéneo). Como ideólogo, mantuvo una lucha contra el hermetismo y el
novecentismo, bajo la inspiración constante de Gramsci.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.45pt;"><span lang="ES-TRAD">Apostó con su obra a la marginación, a despecho del éxito. Elogió
la droga, la inmundicia, la rabia y el suicidio, como las únicas esperanzas que
le quedaban – junto con la religión – a esa sociedad decadente. Tal como lo
anotó Federico<b> </b>Fellini, “Pasolini
era una persona capaz de embriagarse con el peligro, con el lado emocionante,
misterioso y diabólico que éste tiene”. Seguro de que su compromiso no solo era
con la escritura sino con la vida, propuso resistir con el <i>escándalo</i> y la <i>rabia</i> ante
la vulgaridad de la burguesía. Es decir, siguió un itinerario que buscaba
unificar la contestación y la acción. Diría con certeza: “No hay más poesía que
la acción real”, aunque anhelaba aquella poesía que es acción en sí misma, que
está desapegada de las cosas.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.45pt;"><span lang="ES-TRAD">Pasolini asegura que su obra es un grito, grito terrible y alegre,
grito que espera que alguien lo escuche y que a la vez maldice a quien lo
escucha. “Es un aullido para proclamar que existo, que soy”. Un grito que, en
el fondo, tiene un acento de esperanza y que, ante todo, tiene la seguridad de
estar destinado a perdurar más allá de todo fin posible. Pero aclara que su
planteamiento no es cultural</span><span lang="es-419">,</span><span lang="ES-TRAD"> en pro de la cultura italiana</span><span lang="es-419">,</span><span lang="ES-TRAD"> sino
existencial, a partir de las experiencias cotidianas.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-TRAD"> </span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-TRAD"> </span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhYrsTy6vDYK1EbaBZSJvhgI2xF_AYliS-z5c6RUVpuCCn9wDbXyBf7erJLUvG9WJGTfjhob5a3le5A6g4vJGuQoj75t19zSmovCTXqqbf7eiH4RT9hBrC_95F-LxQZwXT9WpcoN2LOaTwaVrlm9jar21MrbWNTyPOqPY-qHE5-zffsR3NdU5E0FWVO/s960/Pasolini%202.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="640" data-original-width="960" height="266" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhYrsTy6vDYK1EbaBZSJvhgI2xF_AYliS-z5c6RUVpuCCn9wDbXyBf7erJLUvG9WJGTfjhob5a3le5A6g4vJGuQoj75t19zSmovCTXqqbf7eiH4RT9hBrC_95F-LxQZwXT9WpcoN2LOaTwaVrlm9jar21MrbWNTyPOqPY-qHE5-zffsR3NdU5E0FWVO/w400-h266/Pasolini%202.jpg" width="400" /></a></div><br /><p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="es-419">OBRAS CINEMATOGRÁFICAS<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="es-419"> </span>Su cine se desarrolla entre 1961 y 1975 y puede
agruparse de la siguiente forma, si tenemos en cuenta sus temáticas y
preocupaciones vitales.</p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="es-419"> </span> </p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b><span lang="es-419">La muerte y los
entornos de miseria<o:p></o:p></span></b></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="es-419"> </span><i><span lang="es-419">Accattone</span></i><span lang="es-419">. La historia de la salvación de un
alma. Inicia con unos versos del canto V del Purgatorio de Dante sobre la
disputa por su alma entre el ángel y el diablo. Una tragedia subproletaria.</span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="es-419"> </span><i><span lang="es-419">Mamma Roma</span></i><span lang="es-419">. Relación entre la madre
prostituta y su hijo ladrón. También centrada en el subproletariado aunque con
distintos abordajes. Insisten en el tema de la muerte desde distintas aristas,
pero coincida en que la muerte es una condena en los escenarios de miseria.</span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="es-419"> </span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b><span lang="es-419">Diálogo entre
Occidente y Tercer Mundo<o:p></o:p></span></b></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="es-419"> </span><i><span lang="es-419">La ricotta</span></i><span lang="es-419">. Cortometraje sobre la parábola de
la higuera maldita, buscaba transponer parábolas cristianas al mundo
contemporáneo. Relación pintura/cine es fundamental, por la materialidad del
hecho artístico y por la incorporación del color y la detención en las líneas
del cuerpo. Reconstrucción de la pintura del siglo XVI.</span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><i><span lang="es-419"> </span></i><i><span lang="es-419">El evangelio según
san Mateo</span></i><span lang="es-419">. No
escribe un guion sino que retoma el texto del evangelista aunque vincula
diversos temas bíblicos sin la linealidad del texto. No busca reconstruir la
vida de Jesús sino responder a una pregunta mucho más compleja: ¿Qué hacer en
ese presente histórico con la tradición católico-cristiana? ¿Qué hacer con el
anacronismo de las manifestaciones religiosas y la facilidad con que la izquierda
la condena? El mecanismo es la palabra y el silencio, se retoma la palabra del
texto y se complementa con el gesto silencioso. Cristo deja de ser protagonista
y pasa a ser un medio de la palabra. El llamado es la palabra como agente de
cambio. Rompen estructuras de la diégesis.</span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="es-419"> </span><i><span lang="es-419">Pajaritos y
pajarracos</span></i><span lang="es-419">. Una
lectura simbólica del choque entre el mundo occidental y el Tercer Mundo. El
racionalismo occidental y su conflicto con la emergencia y el consumo de algo
que es diferente y confronta. Pone en duda el racionalismo marxista por la
imposibilidad de responder ante las otras problemáticas del afuera territorial.</span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="es-419"> </span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b><span lang="es-419">La vuelta al mito<o:p></o:p></span></b></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="es-419"> </span><i><span lang="es-419">Edipo Rey</span></i><span lang="es-419">. Vuelta al mito griego en la
Italia de los 20 del siglo XX y luego en los años 60 cuando es consciente de
sus confrontaciones interiores. Inspirado en dos tragedias de Sófocles: Edipo
Rey y Edipo en Colono. Desnuda la lucha entre el amor madre-hijo y la
rivalidad-odio con el padre que es un militar, como el padre de Pasolini.</span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="es-419"> </span><i><span lang="es-419">Medea</span></i><span lang="es-419">. Inspirado en Eurípides. Estas dos
obras que retoman el mito, tienen un contenido autobiográfico, una vuelta sobre
sí, mediado por la presencia de Freud. Lo onírico, la transgresión, la
diferencia sexual. Vuelve a buscar la integración entre la tradición y la
modernidad, pero lamentablemente no lo logra.</span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="es-419"> </span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b><span lang="es-419">Trilogía de la vida<i> <o:p></o:p></i></span></b></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><i><span lang="es-419"> </span></i><i><span lang="es-419">El Decamerón</span></i><span lang="es-419">. Una lectura crítica y un diálogo
con el texto del escritor italiano. Se ubica en Nápoles, con su propia lengua y
aunque son varias historias, es una sola historia, un filme coral. Un filme
sobre el pueblo y del pueblo para el pueblo.</span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="es-419"> </span><i><span lang="es-419">Los cuentos de
Canterbury</span></i><span lang="es-419">. Otro
diálogo con el autor Chaucer en el que Pasolini mismo interpreta al autor de
los cuentos (de los 21, selecciona 9) de nuevo integrados en una sola obra,
“contada solo por el placer de contar, Amén”.</span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="es-419"> </span><i><span lang="es-419">Las mil y una noches</span></i><span lang="es-419">. Pasolini se levanta para defender
el derecho de un escritor comprometido y comunista a escribir fábulas, a
escribir por el gusto de contar. La libertad de los jóvenes púberes que desean
pero todavía no han encontrado el complemento de otro cuerpo. El mismo
escritor-Pasolini dice: “Hace falta tener la libertad de contar historias
políticas, no la obligación de contar historias políticas”</span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="es-419"> </span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b><span lang="es-419">Trilogía del poder<o:p></o:p></span></b></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="es-419"> </span><i><span lang="es-419">Teorema</span></i><span lang="es-419">. Se inscribe en la trilogía sobre
el poder. Inicialmente un poema, luego una prosa poética (libro) y luego el
filme. El fondo de las luchas estudiantiles del 68. El conflicto con esos
movimientos y la crítica de Pasolini que los consideraba burgueses. Un
misterioso que se relaciona con la burguesía y los descompone. Que se relaciona
con Dios y lo hace dudar.</span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="es-419"> </span><i><span lang="es-419">Pocilga</span></i><span lang="es-419">. Dos episodios, uno antiguo y uno
moderno que se entrecruzan. Joven caníbal y burgués criminal. “He matado a mi
padre, he comido carne humana, me estremezo de alegría”, expresión final del
protagonista a la espera de la muerte. </span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="es-419"> </span><i><span lang="es-419">Saló</span></i><span lang="es-419">. Inspirado en la novela de Sade <i>Los 120 días de Sodoma</i>. La estructura
simbólica del número 4. Cuatro señores que representan 4 poderes (nobiliario,
religioso, judicial y económico), cuatro brujas, antiguas meretrices y un grupo
de jóvenes capturados para satisfacer los deseos del poder. Sigue una
estructura de Dante: un anteinfierno y tres círculos (círculo de las manías,
círculo de la mierda y círculo de la sangre). Y los jóvenes como grupo también
se dividen (tal cual el poder) en víctimas, soldados, colaboracionistas y
servidumbre.</span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="es-419"> </span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj38rGBsSDkQTt3pXRSWueaMuULL8IXK_REuoUWrSae20NSSEcSnS6MXytjbUJn7Fj2M0uF0KRTodkKCyMx9g1ca0SVAPT4zxTaa8sTEYY0fvW33S2uGhv2F18Z0-xFHTxFMTGhUMX85laE3Z6k1tEVzxz9-cFQFkxDChYT74mL_xhhAgJsmIITh2_f/s680/Pasolini%203.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="510" data-original-width="680" height="300" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj38rGBsSDkQTt3pXRSWueaMuULL8IXK_REuoUWrSae20NSSEcSnS6MXytjbUJn7Fj2M0uF0KRTodkKCyMx9g1ca0SVAPT4zxTaa8sTEYY0fvW33S2uGhv2F18Z0-xFHTxFMTGhUMX85laE3Z6k1tEVzxz9-cFQFkxDChYT74mL_xhhAgJsmIITh2_f/w400-h300/Pasolini%203.jpg" width="400" /></a></div><br /><p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="es-419"> </span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="es-419">CARACTERÍSTICAS<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="es-419"> </span><span lang="es-419">-</span><span lang="ES-TRAD">Es difícil reducir
la obra de Pier Paolo Pasolini a un todo homogéneo, a un objeto de estudio. Su
vocación poética opone resistencia a todo intento de “encuadrarla” de forma
lingüística, iconográfica, política o semiótica.</span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-TRAD"> </span><span lang="es-419">-</span><span lang="ES-TRAD">En Pasolini
encontramos un verdadero intelectual que logró comunicar su experiencia
creativa desde distintas posibilidades del saber cómo la poesía, la narrativa,
la dramaturgia, la lingüística, la política, el cine y el periodismo. A lo
largo de toda su obra</span><span lang="es-419">,</span><span lang="ES-TRAD"> siempre lo vemos interrogándose por la dinámica humana a partir
de su propia vivencia. Entiende que la lucha es ante todo consigo mismo </span><span lang="es-419">– </span><span lang="ES-TRAD">como
sujeto que reproduce los lineamientos de una sociedad</span><span lang="es-419"> – </span><span lang="ES-TRAD">y no duda en
desafiar las instituciones que lo llevaron – que a todos nos han llevado – a
vivir una disociación esquizoide, es decir, la familia, la escuela, la lengua,
el partido político, el estamento religioso, entre tantas otras.</span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-TRAD"> </span><span lang="es-419">-</span><span lang="ES-TRAD">Pasolini<b> </b>siempre estuvo preocupado por la
innovación y por comunicar el análisis que hacía de la estructura social, con
el fin de convertir su creación en una forma de acción política. Es así como le
surgió el interés por el cine, al cual consideraba un medio de comunicación
directo y eficaz para llegarle a los jóvenes y establecer con ellos un diálogo
que permitiera controvertir los postulados generalizados. Además, veía en el
cine, una posibilidad de confrontar la televisión y su influjo nefasto en la
construcción unidireccional de referentes lingüísticos.</span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-TRAD"> </span><span lang="es-419">-</span><span lang="ES-TRAD">Pasolini encuentra</span><span lang="es-419"> en el cine</span><span lang="ES-TRAD"> un camino claro para la acción, para contrarrestar las dinámicas
burguesas, fortalecidas tras el fin de la II Guerra Mundial. La intención en su
filmografía es confirmar que “el sistema de signos del cine es el mismo de la
realidad”. La manera como se nos presenta un rostro en la pantalla o en la vida
real, nos genera un acercamiento a través de los mismos signos de entendimiento
que ha asimilado nuestro sistema intelectivo. Por supuesto, esto es válido en
una concepción del <i>cine puro</i>, no
sometido a manipulaciones comerciales. Aunque Pasolini advierte que, al final,
ese manejo artificioso propio del cine, terminará saliendo a la luz y desnudando
el soporte ideológico que le ha dado vida. También anotaba, que el cine para
que tenga una renovación permanente debe estar lo menos manipulado posible
(tanto a nivel comercial como estilístico), pues tanto el cine comercial como
el de autor, están creando nuevas realidades, y es el director, en tanto
lector-constructor de realidad, quien acerca al espectador a su experiencia. Un
director que siga la renovación constante de la realidad, será quien pueda
decir cosas nuevas en sus películas. La realidad habla por sí misma a través de
su sistema de signos, lo mismo que el cine. “¡La realidad es un lenguaje! Lo
que hay que hacer es la semiología de la realidad; no la del cine”. La realidad
se habla a sí misma, y el cine se encuentra en medio de esa conversación para
dar cuenta a través de su mecanismo, de cómo el arte tiene una presencia
directa en la conformación y el cambio de la realidad.</span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-TRAD"> </span><span lang="es-419">-</span><span lang="ES-TRAD">La sensibilidad
artística y el compromiso político y social presentes en la poesía y la
narrativa de Pasolini, vinieron a tener una expresión más amplia y directa en
la obra cinematográfica que alcanzó a desarrollar. En su cine, Pasolini
continúa con la acción contestataria, crítica y provocadora, al tiempo que,
opta por seguir al lado de los personajes desechados por la sociedad burguesa (<i>Accattone</i>, <i>Mamma Roma</i>) para mostrarlos como sujetos desprovistos de autonomía,
de discursos y de prácticas propias.</span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-TRAD"> </span><span lang="es-419">-</span><span lang="ES-TRAD">Ante una sociedad
que intenta reproducir sistemas uniformes, no puede callar el intelectual
comprometido con el cambio. Por eso, siguiendo el ejemplo de Antonio Gramsci<b> </b>– su gran inspirador –, Pasolini llevó
su compromiso artístico hasta las últimas consecuencias, afrontando el ataque
continuo de las instituciones oficiales – tuvo alrededor de 35 procesos
judiciales – y entregando su vida a la denuncia y el repudio de las prácticas
nocivas que realizaban los estamentos políticos y religiosos.</span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-TRAD"> </span>-Uno de los elementos más característico de
Pasolini es la materialidad (el sol, los cuerpos, las caras, el fango, las
ruinas)</p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="es-419"> </span>-Uso de la cámara como medio construir apuntes.</p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="es-419"> </span><span lang="es-419">-</span><span lang="ES-TRAD">En cuanto al manejo
narrativo, propuso una nueva estructura atendiendo a los virajes, a las
multiplicidades que atraviesan la existencia. Anotó: “La mía no es una novela
de <i>piezas ensartadas</i> sino de <i>hormigueo</i>”. Estableció diálogos directos
con el lector, y olvidó la convencionalidad de usar un narrador.</span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-TRAD"> </span><span lang="es-419">-</span><span lang="ES-TRAD">Para </span><span lang="es-419">Pasolini</span><span lang="ES-TRAD">
las imágenes en el cine son concretas</span><span lang="es-419">,</span><span lang="es-419"> </span><span lang="es-419">en</span><span lang="ES-TRAD"> oposición a las imágenes de la literatura
que</span><span lang="es-419">,</span><span lang="ES-TRAD"> usualmente</span><span lang="es-419">,</span><span lang="ES-TRAD"> son abstractas. Además</span><span lang="es-419">,</span><span lang="ES-TRAD"> afirma que el cine tiene un componente
objetivo, pues</span><span lang="es-419">to que</span><span lang="ES-TRAD"> incorpora elementos (arquetipos) de la mímica del habla y de la
realidad vista por los ojos. El director fílmico, libremente escoge objetos,
paisajes o personas como <i>sintagmas</i>
(signos de una lenguaje simbólico) que tienen una larga historia
pre-gramatical. Lo que se ha logrado configurar como convención (diccionario)
responde a cuestiones estilísticas y no gramaticales. Las convenciones han
surgido como <i>estilemas</i> y </span><span lang="es-419">solo </span><span lang="ES-TRAD">después
se han convertido en sintagmas. </span><span lang="es-419">Sin embargo,</span><span lang="ES-TRAD"> el estilo va cambiando
rápidamente con las innovaciones de los nuevos movimientos.</span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-TRAD"> </span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg8wKGQH_JD5o93q5UuhdJfWsEd_hyr8eI09p4XpIYziBVKlpamyjkBF94u-nwSQ5_ofZSxaJGgOY34WBOzl6kR3zNNaRAfZqIPXQiKwkG-BlkHgNmOLg5muf4Os3AH_9pm57lEEmVc803Lkwvd9RvY0N_keEA2PL9OGLjiCNmwMiyVl-F_JKIJlL7k/s1200/Pasolini%204.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="675" data-original-width="1200" height="225" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg8wKGQH_JD5o93q5UuhdJfWsEd_hyr8eI09p4XpIYziBVKlpamyjkBF94u-nwSQ5_ofZSxaJGgOY34WBOzl6kR3zNNaRAfZqIPXQiKwkG-BlkHgNmOLg5muf4Os3AH_9pm57lEEmVc803Lkwvd9RvY0N_keEA2PL9OGLjiCNmwMiyVl-F_JKIJlL7k/w400-h225/Pasolini%204.jpg" width="400" /></a></div><br /><p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="es-419">-Pasolini</span><span lang="es-419"> </span><span lang="es-419">c</span><span lang="ES-TRAD">onsidera
a la lengua como un instrumento de comunicación</span><span lang="es-419">,</span><span lang="ES-TRAD"> mas no de
expresividad. Dice que hay una “lengua de clase” y que el modelo que se ha afianzado
es el de las superestructuras culturales</span><span lang="es-419">;</span><span lang="es-419"> </span><span lang="es-419">sin embargo, reconoce que en su
tiempo</span><span lang="ES-TRAD"> se</span><span lang="es-419"> han impuesto</span><span lang="ES-TRAD"> las lenguas de las
infraestructuras, los técnicos</span><span lang="es-419"> y</span><span lang="ES-TRAD"> la producción, lo </span><span lang="es-419">que</span><span lang="ES-TRAD"> define una
evolución socio-lingüística, y </span><span lang="es-419">en este lugar</span><span lang="ES-TRAD"> es donde ubica al cine, </span><span lang="es-419">teniendo en cuenta</span><span lang="ES-TRAD"> que éste comienza de cero, en cuanto a determinantes <i>sígnicos</i>, por lo tanto, la primera labor
del creador cinematográfico es lingüística y sólo, posteriormente, estética; </span><span lang="es-419">algo </span><span lang="ES-TRAD">contrario
a lo que sucede en la literatura, </span><span lang="es-419">en la que</span><span lang="ES-TRAD">, de entrada, </span><span lang="es-419">se supone que debe constituirse
como una</span><span lang="ES-TRAD"> creación estética. <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-TRAD"> </span><span lang="es-419">-Pasolini también afirma </span><span lang="ES-TRAD">que el cine </span><span lang="es-419">recoge</span><span lang="ES-TRAD"> “toda la vida en el conjunto de sus
acciones, es natural y viviente: en esto, es lingüísticamente el equivalente de
la lengua oral en su momento natural o biológico”</span><span lang="es-419">;</span><a href="file:///D:/Pier%20Paolo%20Pasolini%20100%20a%C3%B1os.docx#_ftn1" name="_ftnref1" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><span lang="ES-TRAD"><span class="MsoFootnoteReference"><span lang="ES-TRAD" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; mso-ansi-language: ES-TRAD; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-TRAD;">[1]</span></span></span></span></a><span lang="ES-TRAD"> y si quisiéramos pensar en una gramática cinematográfica,
tendríamos que decir que la unidad mínima de la <i>cinelengua</i> serían los <i>cinemas
</i>(“los objetos, las formas o actos de la realidad permanentes dentro de la
imagen cinematográfica”</span><span lang="es-419">)</span><a href="file:///D:/Pier%20Paolo%20Pasolini%20100%20a%C3%B1os.docx#_ftn2" name="_ftnref2" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><span lang="ES-TRAD"><span class="MsoFootnoteReference"><span lang="ES-TRAD" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; mso-ansi-language: ES-TRAD; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-TRAD;">[2]</span></span></span></span></a><span lang="ES-TRAD">. Los cinemas son “pescados” de la realidad o del significado de
la realidad, en un eje vertical (imaginario y gráfico) que es el del <i>cine-lengua</i>. El lenguaje de la realidad
(natural) se hace “escrito” a través del cine. Con esto quiere decir que la
naturaleza del cine es la misma realidad</span><span lang="es-419">:</span><span lang="ES-TRAD"> “el cine como
lengua escrita de la realidad”</span><span lang="es-419">,</span><span lang="ES-TRAD"> que se manifiesta siempre en acciones. De </span><span lang="es-419">acuerdo a este postulado</span><span lang="ES-TRAD">, lo que es necesario hacer es la semiología de la realidad. En
principio, Pasolini entiende el cine como un plano–secuencia ininterrumpido e
infinito – inscrito en la realidad</span><span lang="es-419"> –,</span><span lang="ES-TRAD"> pero ya en el ejercicio del <i>filme</i></span><i><span lang="es-419">,</span></i><span lang="ES-TRAD"> no cree que sea un plano-secuencia sino que es cortado por el
montaje, el cual aísla las “cosas” del mundo en una continuidad e infinitud
lineal “sintética”. En el cine se está vivo (presente)</span><span lang="es-419">, e</span><span lang="ES-TRAD">n el filme se
muere, se hace concluso (pasado). Es el montaje</span><span lang="es-419">, entones,</span><span lang="ES-TRAD"> el que
instala eventos fuera del tiempo.</span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-TRAD"> </span><span lang="es-419">-</span><span lang="ES-TRAD">Pasolini llega a su
máxima conceptualización cuando habla de la “lengua de poesía” </span><span lang="es-419">– </span><span lang="ES-TRAD">irracional</span><span lang="es-419"> –,</span><span lang="ES-TRAD"> la
que </span><span lang="es-419">anhela que</span><span lang="es-419"> </span><span lang="es-419">se adueñe</span><span lang="ES-TRAD"> del cine. </span><span lang="es-419">Sostiene
que la</span><span lang="ES-TRAD"> historia del cine nos muestra un numeroso
grupo de filmes que hacen parte de la “lengua de la prosa cinematográfica
narrativa” (<i>Modo de Representación
Institucional</i>), en los cuales</span><span lang="es-419">,</span><span lang="ES-TRAD"> la función primordial es la de comunicar,
mientras que en el nuevo cine (<i>cine de
poesía</i>) lo que se pretende es transportar a estados interiores</span><span lang="es-419"> y</span><span lang="ES-TRAD">
generar “comunicación con uno mismo” (nueva
subjetividad), </span><span lang="es-419">y
</span><span lang="ES-TRAD">para ello, </span><span lang="es-419">el realizador debe</span><span lang="ES-TRAD"> pasar del “no hacer sentir
la cámara” al “hacer sentir la cámara”, manteniendo un particular ritmo que le
abre la dimensión espacio-temporal al cine</span><span lang="es-419">; de ahí, se</span><span lang="ES-TRAD"> infiere
que el cine es una lengua espacio-temporal mas no audio-visiva</span><span lang="es-419">.</span></p>
<p class="MsoNormal">Cierro
este recuerdo con una nueva cita de Pasolini:</p>
<p align="center" class="MsoNormal"><i><span lang="ES-TRAD">“El sistema de signos del cine es el mismo que
el de la realidad. Por ejemplo: estoy viendo la cara de un muchacho con el pelo
muy muy rizado, unos ojillos rientes y una expresión cómica e inocente que
parece amasada en su propia carne. ¿De qué se trata? ¿De un muchacho que tengo
delante de mí realmente o de un primer plano que aparece en la pantalla? Sea lo
que sea, me habla de la misma manera, y yo lo entiendo a través de los mismos
signos. La verdadera naturaleza de ese muchacho se me presenta y expresa de la
misma manera tanto en la vida real como en la pantalla.<o:p></o:p></span></i></p>
<p align="center" class="MsoNormal"><i><span lang="ES-TRAD">Estoy hablando, claro está, de cine puro, no
de manipulaciones comerciales (en las que todo puede estar falseado por el
manierismo del director y de los actores…, pero falseado hasta qué punto, me
pregunto; la verdad, al final, ¿no acabará saliendo a la luz? Si el actor es un
idiota que interpreta a un genio, ¿no acabará viéndose que es un idiota?). Para
que el cine pueda hacer cosas nuevas tiene que estar lo menos manipulado
posible, ya sea en el sentido de la comercialidad o ya sea en el sentido de la
experimentación estilística: una película de Mekas y una de Hollywood están,
ambas, igual de lejos de la realidad.<o:p></o:p></span></i></p>
<p align="center" class="MsoNormal"><i><span lang="ES-TRAD">Y sólo la realidad puede ser, o ser vista, de
manera distinta. Si un director tiene una idea nueva de la realidad, dirá cosas
nuevas en sus películas.”<o:p></o:p></span></i></p>
<p align="center" class="MsoNormal"><span lang="ES-TRAD">(P.P.
Pasolini)<o:p></o:p></span></p>
<div><!--[if !supportFootnotes]--><br clear="all" />
<hr align="left" size="1" width="33%" />
<!--[endif]-->
<div id="ftn1">
<p class="MsoNormal"><a href="file:///D:/Pier%20Paolo%20Pasolini%20100%20a%C3%B1os.docx#_ftnref1" name="_ftn1" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><span lang="ES-TRAD"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span lang="ES-TRAD" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; mso-ansi-language: ES-TRAD; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-TRAD;">[1]</span></span><!--[endif]--></span></span></a><span lang="ES-TRAD"> </span><span lang="ES-TRAD" style="font-size: 10.0pt;">Pasolini</span><span lang="es-419" style="font-size: 10.0pt; mso-ansi-language: #580A;">,</span><span lang="ES-TRAD" style="font-size: 10.0pt;"> Pier Paolo, <i>Empirismo herético</i>, editorial Brujas, Córdoba-Argentina, 2005, pág.
283</span><span lang="es-419"><o:p></o:p></span></p>
</div>
<div id="ftn2">
<p class="MsoFootnoteText"><a href="file:///D:/Pier%20Paolo%20Pasolini%20100%20a%C3%B1os.docx#_ftnref2" name="_ftn2" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><span lang="ES-CO"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; mso-ansi-language: ES-CO; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US;">[2]</span></span><!--[endif]--></span></span></a><span lang="ES-CO"> </span><span style="font-family: "Times New Roman",serif; mso-ansi-language: ES;">Pasolini, ibídem, pág. 279</span><span lang="es-419"><o:p></o:p></span></p><p class="MsoFootnoteText"><span style="font-family: "Times New Roman",serif; mso-ansi-language: ES;"><br /></span></p><p class="MsoFootnoteText"><span style="font-family: "Times New Roman",serif; mso-ansi-language: ES;"><b>Imágenes tomadas de la circulación libre en la red.</b></span></p>
</div>
</div></div><p><br /></p>Omar Ahttp://www.blogger.com/profile/05665780406648038335noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8116240328939524638.post-59122588097150407882022-10-23T18:28:00.000-07:002022-10-23T18:28:10.592-07:00Deleuze lector de Pasolini<p style="text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjxn-u0Vfiqg5SgTC0iY0EWgM_BucGYOEtlawBkdmtAPcCyI0UhuJhDPNl1QujJcmMfS3LMcUQaqI6FWxDB7k6eWrwbBIdkWJ64gonA0zh8CWwzIaKGF2RKqlzJiYZJe0CnOlvSB9Cy_XfqFjvz5sZa5FhwxBcUvIEWuShcO0KzShEEQCaAr6SoxPR1/s2794/Caratula%20Geografias%20del%20Trueno.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="2794" data-original-width="1781" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjxn-u0Vfiqg5SgTC0iY0EWgM_BucGYOEtlawBkdmtAPcCyI0UhuJhDPNl1QujJcmMfS3LMcUQaqI6FWxDB7k6eWrwbBIdkWJ64gonA0zh8CWwzIaKGF2RKqlzJiYZJe0CnOlvSB9Cy_XfqFjvz5sZa5FhwxBcUvIEWuShcO0KzShEEQCaAr6SoxPR1/s320/Caratula%20Geografias%20del%20Trueno.jpg" width="204" /></a></div><span style="font-size: large;">Reproduzco a continuación el texto que muy amablemente el filósofo Juan Guillermo Ramírez preparó para la presentación de mi libro <i>Geografías del trueno</i>, el cual presentamos el pasado 20 de octubre en la librería La valija de fuego.</span><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;">Se trata de un texto "Nacido del trueno" (Juan G. Ramírez) y a partir de la conciencia de una materialidad intensa que atraviesa el libro, aunque no se concentre en las temáticas que aquel bosqueja, sino en las derivaciones de una experiencia y la posibilidad de remitirse a afinidades discursivas.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><br /></span></p><p align="center" class="MsoNoSpacing" style="text-align: center;"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Berlin Sans FB Demi",sans-serif; font-size: 22.0pt;">Deleuze
lector de Pasolini<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNoSpacing" style="text-align: justify;"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif;"> </span></p><p class="MsoNoSpacing" style="text-align: right;"><b><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman", serif;">POR JUAN GUILLERMO
RAMÍREZ<o:p></o:p></span></b></p><p class="MsoNoSpacing" style="text-align: justify;"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif;"> </span></p><p class="MsoNoSpacing" style="text-align: justify;"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif;"><span style="font-size: medium;">En 1945 Merleau-Ponty postula un
acuerdo entre el cine y “la nueva psicología”. Por “cine” entiende aquellos
films cuya “forma temporal” expresa la “conciencia arrojada al mundo” de los
personajes, mientras relativiza el valor fenomenológico de la mirada-cámara y,
correlativamente, de la imagen automática. Si la pintura ofrece un medio idóneo
para una indagación genética de la percepción a partir de la “reflexión” en la
tela del cuerpo intencional del artista que, “prestando su cuerpo al mundo,
cambia el mundo en pintura”, la pantalla cinematográfica no tiene horizontes,
es decir, no reflexiona en la imagen el punto de vista de un cuerpo como su
condición fuera de campo. El film es como un doble de la nueva psicología, pero
la imagen-cine (como la instantánea fotográfica, como el plano geométrico
cartesiano), no es un fenómeno de percepción que sea objeto de la psicología
por sí mismo. La razón es sencilla: la cámara no está en el mundo. Resume
Gilles Deleuze: “Por más que el cine nos acerque o nos aleje de las cosas, y
nos haga girar alrededor de ellas, él suprime el anclaje del sujeto tanto como
el horizonte del mundo, hasta el punto de sustituir las condiciones de la
percepción natural por un saber implícito y una intencionalidad segunda”
(Deleuze). De ahí que este acercamiento fenomenológico al cine sea desde el
punto de vista de la recepción del film y no desde la puesta en escena o
producción de la imagen. Todavía más, recepción no debe entenderse aquí en
términos perceptivos, al menos no directamente, sino como un acto de significación
(intencionalidad segunda) que hunde sus raíces en una percepción primera: Cuando,
en una película, la cámara se centra en un objeto al que se acerca para dárnoslo
en primer plano, podemos recordar que se trata del cenicero o de la mano de un
personaje, pero no la identificamos de manera efectiva. La pantalla no tiene,
claro está, horizontes. Por el contrario, en la visión, apoyo mi mirada en un
fragmento de paisaje, que se anima y despliega, cuando los demás objetos se
sitúan al margen y empiezan a desdibujarse sin dejar de estar allí.<o:p></o:p></span></span></p><p class="MsoNoSpacing" style="text-align: justify;"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif;"><span style="font-size: medium;">La expresión “la pantalla no tiene
horizontes” implica una concepción del encuadre cinematográfico como un
fragmento “cerrado”, espacial y temporalmente clausurado, tanto respecto al
cuerpo vidente como al horizonte circundante. La condición del film es, como
dice Deleuze, una “intencionalidad segunda” porque es la memoria de los planos
anteriores y el suspense de los planos porvenir lo que completa la imagen, una
imagen indirecta del tiempo, en el sentido de que el espectador lee la relación
de los signos más de lo que ve (y se ve en) la composición material de los
planos y su duración interna: Pudovkin tomó un día un primer plano de Mosjukin
impasible y lo proyectó precedido primeramente por un plato de sopa, seguidamente
de una joven muerta en su ataúd y finalmente de un niño jugando con un osito de
peluche… y el público quedó maravillado por la variedad de sus expresiones,
cuando en realidad el mismo plano había servido tres veces y era completamente inexpresivo.
El sentido de una imagen depende pues de aquellas que la preceden en el film
(Merleau-Ponty).<o:p></o:p></span></span></p><p class="MsoNoSpacing" style="text-align: justify;"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif;"><span style="font-size: medium;">En consecuencia, Merleau-Ponty, que
parte de los estudios de Lev Kulechov y la escuela soviética, postula la
neutralidad semántica del plano y concibe la génesis del sentido
cinematográfico en las convenciones del montaje. Se trata de otro discurso, una
especie de confirmación salvaje de la moderna fenomenología, en tanto el
espectador lee fenomenológicamente el film (a partir de su propio esquematismo
sensorial y motriz). Por eso el montaje de planos objetivos (Mosjukin es visto)
y subjetivos (lo que Mosjukin ve), puede ser traducido con facilidad al idioma
fenomenológico: el montaje del cuerpo vidente-visible del personaje, como si
estuviera en el mundo. La imagen pictórica, en cambio, no precisa contracampos
para inscribirnos en lo visto como sujetos videntes. Y todo cuadro parece
indicar, reflexivamente, desde dónde ha de ser mirado. Pone en juego el cuerpo
propio del espectador. Nos mira. Pero la cámara está afuera del mundo. Y la
imagen resultante, descentrada con respecto al cuerpo (el cambio de puntos de
vista, la movilidad de los centros, la orientación de los encuadres, está
dislocada con respecto a la posición del espectador en la silla). El cine no
nos devuelve la vista: ¿no será esta, también, su grandeza?<o:p></o:p></span></span></p><p class="MsoNoSpacing" style="text-align: justify;"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif;"><span style="font-size: medium;">El estilo indirecto libre como
reflexión de la conciencia en la imagen. En discusión con Merleau-Ponty,
Deleuze reclama para el cine una reflexividad específica, postulando una
“conciencia-cámara” que ningún cuerpo puede encarnar: “la única conciencia
cinematográfica no somos nosotros, los espectadores, ni el protagonista: es la
cámara, a veces humana, a veces inhumana o sobrehumana” (Deleuze). Parte de una
lectura de Pier Paolo Pasolini, que había adoptado el concepto de “subjetividad
indirecta libre” para pensar el estatuto de la percepción cinematográfica
alcanzado por el cine que denominaba “de poesía”: “transformaré por lo tanto
momentáneamente la pregunta: ¿es posible en el cine una ‘lengua de poesía’?, en
la pregunta: ¿es posible en el cine la técnica del discurso indirecto libre’?”,
entendiendo por ello: “la inmersión del autor en el ánimo de su personaje y,
por lo tanto, la adopción, por parte del autor, no sólo de la psicología de su
personaje, sino también de su lengua” (Pasolini). El modelo de la literatura le
permite trazar una analogía simplificadora: puede compararse la toma objetiva
con un discurso indirecto (el punto de vista del narrador, exterior al conjunto
narrado) y la toma subjetiva, con un discurso directo (el punto de vista del
personaje, interior al conjunto narrado). Un plano “subjetivo indirecto libre”
compone ambas miradas en un sistema heteróclito, que ya no permite distinguir
tomas objetivas de subjetivas. Dice Deleuze: “la cámara desencadenada… ya no se
contenta con seguir a los personajes, sino que se desplaza entre ellos… no se
confunde con el personaje y tampoco está fuera de él: está con él. Es una suerte
de Mitsein propiamente cinematográfico” (Deleuze). Así decía Pasolini de Michelangelo
Antonioni: “Antonioni ha liberado el propio momento más real: ha podido
finalmente representar el mundo visto con sus ojos, porque ha sustituido, en
bloque, la visión del mundo de una enferma, por su propia visión delirante de
esteticismo: sustitución en bloque justificada por la posible analogía de ambas
visiones” (Pasolini).<o:p></o:p></span></span></p><p class="MsoNoSpacing" style="text-align: justify;"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif;"><span style="font-size: medium;">Sabemos que en Pasolini las
condiciones de aparición de un discurso indirecto libre en literatura se fundan
en la riqueza polifónica que presenta una lengua, o, mejor dicho, siempre que
en lugar de establecerse conforme a un ‘nivel medio’, se diferencie en lengua
baja y culta. Y que Deleuze ha dicho que la literatura consiste en “crear una
lengua extranjera dentro de la propia lengua”. De ahí la pregunta algo
diabólica y, sin embargo, precisa: “¿Es esta la razón por la cual el cine
moderno necesita tanto de los personajes neuróticos, como si estos hablaran el
discurso indirecto libre o la ‘lengua baja’ del mundo actual?” (Deleuze).
Podría agruparse, en efecto, el cine moderno según este criterio: la
proliferación de miradas afectadas por una anomalía que modifica su percepción
del mundo, pero que no se contrae en las subjetivas del personaje, como en el
cine clásico, que siempre nos devuelve una objetiva normalizadora, sino que
afecta en primer lugar el punto de vista de la narración tanto como la génesis
del mundo narrado. En <b>La ventana indiscreta</b> (Alfred Hitchcock, 1954),
por ejemplo: ¿no es la ventana indiscreta por sí misma antes de que el
personaje abra los ojos y actualice ese rasgo cualitativo? No obstante, la
analogía con la lengua tiene su límite. La codificación del lenguaje
cinematográfico no es a lo visible como la lengua a lo enunciable. Dice
Pasolini: “el autor cinematográfico no posee un diccionario sino una
posibilidad infinita: no toma sus signos (im-signos) del estuche, del bagaje:
sino del caos, donde no son más que meras posibilidades” (Pasolini). En
contraposición con el escritor, considera la operación cinematográfica de autor
como doble: el cineasta debe establecer una mirada, como un estilo que no es la
afectación singular de una lengua previamente codificada, por ejemplo, una
lengua culta afectada por una lengua baja, sino, manteniendo el paralelismo,
debe crear el diccionario que va afectar, esto es, establecer la lengua misma
como operación de estilo, una “lengua escrita de la realidad”, que consiste
ella misma en una anomalía más que en una koiné: “el lin-signo utilizado por el
escritor ya ha sido elaborado por toda una historia gramatical popular y culta:
mientras que el im-signo adoptado por el autor cinematográfico ha sido extraído
idealmente un instante antes, por ningún otro que por él mismo del sordo caos
de las cosas” (Pasolini). Quizá deba reverse esa máxima de sentido común según
la cual el cine moderno de autor, del que se ocupa Pasolini en el texto
comentado (Antonioni, Jean-Luc Godard, Glauber Rocha, entre otros) tenga su
condición en el lenguaje previamente codificado del cine clásico. De la lectura
de los textos de Deleuze, se sigue más bien que ambos cines (clásico y moderno)
remiten (de diversa manera) al mismo sistema perceptivo, el de los esquemas
sensorio-motrices que el cine clásico reproduce como la piel del mundo de los
personajes que lo habitan y el cine moderno cuestiona, dislocando los nexos que
organizan nuestra percepción cotidiana del mundo. Y, sin embargo, mientras el
espacio se vuelve inhabitable para los personajes y los bloques de movimiento devienen
compuestos aberrantes o anómalos para nosotros, una curiosa positividad se
ofrece a nuestra mirada. Una forma de ver. Indiscreta, piadosa, pornológica o
de sentido común: la cosa vista es ya vista. Ver un film es volver a ver algo
ya visto, como decía Hugo Santiago, conclusión inevitable en una época del cine
que se ha acostumbrado a hacer sentir la cámara. Comenta Deleuze: Está bien, en
efecto, que el personaje sea neurótico, para indicar mejor el difícil nacimiento
de un sujeto en el mundo. Pero la cámara no ofrece simplemente la visión del
personaje y de su mundo, ella impone otra visión en la cual la primera se
transforma y refleja. Este desdoblamiento es lo que Pasolini llama una ‘subjetiva
indirecta libre’. No se dirá que siempre ocurre así: en el cine se pueden ver
imágenes que se pretenden objetivas, o bien subjetivas; pero aquí se trata de
otra cosa, se trata de superar lo subjetivo y lo objetivo hacia una Forma pura que
se erija en visión autónoma del contenido (Deleuze).<o:p></o:p></span></span></p><p class="MsoNoSpacing" style="text-align: justify;"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif;"><span style="font-size: medium;">La “carencia de horizontes” será
evaluada positivamente como un “descentramiento” perceptivo, genéticamente
primero según Deleuze: “se trata de volver a alcanzar el mundo anterior al
hombre, anterior a nuestro propio amanecer” (Deleuze). Aquí encontramos la
diferencia de partida con Merleau-Ponty: ¿posee la percepción encarnada un valor
genético o tan sólo derivado?, ¿es en torno de mi cuerpo que el mundo se abre y
nace, o más bien que se clausura y cierra?, ¿es la percepción cinematográfica
artificial o, en cambio, como decía Henri Bergson, la percepción natural ya es cinematográfica,
esto es, un encuadre sustractivo sobre un plano de materia-movimiento? Ahora
bien, mientras Bergson concibe la percepción cinematográfica como la
consumación técnica de la percepción sustractiva, según Deleuze, el cine
modularía un intervalo diferencial entre dos sistemas de referencia. Uno
orgánico, en tanto las determinaciones del plano toman por referencia las
dimensiones del cuerpo y su horizonte circundante. Sin embargo, es la tendencia
inorgánica la que importa para Deleuze la potencia singular del cine, el
estatuto de la imagen-movimiento: “si el cine no responde en absoluto al modelo
de la percepción natural subjetiva, es porque la movilidad de sus centros, la
variabilidad de sus encuadres, lo inducen siempre a restaurar vastas zonas
acentradas y desencuadradas” (Deleuze). Pero el descentramiento cinematográfico
no concierne a una vocación informalista de remover cualquier sistema orgánico
de representación, al contrario, establece una diferencia de niveles que opera
como un principio de diferenciación de lo empírico (los personajes y su mundo)
y lo genético o trascendental, es decir, la conciencia-cámara que abre un
movimiento-mundo, un nacimiento-mundo, que remite al acto de determinación de una
imagen a partir de un sistema acentrado de la materia en un plano de
inmanencia: “es en este universo o sobre este plano donde recortamos sistemas
cerrados, conjuntos finitos” (Deleuze). <o:p></o:p></span></span></p><p class="MsoNoSpacing" style="text-align: justify;"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif;"><span style="font-size: medium;">La primera determinación de un
sistema cerrado es el “encuadre”. Ahora bien, un encuadre es tanto un contenido
representado, como una representación. Un acto de determinación implicado en la
forma de la imagen. Por eso, cuando se dice que un encuadre es tanto un
contenido determinado como un acto de determinación que puede deducirse de las
formas del contenido, el cine ha hecho su revolución copernicana. La pregunta
del crítico ya no será qué es esto, sino quién es esto (reflexión). La
indagación crítica toma así el curso de una “deducción metafísica” de la
condición a partir de lo condicionado, de la forma de ver a partir de lo visto,
del encuadre como modulación o sustracción formal de una materia dinámica, a
partir del cuadro como conjunto de todo lo que se ve. De este modo: el cuadro
se ha abierto, a la vez, a una conciencia formal y a un plano material cuyos
valores son organizados en acto, en términos de Pasolini, idealmente, un
instante antes (la “anterioridad” es lógica, de jure). Comenta Pascal Bonitzer:
“el arte del cine es un compuesto inextricable de formas a priori (la cosa
mental que la puesta en escena debe animar en la pantalla) y de imágenes en
bruto que proceden de lo real” (Bonitzer). <o:p></o:p></span></span></p><p class="MsoNoSpacing" style="text-align: justify;"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif;"><span style="font-size: medium;">Pasolini considera el caso de <b>La
aventura</b> (Antonioni, 1960). Entre los signos de estilo destaca los “encuadres
obsesivos” que subsisten por sí mismos y encuadran “la mirada” que los
personajes actualizarán al entrar en campo y dejarán “disponible” cuando lo
abandonen. Por ejemplo, la mirada al precipicio de la isla, puede (condición)
valer como punto de vista (condicionado) tanto de la desaparecida, Ana (¿se
suicidó?), del novio, Sandro (¿la empujó?) y de Claudia (¿quiso su muerte para
quedarse con Sandro?). No obstante, el precipicio es encuadrado por su cuenta
de una vez y para todas las miradas posibles, las que se actualizan y las que
no, componiendo una visión autónoma del contenido, que es a la vez su condición
de posibilidad, como un sistema de miradas que los precede así como el derecho
precede al hecho y, según la máxima deleuziana, también lo excede, en tanto no
se agota en la mera actualización de lo posible, sino que revela un plexo de
posibilidades incomposibles (o inorgánicas) que ya no puede calcarse de ninguna
mirada empírica ni de ningún mundo dado (“la conciencia no somos nosotros, ni
los personajes”) ya que no sólo compone tres miradas empíricas sin
confundirlas, sino que las articula en un sistema inorgánico de “mundos posibles”
(un poco a la manera de Borges: en uno, Ana se suicida, en otro la matan, en
otro deseaban su muerte, etc.) De este modo, el film policial que reduce muchas
posibilidades a una verdad de hecho (¿quién fue?) cede a la composición de una
Forma Pura (Signo o “Im-signo” según Pasolini) que insiste o subsiste el mismo
para todos los casos, y más allá de ellos, como una fijación obsesiva de la
cámara en una materia líquida que no alimenta el drama, sino la propia vocación
estilística por hacer visible no tanto un fragmento de mar, tal como se ve en
general, objetiva o subjetivamente, como las fuerzas desencadenadas cuya
potencia expresiva presupone una nueva mirada, que se expresa a través de ellas
(el mar como nunca se ha visto). Comenta Bonitzer: Hay un punto de vista que va
más allá del punto de vista meramente humano, encarnado por los protagonistas;
es aquel que, inhumanamente, expresa la cámara: un punto de vista abstracto
sobre los movimientos cualesquiera –explosiones, nubes, movimientos brownianos,
manchas–, sobre el espacio neutro lleno de movimientos cualesquiera, al que
tiende el movimiento de los filmes de Antonioni (Bonitzer). <o:p></o:p></span></span></p><p class="MsoNoSpacing" style="text-align: justify;"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif;"><span style="font-size: medium;">En otras palabras: tales o cuales
rasgos materiales devienen expresivos (imsigno) de un estilo al volverse
autónomos respecto de los contenidos empíricos del film y de su valor dramático
(por ejemplo, como indicio: la duración obsesiva del plano muestra más que la
información necesaria) para componer problemáticamente las condiciones de
posibilidad del cine: la génesis de un mundo mediante el establecimiento de una
mirada sobre una materia no formada (la inversa vale). El verdadero drama es
poder ver. Desde esta perspectiva se entiende mejor la expresión pasoliniana:
“el autor cinematográfico extrae sus signos del caos y produce un mundo como
estilo.” La noción de “estilo” en cine debe entenderse, así como un
procedimiento de subjetivación que opera una modulación del “sordo caos de las
cosas” según rasgos, ritmos y valores expresivos, que remiten a las formas de
sentir-pensar de ese sujeto-cámara, que opera sobre lo sensible un nuevo
reparto, es decir, que produce un mundo como singularidad o anomalía a partir
de un plano de materia-movimiento descodificado. De allí que la fábula devenga
casi una excusa, dice Pasolini, o mejor, que estos films, llamados entonces “de
autor”, esto es, descodificados con respecto a las matrices narrativas
clásicas, se desarrollen simultáneamente en dos niveles relativamente
autónomos: “el cine de poesía tiene en común por lo tanto la característica de
producir filmes de doble naturaleza. Bajo ese filme, transcurre otro filme –que
el autor habría hecho incluso sin el pretexto de la mímesis visiva de su protagonista:
un filme total y libremente de carácter expresivo-expresionista” (Pasolini). La
noción de ‘mímesis visiva’ no apunta en Pasolini a una copia naturalista de la
realidad, imposibilitada a partir de la denegación de las tomas objetivas (la famosa
“ventana” de Alberti, que con Hitchcock se ha vuelto indiscreta), sino a la
composición heteróclita de dos sistemas de miradas (expresionista-trascendental,
empírico-dramático): “no sólo ambos ven concretamente ‘series diversas’ de cosas”,
dice Pasolini, “sino que una cosa, en sí misma, resulta diversa en las dos
‘miradas’” (Pasolini). La condición no sintética de ambos sujetos reflexiona en
las formas inorgánicas del objeto y se deduce de ellas independientemente de la
cosa en sí: “lo cual le permite llevar la imagen-percepción, o la neurosis de
sus personajes, al nivel de la bajeza y la bestialidad, con los contenidos más
abyectos, reflejándolos a la par en una pura conciencia poética animada por el
elemento místico o sacralizante. Y acaba produciendo con ello una forma
cinematográfica capaz tanto de la gracia como del horror” (Deleuze). Y esto es
así porque el espacio y el tiempo puestos en escena no remiten a una forma de
la sensibilidad en común, o a la interiorización de un sujeto por otro. Si no
más bien a un acto de subjetivación simultánea en dos niveles. Concluye
Deleuze: Se trata del Cogito: un sujeto empírico no puede nacer al mundo sin
reflejarse al mismo tiempo en un sujeto trascendental que lo piensa, y en el
cual él se piensa. <o:p></o:p></span></span></p><p class="MsoNoSpacing" style="text-align: justify;"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif;"><span style="font-size: medium;">Y del Cogito del arte: no hay
sujeto que actúe sin otro que lo mire actuar, y que lo capte como actuado,
tomando para sí la libertad de que lo desposee. ‘De ahí que existan dos yo
diferentes, uno de los cuales, consciente de su libertad, se erige en
espectador independiente de una escena que el otro representaría en forma
maquinal. Pero este desdoblamiento no llega nunca hasta el final. Es más bien
una oscilación de la persona entre dos puntos de vista sobre sí misma, un ir y
venir del espíritu’ un estar-con (Deleuze). Pensar el cogito como Mitsein implica
radicalizar las paradojas de la reflexividad kantiana en un sentido muy
preciso. El sistema de referencias acentrado que media entre la conciencia y el
personaje no puede reducirse a la forma de la interioridad. La reflexión
siempre da cuenta de un exceso de orden material. Yo es un otro, en tanto al
actualizarse la conciencia-cámara en la mirada-personaje no se identifica con
él (como en una imagen-sueño, donde un personaje se sueña a sí mismo y ve, a la
vez, desde su cuerpo y fuera de él) sino que subsiste (virtualmente, diría
Deleuze) en el tiempo (como hemos visto: la duración de las miradas no es la
misma) y en el espacio (por ejemplo, los espacios en profundidad de campo a
espaldas de los personajes, o en ausencia de ellos). Como en el enunciado didáctico
de Godard: “no es rojo, es sangre”, si bien es sangre para el personaje, es
rojo para la cámara (rasgo expresivo autónomo). Pero también el personaje puede
percibir ese rojo independientemente de su valor dramático. No obstante, en
este caso, da cuenta de un rasgo psicológico que enrarece su mundo (neurosis) y
se compone, pero no se identifica, con la operación estilística que libera un
color del contorno envolvente del objeto, a la manera del barroco. En otras
palabras, lo que define el encuadre como una contracción que compone un espacio
y el plano como una modulación que articula un bloque de tiempo, se dicen como estilo
a partir de la irreductibilidad de las formas de la sensibilidad a las estructuras
puras de una conciencia tanto como a las afecciones empíricas de un personaje.
Forma pura o Im-signo. A partir de esto, es preciso diferenciar, dice Pasolini,
“entre monólogo interior”, teorizado por Sergei Eisenstein, y el discurso
indirecto libre: “el monólogo interior es un discurso revivido por el autor en
un personaje que es al menos idealmente de su tiempo… la lengua puede ser por
tanto la misma” (Pasolini). El ‘indirecto libre’, en cambio, presupone la
heteronomía de ambas lenguas o, mejor, de ambas miradas, y su composición en
una forma espacio-temporal heteróclita. <o:p></o:p></span></span></p><p style="text-align: justify;">
</p><p class="MsoNoSpacing" style="text-align: justify;"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif;"><span style="font-size: medium;">La discusión con el maestro
soviético permite determinar el sentido eminentemente político del estilo
indirecto libre en Pasolini y el doloroso reconocimiento de su fracaso. En
efecto, Eisenstein es el primero, junto a Jean Epstein, en decir que el cine es
una forma de conciencia y que la imagen es mental. De manera ejemplar: si el
pueblo viene a la imagen como sujeto, dice, es porque el cine político consiste
en la reflexión del pueblo sobre el pueblo, de una conciencia-cámara (cuyo
punto de vista es colectivo) sobre sus propios contenidos (cuya materia es
común). Un monólogo interior que tiene la forma (dialéctica) de la historia,
que ha interiorizado y formalizado la naturaleza, llamada así por Eisenstein la
“no-indiferente”. Pasolini, igual que Rocha, discute la forma de la historia, y
en general, la forma del tiempo entendida como la mediación que sostiene la
identidad de los dos sujetos en la reflexión, bajo la forma de un hay: hay
pueblo, presupuesto empírico o naturalista de la subjetivación cinematográfica,
que consiste en la interiorización del ahí por un Yo pienso, es decir, yo –el
pueblo– monto mi propia historia desde el punto de vista de mi conciencia
histórica. Por eso cuando Pasolini revisa su filmografía de la década del ‘60 e
inicios de los ‘70, que define por la vocación de “aumentar las posibilidades
de lo representable”, no presupone la cosa a ser representada (un pueblo) ni la
forma de la representación (una conciencia colectiva). Se trata más bien de una
composición singular, o si se quiere, de una auto afección que modifica
cualitativamente los términos de partida, de un movimiento intensivo entre-dos
que produce una nueva Forma y en este sentido “amplía las posibilidades de lo
representable”. Sigue Pasolini: “para un director como yo, que hubiese intuido
que la cultura (en que se había formado) estaba acabada, que ya no representaba
nada, sino precisamente (quizá) la realidad física, era consecuencia natural que
tal realidad física se identificase con la realidad física del mundo popular”
(Pasolini). Lo primero es la diferencia de los mundos: alto y bajo. Luego la
producción de un signo por composición: “el signo de la realidad corpórea”,
dice, “es en efecto el cuerpo desnudo: es, de modo todavía más sintético, el
sexo” (Pasolini). Ahora bien, tal signo no existe antes ni fuera del gesto
estilístico que lo expresa y que modifica en bloque tanto el punto de vista
(una cultura muerta, revive) como el cuerpo desnudo. Así el pueblo viene a la
imagen como primer plano del sexo, que no remite ya al cuerpo popular y
empírico sobre el que se realiza la toma (sino que es un rasgo expresivo
autónomo). Porque sólo la perspectiva de una cultura que agoniza (como define
Pasolini su punto de vista) es capaz de revelar el carácter político del sexo,
es decir, de transfigurarlo mediante el encuadre, la duración del plano y la
insistencia obsesiva del montaje, en un signo político: signo de la resistencia
del cuerpo a la normalización capitalista, pero también acto de resistencia de
una cultura a su muerte. En otras palabras: reconocemos el estilo-Pasolini en
esos primeros planos, mucho más que una grosera objetivación de genitales. No
es una pornografía, sino una porno-logía. Pero el Logos en cuestión no está en
la naturaleza, ni en la conciencia: sino en la expresión singular que las
compone en una Forma Pura (el presente de unos cuerpos y el pasado de una
cultura como signo de lo posible: la resistencia). La producción de signos estilísticos
se opone, así, al capitalismo como máquina de producir clichés eróticos,
codificaciones que organizan los cuerpos y los movimientos del deseo, primero,
en la dirección de la producción o reproducción de la fuerza de trabajo, luego,
en la dirección del consumo: “ningún poder ha tenido tanta posibilidad y
capacidad de crear modelos humanos e imponerlos como este que no tiene rostro
ni nombre. En el campo del sexo, por ejemplo, el modelo que tal poder crea e
impone consiste en una moderada libertad sexual que incluya el consumo de todo
lo superfluo considerado necesario para una pareja moderna… La ansiedad
conformista de ser sexualmente libres, transforma a los jóvenes en míseros
erotómanos eternamente insatisfechos precisamente porque su libertad sexual fue
recibida y no conquistada” (Pasolini, 1998: 101). Cuerpos sin estilo,
normalizados, codificados, que sólo a una mirada desatenta se le aparecen como
conciencias arrojadas al mundo, cuando se trata más bien, como decía Godard, de
que el mundo se ha vuelto un mal film. Sólo en nombre de esta política de la sensación
se justifica estéticamente, en el plano de los contenidos, la salida del capitalismo
en los films que componen la trilogía de la vida: <b>El Decamerón</b> (Pasolini,
1971), <b>Las Mil y una noches</b> (Pasolini, 1974), los <b>Cuentos de
Canterbury</b> (Pasolini, 1972), como si rodeara al capitalismo histórica y
geográficamente para trazar en el vacío su figura negativa. En otras palabras, para
poner a sus héroes fuera de la “normalización” sexual burguesa, que es la imposición
del sexo como libertad obligada, antes que alcanzada como gesto de resistencia,
se debe partir de la composición sensorial de un im-signo, que es la reflexión
de un estilo, antes que un monólogo interior: el sexo no está en la cabeza del
autor como una idea fija. Ni está en el mundo como una especie de buen salvaje
o erotismo ingenuo que nos vendrá a liberar, como algunos se apuraban a decir.
Pasolini tiene muy claro el carácter anómalo o perverso de la composición
(“empirismo herético”), es decir, que el estilo es una perversión de lo real,
producto de encuentros y auto-afecciones recíprocas con los cuerpos que
frecuentaba como vida a ser expresada: “era claro que estaba haciendo experiencia
de una forma de vida con el fin de expresarla” (Pasolini). Así una vida se dice
como estilo cuando se expresa en la afección de las cosas y en la potencia de
ser afectado por ellas y de auto-afectarse a través de ellas. Condición que se
ha vuelto imposible en el tiempo de la imagen capitalista del mundo: “si
quisiera continuar con películas como <b>El Decamerón</b> no podría hacerlas,
porque ya no encontraría en Italia –especialmente en los jóvenes– la realidad
física (cuyo estandarte es el sexo en su gloria) que es el contenido de esas
películas” (Pasolini). No sólo “mi cultura”, sino el cuerpo “el cuerpo popular,
también ha desaparecido” (Pasolini). Es una desaparición simultánea y
recíproca, de la conciencia y del personaje, que se expresa en los films
tardíos, por ejemplo, <b>Saló o los 120 días de Sodoma</b> (Pasolini, 1975),
donde el sexo es neutralizado sensorialmente por una codificación fetichista
del primer plano, una suerte de castración, que hace posible una objetivación
sádica en el plano de los contenidos. Es el triunfo del vacío, la inversión del
signo en cliché, como era el desierto en Teorema (<b>Teorema</b>, Pier Paolo
Pasolini, 1967), ese vacío formal y quizá premonitorio donde derivaba a la vez la
fábula ingenua de la liberación erótica y la desnudez inexpresiva del cuerpo
capitalista: “me arrepiento de la influencia liberalizadora que mis películas eventualmente
puedan haber tenido en las costumbres sexuales de la sociedad italiana. Han contribuido,
en la práctica, a una falsa liberalización, en realidad querida por el nuevo
poder reformador permitido, que es el poder más fascista que recuerda la historia”
(Pasolini). La desaparición del cuerpo como signo de una cultura que encontraba
su sede en el cuerpo eróticamente transfigurado, alcanza por fin el espacio
vacío de una mirada que ya no puede componerse con los cuerpos, ni producir
signos que transfiguren el espacio y el tiempo. Un encuadre, en suma, que sólo
puede ser llenado por fantasmas: Yo soy una fuerza del Pasado. / Sólo en la
tradición está mi amor. / Vengo de las ruinas, de las iglesias, / de los retablos
de altar, de los pueblos abandonados / sobre los Apeninos o los Prealpes /
donde vivieron los hermanos. / Doy vueltas por la Tuscolana como un loco, / por
la Appia como un perro sin amo. / O miro los crepúsculos, las mañanas / sobre
Roma, sobre el mundo, / como los primeros actos de la Poshistoria / a los que
asisto, por privilegio de nacimiento, / desde el borde extremo de alguna edad
enterrada. / Monstruoso es quien ha nacido / de las vísceras de una mujer
muerta. / Y yo, feto adulto, doy vueltas / más moderno que todos los modernos /
buscando unos hermanos que ya no están (Pasolini).</span><o:p></o:p></span></p><p> </p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgnCDIfe3cCI0WaXHb8LwO3cNhlmzz1zw01dcCEmywRbNuKWJGayEkIZQH3D52Ysj5jOqyn1qvsQKqB5u74tmfKN6_QJ521mkFvtzbZrimYdqjmPE9qYWto1TY95rflqNL2rtUHy8G0fmk77QnAdUyeQ8jtULnJ9ZDMfWzcrmARX4Hh2V_nGn0qEALj/s1814/Juan%20Guillermo%20Ramirez.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1814" data-original-width="952" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgnCDIfe3cCI0WaXHb8LwO3cNhlmzz1zw01dcCEmywRbNuKWJGayEkIZQH3D52Ysj5jOqyn1qvsQKqB5u74tmfKN6_QJ521mkFvtzbZrimYdqjmPE9qYWto1TY95rflqNL2rtUHy8G0fmk77QnAdUyeQ8jtULnJ9ZDMfWzcrmARX4Hh2V_nGn0qEALj/s320/Juan%20Guillermo%20Ramirez.jpg" width="168" /></a></div><br /><div style="text-align: justify;"><span style="font-size: x-large;"><b>Juan Guillermo Ramírez</b> es docente, investigador y crítico de cine. Realizó estudios de filosofía en la Universidad Nacional. Ha sido redactor cultural, periodista radial y de prensa escrita, así como colaborador especializado de revistas como Cinemateca, Kinetoscopio y Cine Cubano. También ha sido docente de Historia del cine, Estética fílmica y Teoría cinematográfica en las universidades: Unitec, Central, Lumiére, Externado, Javeriana, Tadeo Lozano, Rosario, Unimagdalena, entro otras.</span></div><p></p>Omar Ahttp://www.blogger.com/profile/05665780406648038335noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8116240328939524638.post-10673263573539245172022-07-28T20:50:00.001-07:002022-07-28T20:50:28.231-07:0023 Encuentro Nacional de críticos y periodistas de cine<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEis6DVNa-q4KWnrA7qGjpz33xaCM5oIj7KBhTwu87Gur6mLy4msSSbVDg6TyUJ0Y97378IQaRdO0RdnATbIMU_HJqOMkKoIv4zm2vIwlYBMgIeMXtwF-QGKWxwV7xXwMd9tP-fxREOJpPKOGoCkeeCXMk7q1k9rnJ_EP8jLq-o1PE-yMU03X8nWma2i/s940/23%20encuentro%20criticos%20pereira.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="788" data-original-width="940" height="335" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEis6DVNa-q4KWnrA7qGjpz33xaCM5oIj7KBhTwu87Gur6mLy4msSSbVDg6TyUJ0Y97378IQaRdO0RdnATbIMU_HJqOMkKoIv4zm2vIwlYBMgIeMXtwF-QGKWxwV7xXwMd9tP-fxREOJpPKOGoCkeeCXMk7q1k9rnJ_EP8jLq-o1PE-yMU03X8nWma2i/w400-h335/23%20encuentro%20criticos%20pereira.jpg" width="400" /></a></div><br /><p style="text-align: justify;"><span style="font-size: medium;">Entre el 12 y el 15 de agosto de 2022, tendrá lugar en la ciudad de Pereira el 23 Encuentro Nacional de Críticos y Periodistas de Cine, un evento que ha logrado acoger a un significativo grupo de investigadores, estudiosos, realizadores, cineclubistas y escritores, pero ante todo, amigos que celebramos cada año la certeza del reencuentro. En el 2022 hay gran expectativa de volvernos a encontrar después de la separación causada por la pandemia. Y claro, todo esto no sería posible sin la gestión, la pasión, la disposición y la porfía de Germán Ossa, nuestro anfitrión y director, en la acogedora ciudad de Pereira. </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;">En esta ocasión, el eje temático se centra en mujeres directoras de cine y mi ponencia se titula: "Alice Guy-Blaché y Laura Huertas Millán: Del ocultamiento patriarcal a la fuga decolonial".</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;">A continuación comparto la programación del evento, y no olviden que la entrada es libre y gratuita a todas las actividades, las cuales tendrán lugar en el Teatro de Cámara (Teatro Municipal Santiago Londoño).</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><br /></span></p><p align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;"><b><u><span lang="ES-CO">XXIII ENCUENTRO NACIONAL DE CRÍTICOS Y PERIODISTAS
DE CINE<o:p></o:p></span></u></b></p><p align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;"><b><u><span lang="ES-CO"> PEREIRA, AGOSTO 12 AL 15 DE 2022<o:p></o:p></span></u></b></p><p align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;"><b><u><span lang="ES-CO"> </span></u></b></p><p align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;"><b><u><span lang="ES-CO">Viernes 12:<o:p></o:p></span></u></b></p><p class="MsoNormal"><span lang="ES-CO"> </span></p><p class="MsoNormal"><span lang="ES-CO">Lugar: Teatro de Cámara - Teatro SANTIAGO
LONDOÑO. (Cra. 12 Calle 18 esquina)<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal"><b><span lang="ES-CO">7.00
p.m.</span></b><span lang="ES-CO"> <o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal"><span lang="ES-CO">Inauguración. <o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal"><span lang="ES-CO">* Saludo a los Invitados y participantes
Especiales.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal"><span lang="ES-CO">* Palabras del Dr. VÍCTOR HUGO SUÁREZ,
Secretario de CULTURA de Pereira.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal"><span lang="ES-CO">* Homenaje a un pereirano fanático de la
imagen en movimiento<b>, JUAN<i> PABLO GONZÁLEZ</i></b>. <o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal"><span lang="ES-CO">(Proyección de un “Reel” de sus trabajos).<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal"><span lang="ES-CO">Entrega del RECONOCIMIENTO.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal"><span lang="ES-CO">*Homenaje a un Cineasta Colombiano, Sr.
ÓSCAR MARIO ESTRADA, realizador antioqueño.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal"><span lang="ES-CO">(Proyección de un “Reel” de sus trabajos).<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal"><span lang="ES-CO">Entrega del RECONOCIMIENTO.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal"><span lang="ES-CO">* Saludo de una persona muy especial.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal"><span lang="ES-CO">* Proyección del mediometraje venezolano
“Ricardo Corazón de la Vega”, de la cineasta venezolana <b><i>Yoyiana Ahumada Lince.</i></b><o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal"><span lang="ES-CO">Presentación a cargo del crítico de cine de
su país ALFONSO MOLINA y Yoyiana Ahumada.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal"><span lang="ES-CO">Proyección del filminuto “Enrique Pilozo el
artista”.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal"><span lang="ES-CO"> </span></p><p align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;"><b><u><span lang="ES-CO">Sábado 13:<o:p></o:p></span></u></b></p><p align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;"><b><u><span lang="ES-CO"> </span></u></b></p><p align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;"><b><span lang="ES-CO">Lugar: Teatro DE CÁMARA, TEATRO SANTIAGO LONDOÑO.
(Cra. 12 Calle 18 esquina)<o:p></o:p></span></b></p><p align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;"><b><span lang="ES-CO">Conferencias y Proyecciones <o:p></o:p></span></b></p><p class="MsoNormal"><span lang="ES-CO"> </span></p><p class="MsoNormal"><span lang="ES-CO">09: 00 a.m. <o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal"><span lang="ES-CO">CÉSAR BATIZ. Director del Portal digital EL
PITAZO.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal"><span lang="ES-CO">09:30 a.m. <o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal"><span lang="ES-CO">JUAN DIEGO VELÁSQUEZ.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal"><span lang="ES-CO">“MARTA RODRÍGUEZ, Militante feminista” <o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal"><span lang="ES-CO">10: 00 a.m. <o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal"><span lang="ES-CO">MARÍA EUDOXIA ARANGO. (Cuba).<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal"><span lang="ES-CO">Directora de la Corporación del Nuevo Cine
Latinoamericano y Representante de la Escuela Internacional de Cine y TV en
Colombia.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal"><span lang="ES-CO">“Cine pedagógico y Cine Clubes”<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal"><span lang="EN-US">10: 45 a.m.
<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal"><span lang="EN-US">MAURICIO
LAURENS.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal"><span lang="EN-US"> </span><span lang="ES-MX">Crítico de Cine, Periodista Cultural y Docente Cinematográfico.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal"><span lang="ES-MX">“7 Autoras
y Cineastas de la Posmodernidad”<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal"><span lang="EN-US">11: 30 a.m.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal"><span lang="EN-US">GONZALO
RESTREPO<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal"><span lang="ES-MX">Crítico de
cine y realizador caribeño.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal"><span lang="ES-MX">“El momento
entre la esperanza y el recuerdo: LA ROYA y EL ÁRBOL ROJO, a partir de Lacan.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal"><span lang="EN-US">12: 00 m.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal"><span lang="ES-MX">GERMÁN A.
OSSA E.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal"><span lang="ES-MX">“El futuro
de la Crítica de Cine” <o:p></o:p></span></p><p align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;"><b><span lang="ES-MX">RECESO</span></b><span lang="ES-MX"><o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal"><span lang="ES-MX"> 2: 00 p.m. <o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal"><span lang="ES-CO">JOAQUÍN LEPELEY (Chile).<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal"><span lang="ES-CO">“Las Cinematecas manteniendo su legado
cinematográfico”<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal"><span lang="ES-CO">2: 30 p.m.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal"><span lang="ES-CO">GUSTAVO VALENCIA<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal"><span lang="ES-CO">“Directoras del Nuevo Cine Alemán:
Talentosas, Radicales y Proscritas”<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal"><span lang="ES-CO">3: 15 p.m.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal"><span lang="ES-CO">ANDRÉS GALEANO<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal"><span lang="ES-CO">“Cine de la raíz” (Retrospectiva
audiovisual de mi obra).<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal"><span lang="ES-CO">4: 00 p.m.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal"><span lang="ES-CO">ALFONSO MOLINA (Venezuela)<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal"><span lang="ES-CO">“Las realizadoras venezolanas” (CINE CON
ACENTO FEMENINO)<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal"><span lang="ES-CO">4: 30 p.m.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal"><span lang="ES-CO">JAIME PONCE<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal"><span lang="ES-CO">“Alice GUY-Blaché: La infamia del olvido.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal"><span lang="ES-MX">5: 10 p.m.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal"><span lang="ES-MX">PRESENTACIÓN
DE LIBROS DE: <o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal"><span lang="ES-MX">Yorlady
Ruíz y Gabriel Andrés Posada<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal"><span lang="ES-MX">Anuncio de
un Premio<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal"><span lang="ES-MX">Saludo muy
especial.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal"><span lang="ES-MX"> </span> </p><p class="MsoNormal"><span lang="ES-MX">7: 00 p.m.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal"><b><span lang="ES-MX">TEATRO DE CÁMARA DEL TEATRO SANTIAGO LONDOÑO<o:p></o:p></span></b></p><p class="MsoNormal"><span lang="ES-MX">Proyección
en Estreno Nacional de la película de largometraje titulada “LA FORMA QUE TIENEN
LAS NUBES”, presentada por su realizador, el joven pereirano JOSÉ LUIS OSORIO.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal"><span lang="ES-MX">7:30 p.m.</span></p><p class="MsoNormal"><span lang="ES-MX">LIBRERÍA ROMA</span></p><p class="MsoNormal"><span lang="ES-MX">Presentación del libro “Geografías del trueno”, ensayos de Omar Ardila, que incluye unos dedicados a Pier Paolo Pasolini, Antonin Artaud y Jean Genet.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal"><span lang="ES-MX"></span></p><p class="MsoNormal"> </p><p align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;"><b><span lang="ES-MX">DOMINGO 14<o:p></o:p></span></b></p><p class="MsoNormal"><span lang="ES-MX">8: 30 a.m.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal"><span lang="ES-MX">ÓSCAR MA</span><span lang="ES-MX"> </span><span lang="ES-MX">RIO ESTRADA<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal"><span lang="ES-MX">“El Cine y
Las Artes” (Artes plásticas y bandas sonoras asociadas a la cinematografía). <o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal"><span lang="ES-MX">9: 15 a.m.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal"><span lang="ES-MX">JAMES
LLANOS<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal"><span lang="ES-MX">“Punto y
línea sobre el plano”<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal"><span lang="EN-US">10: 00 a.m.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal"><span lang="EN-US">OMAR ARDILA<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal"><span lang="ES-MX">“Alice
Guy-Blaché y Laura Huertas Millán. Del ocultamiento patriarcal a la fuga
decolonial".<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal"><span lang="EN-US">10: 45 a.m.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal"><span lang="ES-MX">JORGE
HERNANDO DELGADO CÁCERES<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal"><span lang="ES-MX">“1.922:
Cien años de la Sinfonía del Horror”<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal"><span lang="ES-MX">11: 30 a.m.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal"><span lang="ES-MX">PRESENTACIÓN
DE FESTIVALES<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal"><span lang="ES-MX">De Bogotá:
Henry Laguado y Jairo Cruz<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal"><span lang="ES-MX">De Mujeres
realizadoras y/o productoras de Cine de Salento: Ma. Lila Quiroga<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal"><span lang="ES-MX">De la
Comuna 13 de Medellín: Luis Fernando Avendaño.<o:p></o:p></span></p><p align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;"><b><span lang="ES-MX"><br /></span></b></p><p align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;"><b><span lang="ES-MX">RECESO<o:p></o:p></span></b></p><p class="MsoNormal"><span lang="ES-MX"> </span>2: 00 p.m.</p><p class="MsoNormal"><span lang="ES-MX">LUCIANO
CASTILLO<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal"><span lang="ES-MX">Director de
la CINEMATECA de CUBA<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal"><span lang="ES-MX">“Del amor desesperado
(al CINE) …”<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal"><span lang="ES-MX">Tendencias
actuales de la Crítica Cinematográfica.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal"><span lang="ES-MX">2: 40 p.m.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal"><span lang="ES-MX">YOYIANA
AHUMADA<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal"><span lang="ES-MX">Cine
venezolano<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal"><span lang="ES-MX">3: 20 p.m.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal"><span lang="ES-MX">RODRIGO
VIDAL<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal"><span lang="ES-MX">(Cinéfilo
caleño)<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal"><span lang="ES-MX">“Los 100
años de La María”<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal"><span lang="EN-US">3: 50 p.m.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal"><span lang="EN-US">JUAN
GUILLERMO RAMÍREZ<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal"><span lang="ES-MX">“Rita
AZEVEDO: Experimento porque el cine actual es aburrido”<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal"><span lang="EN-US">4: 40 p.m.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal"><span lang="ES-MX">VÍCTOR
BUSTAMANTE <o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal"><span lang="ES-MX">“Gabriela
Samper, revisitada”. EL PÁRAMO DE CUMANDAY.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal"><span lang="ES-MX">5: 30 p.m.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal"><span lang="ES-MX">PUBLICACIONES
DE CINE<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal"><span lang="ES-MX">MIGUEL DÍAZ:
“AJIGUAGUAO”. Tercer libro.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal"><span lang="ES-MX">CINEMATECA
DISTRITAL: Cuaderno 31. EXPERIENCIAS CINEMÁTICAS. <o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal">7: 00 p.m.</p><p class="MsoNormal"><span lang="ES-MX">TEATRO DE
CÁMARA DEL TEATRO SANTIAGO LONDOÑO<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal"><span lang="ES-MX">Selección
de cortometrajes europeos (<b><i>Miradas femeninas</i></b>) del Curador del
Festival de CINE DE BOGOTÁ, Jairo Cruz, Asesor Internacional del Festival en
mención. <o:p></o:p></span></p><p align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;"><b><u><span lang="ES-CO">Lunes 15:<o:p></o:p></span></u></b></p><p align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;"><b><span lang="ES-CO">Lugar: HOTEL DEL CAFÉ. (Calle 20 No. 4-60). Sede del
evento.<o:p></o:p></span></b></p><p align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;"><b><span lang="ES-CO"> </span></b></p><p class="MsoNormal"><span lang="ES-CO">9: 00 a.m. Conclusiones del Encuentro.
Conversatorio. Propuestas para el ENCUENTRO No. 24.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal"><span lang="ES-CO">10: 00 a.m. Reunión de la Asociación Nacional de Críticos
y Periodistas de Cine.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal"><span lang="ES-CO">10: 30 a.m. Mesa Redonda sobre Cine
Colombiano.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal"><span lang="ES-CO">11: 00 a.m. Entrega del fallo del 11
CONCURSO DE CORTOMETRAJES DEL EJE CAFETERO.<o:p></o:p></span></p><p align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;"><i><span lang="ES-CO" style="color: red;"> </span></i></p><p class="MsoNormal"><i><span lang="ES-CO" style="color: red;"> </span><b><u><span lang="ES-CO">Todos los eventos con Entrada libre y gratuita.<o:p></o:p></span></u></b></i></p><p style="text-align: justify;">
</p><p class="MsoNormal"><span lang="ES-CO"> <o:p></o:p></span></p><p><br /></p>Omar Ahttp://www.blogger.com/profile/05665780406648038335noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8116240328939524638.post-977375258023860672022-02-28T15:12:00.000-08:002022-02-28T15:12:35.065-08:00Sesenta años del Manifiesto de Oberhausen 1962 - 2022<p> </p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEie_pxx4VzabeC_-X2sjxtfEqwktQHAUqcITYM_kX8jgT-lVbl7yTTlf0iaILzSZaw9d7xx8oLZqyWENOELI8ScgFjBDfVdnFXfXsqlL3TP0XfeL5aFKwtqXuO7I76laHyEt39NjWEzkiTG3bvK3u52eshO-qioUJM9uW_Y2cVfs1ualVmbT7Cj8zw2=s724" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="485" data-original-width="724" height="268" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEie_pxx4VzabeC_-X2sjxtfEqwktQHAUqcITYM_kX8jgT-lVbl7yTTlf0iaILzSZaw9d7xx8oLZqyWENOELI8ScgFjBDfVdnFXfXsqlL3TP0XfeL5aFKwtqXuO7I76laHyEt39NjWEzkiTG3bvK3u52eshO-qioUJM9uW_Y2cVfs1ualVmbT7Cj8zw2=w400-h268" width="400" /></a></div><p align="center" class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: center;"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><b><br /></b></span></p><p align="center" class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: center;"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><b>El
surgimiento de un nuevo cine en Alemania</b><o:p></o:p></span></p>
<p align="right" class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: right;"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Por:
Gustavo Valencia Patiño<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">El
28 de febrero, hace ya sesenta años, en la octava Jornada de Cortometrajes de
Alemania, realizada en la ciudad de Oberhausen, un nutrido grupo de cineastas
alemanes, elaboró un conocido documento, poco programático, por cierto, más de
carácter contestatario y reivindicativo, que convocaba a que se realizara otro
tipo de cine en aquella nación que emergía de las ruinas tanto físicas como
morales, como país perdedor de una infausta guerra, cuyo final aún no había
cumplido dos décadas.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Dicho
documento con los años se hizo mundialmente conocido como el “Manifiesto de
Oberhausen”, con el cual se da por iniciado el nacimiento del denominado Nuevo
Cine Alemán. De todos los famosos directores que entregó el renacer del cine
germano como Wenders, Herzog, Schlöndorff y en especial, un creciente y cada vez
más monstruoso mito llamado Fassbinder, ninguno de ellos hizo parte de aquel
grupo, ni mucho menos fueron firmantes del Manifiesto; los firmantes fueron un
grupo de pioneros,<span style="color: red;"> </span>y por las ironías del destino
y los criterios de la industria fílmica, la mayoría de ellos quedaría en el
anonimato. Simplemente abrieron nuevos rumbos para la cinematografía germana.<span style="color: red;"><o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 12.0pt; line-height: 107%;">A la
mayoría de los del medio fílmico alemán, es decir, la industria del cine y su
prensa, les causó más bien risa aquella proclama y fueron motivo de burla y
mofa, pues inicialmente se les denominó “joven” cine alemán y el término, que
por cosas de la traducción pierde inmediatamente el sentido, se prestaba para
que con cierto juego de palabras de ese idioma se convirtiera en sarcasmo e
irrespeto, pues también podía significar virgen en sentido despectivo, o sea,
se les llamó el “virgencito” cine alemán. Así fueron recibidos en su país. Esto
no fue motivo para cambiar sus puntos de vista y plasmar sus ideas sobre qué
tipo de cine querían hacer y cómo expresarlo en imágenes.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 12.0pt; line-height: 107%;">Temáticamente
sorprendieron con su capacidad de análisis y de crítica al medio social en el
que habían crecido, es decir, la postguerra y el llamado “milagro alemán”, en
el que se atrevieron a enjuiciar y develar a un régimen de extrema derecha
regido por exnazis incrustados en el poder y en la economía, que se habían
hecho más fuertes durante dicha reconstrucción. Decirlo medio siglo después es
algo ya sabido por todos, pero plantearlo en aquella época, donde era algo
impronunciable, fue un desafío por parte de aquel grupo de jóvenes directores
que pagaron un alto precio por su valentía y osadía. Algo que nunca les perdonó
el gobierno y la industria fílmica, en especial, esta última que nunca los
apoyó y en cambio, sí los combatió de todas las formas posibles.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 12.0pt; line-height: 107%;">Los
relatos que presentaban en sus películas, eran antes que nada, sus opiniones y
puntos de vista sobre el presente, una nueva generación que políticamente
estaba imbuida de los años sesenta, inclinados al mundo socialista, a la
reciente revolución cubana y a una protesta mundial juvenil contra el llamado
en aquel entonces “sistema”, que se concretaba en el terreno cultural en
mayores libertades sexuales y femeninas; y en el ámbito de lo ideológico en una
lucha por reivindicaciones socioculturales, de las cuales las más famosas se
registrarían en los campus universitarios. <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 12.0pt; line-height: 107%;">La
mayoría de esas realizaciones estaban condimentadas con una mezcla de ironía,
burlesco e irrespeto, que de por sí ya eran motivo de escándalo y enervamiento
por parte de los sectores más conservadores y políticamente reaccionarios,
incluyendo la gran prensa, que, en su contraparte, es decir, entre el público
joven gozaban de gran aceptación y acogida.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 12.0pt; line-height: 107%;">Fílmicamente
se mostraron como continuadores de la riqueza fílmica que desde la época de su
glorioso cine mudo los había hecho merecedores de un importante puesto en la
cinematografía mundial. Así esa capacidad y talento que los distinguió de saber
hablar con la imagen para contar una historia, para que la estructura narrativa
del film descanse sobre la base de expresarse con imágenes (un aspecto poco
estudiado por la teoría del cine y que resulta fundamental en el hecho de que
la imagen sea la que narre), se hacía presente de nuevo con estos pioneros,
decididos a rescatar esta facultad tan propia e inherente a la imagen fílmica.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEixV85gUt3xBXaDDGtqUM33wgyajc-VYCAzq70dR2ZWcXpY3H1R_WxKA-Sm9J5UkklCrIS5pUb168eXFfqdUjr0NrTruasdmoXzUS7veSdl_jpNKeJ7i0JIaJ666dcQYzQ1C4YbzeL02Vf8SbVJsUinWDu7vf5RfyudwH5ulofzI7C0gRkdbbLYNx4C=s724" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="519" data-original-width="724" height="286" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEixV85gUt3xBXaDDGtqUM33wgyajc-VYCAzq70dR2ZWcXpY3H1R_WxKA-Sm9J5UkklCrIS5pUb168eXFfqdUjr0NrTruasdmoXzUS7veSdl_jpNKeJ7i0JIaJ666dcQYzQ1C4YbzeL02Vf8SbVJsUinWDu7vf5RfyudwH5ulofzI7C0gRkdbbLYNx4C=w400-h286" width="400" /></a></div><span lang="ES-CO" style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 12.0pt; line-height: 107%;"><br /></span><p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 12.0pt; line-height: 107%;">No era
de extrañar entonces, que aquellos firmantes del Manifiesto, rápidamente
empezaran a obtener premios y distinciones en los más importantes festivales de
la época; el mundo entero comenzó a mirarlos y a interesarse por aquellos
jóvenes realizadores. También cambió en parte la opinión entre sus compatriotas
(menos la industria fílmica alemana que siempre los mantuvo apartados), y del
despectivo “virgencito” (joven) cine alemán se comenzó a hablar del “Nuevo Cine
Alemán”, término que se acuñaría y con el cual se les conocería desde entonces,
marcando una importante página en su cinematografía y en la del mundo. <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 12.0pt; line-height: 107%;">Con
estos nuevos acontecimientos por parte de los jóvenes alemanes, tanto expertos
como crítica especializada muy pronto tomaron asiento y se acomodaron para
contemplar en primera fila, las películas que ellos suponían estarían
dedicadas, principalmente, a mirar críticamente su reciente pasado, o sea, lo
relacionado con la segunda guerra mundial. Muy para su sorpresa se encontraron
con una mirada crítica, eso sí, pero al momento que vivían, es decir, a
plantear la problemática sobre el costo social y político de ese llamado
“milagro alemán”, sobre la situación política de un régimen nazi en la
sombra<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>y con una Alemania dividida y un
muro construido en Berlín, apenas seis meses atrás, que encuentra en Alexander
Kluge uno de sus mejores exponentes, con su abierta connotación política en todos
sus filmes desde su inicio con “Adiós al ayer” también conocida como “Una
muchacha sin historia”. <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 12.0pt; line-height: 107%;">También
se encuentra el radicalismo de los planteamientos de Jean-Marie Straub, primero
con su corto contra el rearme alemán en “Machorka-Muff” y luego en su primer
largometraje “No reconciliados”, adaptación de la novela del premio Nobel,
Heinrich Böll, que denunciaba abiertamente a tanto exnazi refugiado en el gobierno
y el poder, en la llamada “era Adenauer”. Con ello, Straub se convertía en el
primer director maldito de unos cuantos más que vendrían enseguida.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 12.0pt; line-height: 107%;">Dentro
de este análisis crítico que planteaban estos firmantes, no podía quedar por
fuera lo relacionado con la relación de pareja y el sexo, como sobre la
mojigatería e hipocresía que acompañaba a todo este asunto, como en “El pan de
los años tempranos” de Herbert Vesely y “Eso” de Ulrich Schamoni; también se
habló de la brecha generacional en “Tiempo de veda para zorros” de Peter
Schamoni y “Jinete salvaje y Cía Ltda” de Franz-Josef Spieker, esta última con
una sobredosis de burlesco e irreverencia como nunca antes se había visto, y
que adquiere su punto más alto de paroxismo, cuando Lars Brandt, hijo del
famoso político Willy Brandt, se introduce una especial condecoración oficial
entre su pantalón de baño en “Gato y ratón” de Hansjürgen Pohland. <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 12.0pt; line-height: 107%;">Hay
que señalar que sobre estos temas hay muchas más películas y nombres de jóvenes
realizadores, pero en esta brevísima reseña sólo se han mencionado,
principalmente, a los firmantes del Manifiesto. Una sorpresa más se llevaban
todos los observadores del resurgir fílmico germano al apreciar estos aspectos
tan contemporáneos, donde su pasado reciente no despertaba mayor interés y
quedaba a un lado, pues para todos estos nuevos directores ese era un pasado
que no conocían, sino oído de sus mayores. <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 12.0pt; line-height: 107%;">Años
más tarde sería la industria fílmica alemana la que descubriría un rico filón
de oro al volver sobre la segunda guerra mundial, pues el tema causaba escozor
y dolor en heridas, muchas de ellas aún sin cerrar, despertando polémica y
discusión de carácter extra cinematográfico, que resultaba en una buena
taquilla y que se convertiría en toda una especie de “género” made in Germany,
con más de cien largometrajes de ficción sobre el particular en las tres primeras
décadas de este nuevo cine de la industria fílmica alemana.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 12.0pt; line-height: 107%;">Aquel
grupo de jóvenes participantes en la octava edición del Festival de
Cortometrajes de Oberhausen, nunca llegó a imaginar que el haber redactado e
impulsado sus ideas fílmicas, llegara a tener el significado y renombre que
alcanzó. Su Manifiesto dio origen y nombre a uno de los movimientos fílmicos
más interesantes en la historia del cine contemporáneo mundial, el cual sin ser
programático ni el producto de largas discusiones como lo fue años antes la
Nouvelle Vague en París, sí tuvo el suficiente aliento para que se expresaran
nuevas ideas temáticas y críticas al medio social, con narraciones en términos
que rescataban la imagen fílmica como esencia del cine y base de su narración,
de tal forma que sus inmediatos seguidores continuaran y profundizaran en esta
línea, como también en una serie de planteamientos ideo políticos muy de la
década y que alcanzó la de los setentas, que en su conjunto ninguna otra
cinematografía nacional había expresado con tanta claridad, cantidad y calidad,
que ni siquiera se volvió a repetir en la misma Alemania. <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 12.0pt; line-height: 107%;">A
diferencia de los éxitos de sus continuadores y del boom del cine germano en
los años setenta, la mayoría de sus firmantes siguieron en el anonimato y ni
siquiera algunos de ellos llegaron a dirigir un largometraje; otros pasaron a
la publicidad o a la televisión y otros pocos pudieron rodar uno que otro
largometraje, todos ellos sin mayor apoyo de la industria fílmica, tanto en
producción como en distribución y exhibición, pues nunca les prestó algún tipo
de ayuda. <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 12.0pt; line-height: 107%;">De los
pocos que se mantuvieron activos, la cabeza visible fue y es Alexander Kluge
conocido entre especialistas y cuya extensa, polémica y densa obra, es joya de
cinematecas y de constantes retrospectivas; desde aquella época se hizo muy
famoso entre el público y la crítica que gusta de un cine fuera de lo común, y
que en otros ámbitos generaba agudas polémicas, por ejemplo con su tercer
largometraje “Los artistas bajo la carpa de circo: perplejos” tal vez su
principal cinta que explora diversos lenguajes fílmicos de forma muy creativa.
La industria fílmica en su país dijo que ese era el tipo de cine que NO se
debía realizar. <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 12.0pt; line-height: 107%;">Edgar
Reitz, dos décadas después saltaría a la fama en su país con una muy discutible
serie televisiva “Heimat”, simple reproducción de lo que se conoce hoy en día
como “historia oficial” de Alemania desde antes de la segunda guerra. Una gran
promesa como Franz-Josef Spieker, el de “Jinete salvaje y Cía Ltda”, murió ahogado
en unas vacaciones en Bali diez años después. Peter Schamoni, al igual que sus
hermanos Ulrich y Thomas (no firmantes) continuaron una desigual carrera
fílmica con muy pocas realizaciones. <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 12.0pt; line-height: 107%;">Herbert
Vesely, Hans Rolf Strobel y Detten Schleiermacher no encontraron muchas oportunidades
en el medio fílmico para hacer carrera. Hansjürgen Pohland se convirtió en
productor al igual que otros de aquellos firmantes como Rob Houwer. Ferdinand Khittl,
el que leyó oficialmente el Manifiesto, que dirigió “La calle paralela”, con
guión de Bodo Blüthner y cámara de Ronald Martini (ambos firmantes), tampoco
tuvo mayores oportunidades, además de su temprana desaparición en 1976.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 12.0pt; line-height: 107%;">Ellos
abrieron paso para que un segundo grupo mucho más numeroso y además ellos sí
apoyados e impulsados por la industria, continuara muy a su manera lo que éstos
habían iniciado. Se les ha dado en llamar “la segunda generación” a la cual
pertenecen los famosos (Herzog, Wenders, Schlöndorff, Fassbinder) que el mundo
entero conoce y sobre la cual se tejen mitos a diario, como que el Nuevo Cine
Alemán comenzó con los famosos, o que el Nuevo Cine Alemán sólo es Fassbinder
como llegó a expresarlo, muy equivocadamente, el cineasta francés Jean-Luc
Godard, además del otro mito y equívoco de que con el Manifiesto de Oberhausen
se reanimó la industria del cine germano, que con motivo de estos aniversarios
se vuelve a repetir sin ningún asidero con la realidad. <span style="mso-spacerun: yes;"> </span><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 12.0pt; line-height: 107%;">Este
2022 se celebran seis décadas de un importante Manifiesto y todo el año es
buena ocasión para recordar a los pioneros que jalonaron e impulsaron un
poderoso movimiento fílmico, ante el cual nadie quedó indiferente. Sesenta años
después se hace indispensable repasar su obra y disfrutar de un buen cine lleno
de cualidades y virtudes fílmicas que hoy en día y desde hace varias décadas
con la nefasta influencia de la televisión, se han ido perdiendo y la
degradación del lenguaje fílmico es cada día más notorio, incluso en el mismo
país donde en 1962, dichos jovencitos se encontraban decididos a rescatar e
impulsar. Eso fue lo que hicieron, y sólo por eso ya es suficiente motivo para
recordarlos muy especialmente.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEin8SIn8IqMbn3ReYDhtWrE85OoQt2IiW_gspX4LxVWef0EqnOqsKBOPfzeHTDiyzrQTF80HemrQ9SNUAvVJXQ3z9lqFLs7rkhz-kf-6xiNjtkaTGtia5GzMEguZqIlsfn7YJ8ZkeiinagTcPjUbHOKZQSM2-Gn3Dp-MqAjmGyWPmmxkkzTf1qBoj9B=s1279" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1279" data-original-width="845" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEin8SIn8IqMbn3ReYDhtWrE85OoQt2IiW_gspX4LxVWef0EqnOqsKBOPfzeHTDiyzrQTF80HemrQ9SNUAvVJXQ3z9lqFLs7rkhz-kf-6xiNjtkaTGtia5GzMEguZqIlsfn7YJ8ZkeiinagTcPjUbHOKZQSM2-Gn3Dp-MqAjmGyWPmmxkkzTf1qBoj9B=s320" width="211" /></a></div><span style="text-align: left;"><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: medium;"><b style="text-align: left;">Gustavo Valencia</b><span style="text-align: left;"> es Sociólogo, crítico de cine, columnista, gestor cultural y experto en cine alemán.</span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: right;"><span style="font-size: medium;"><span style="text-align: left;"><b>Imágenes tomadas de la circulación libre en la red</b></span></span></p></span><p></p><p></p>Omar Ahttp://www.blogger.com/profile/05665780406648038335noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8116240328939524638.post-29265121138737538892022-02-16T18:00:00.000-08:002022-02-16T18:00:06.314-08:00Atisbos de identidad nacional en el cine colombiano<p> </p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEje6jd6PKOumVCd6KzLkK_FTtn8EMU_udW553umJo2siOB7w-CYEHf5U54rLs5uDgnJuMLeJ97C6PHzjPaPRsJv9oAK62DSvE25JbM50XfdtI75Br9davziwE5XSfQYZ13rDgzI-LsMVDJCqB9tXGFGuh68OK7jCQ7Hp_e7LTXg1egpq5rLQ2OC3vOw=s300" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="220" data-original-width="300" height="220" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEje6jd6PKOumVCd6KzLkK_FTtn8EMU_udW553umJo2siOB7w-CYEHf5U54rLs5uDgnJuMLeJ97C6PHzjPaPRsJv9oAK62DSvE25JbM50XfdtI75Br9davziwE5XSfQYZ13rDgzI-LsMVDJCqB9tXGFGuh68OK7jCQ7Hp_e7LTXg1egpq5rLQ2OC3vOw" width="300" /></a></div><br /><p></p><p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="es-419" style="mso-ansi-language: #580A;">Desde las primeras producciones cinematográficas
realizadas en Colombia se empezó a configurar una idea de identidad que
conducía a mostrar cierta visión exaltada y positiva del territorio nacional.
Esto coincidía con la perspectiva aglutinante de lo nacional que se buscaba
desarrollar en la segunda década del pasado siglo por medio de referentes
institucionales; y aunque hasta el momento no había ni asomos de una industria
cinematográfica colombiana (algo que 100 años después no ha logrado
construirse) sí se aprovechaba el estatuto de la imagen que empezaba a circular
mayoritariamente, a través de las <i style="mso-bidi-font-style: normal;">imágenes
en movimiento</i>, como vehículo que ayudara a delinear un bosquejo de nación.
Y por la misma razón, se trataba de ocultar aquello que no correspondía con esa
mirada institucional, como es el caso del que es reconocido como primer filme
argumental (<i style="mso-bidi-font-style: normal;">El drama del 15 de octubre</i>
(1910-1920)) del cual se dice que fue desaparecido por la censura debido a que
mostraba a los asesinos del general Rafael Uribe Uribe. Algo que dice mucho de
lo que realmente quería mostrarse como propio de la nación. Qué ocultar y qué
mostrar definía la lógica de los imaginarios nacionales desde el estamento gubernamental.
<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="es-419" style="mso-ansi-language: #580A;"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="es-419" style="mso-ansi-language: #580A;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEi07fr060j_kO333yCudPVAeOVlaWYjUSwkJ0xSrOW7cUnkywvHhz9gzKZlEVpKwDd8R34zocZxAED60eDRLw3qv58Lb-f73YXIDLjhuytZ_R0Ba16DvJOhYnike9956mqP9qnlBAcqeEWD5tEWpsg4pa8HQ03bygvl-fNZIuQmfLxh9G23bWGv9_vZ=s288" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="175" data-original-width="288" height="175" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEi07fr060j_kO333yCudPVAeOVlaWYjUSwkJ0xSrOW7cUnkywvHhz9gzKZlEVpKwDd8R34zocZxAED60eDRLw3qv58Lb-f73YXIDLjhuytZ_R0Ba16DvJOhYnike9956mqP9qnlBAcqeEWD5tEWpsg4pa8HQ03bygvl-fNZIuQmfLxh9G23bWGv9_vZ" width="288" /></a></div><br />En el texto <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Miradas
esquivas a una nación fragmentada </i><span style="color: red;">(1)</span> de
Nazly López, se identifican tres filmes representativos de esos primeros años y
se analizan tratando de ubicar, precisamente, esos rasgos definitorios de lo
nacional, sin olvidar que fueron los extranjeros quienes primero se preocuparon
por hace cine en Colombia. En <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Bajo el
cielo antioqueño</i> (1925), se toma un territorio (Antioquia) como punto de
partida y en éste, los referentes simbólicos que le hicieron eco a esa idea de
nación que se promulgaba, teniendo a la cristiandad como soporte. La identidad
se da desde lo regional específico, haciendo que la región se convierta en el
centro. Este drama romántico costumbrista desnuda el apego por lo tradicional
derivado de las creencias religiosas y elogia la irrupción de la modernidad, de
la mano de ciertas prácticas productivas a mayor escala. Son identificables,
además, los referentes patriarcales (padre, sacerdote, juez) como vehículos
potenciadores del Estado, el cual, finalmente, todo lo subsume. Y por supuesto,
hay un claro distanciamiento del “otro”, del diferente, del que no hace parte
del lugar de élite desde donde se construye la película. Por su parte, en el
filme <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Alma Provinciana</i> (1926) se le
da vida a una idea de nación estructurada a partir de <i style="mso-bidi-font-style: normal;">lo social</i>, desde las diferencias de clase entre ricos y pobres,
desde las jerarquías y las relaciones de poder. La identidad se da a través del
uso del “lenguaje popular”, que es más englobante y menos excluyente. La
autoridad y las jerarquías están dadas según el posicionamiento económico. En
este caso, lo ajeno ya no es diferente, sino que se incluye reconociendo su diversidad,
aunque no sea del todo aceptado. Y en <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Garras
de oro </i>(1927), el vínculo con la idea de nación se da por medio de
referencias a simbologías universales que exaltan las nacionalidades (himno,
escudo, bandera). De ahí que lo que se busca generar es un discurso
nacionalista que se levanta contra el despojo que padece un territorio y las
consiguientes violaciones a la soberanía nacional. Curiosamente, quienes aquí
propician ese discurso nacionalista son extranjeros; no hacen parte de ese
pueblo expoliado, y por el contrario, aducen ese hecho a la precariedad de los
gobiernos de aquella nación. Las palabras de conciencia nacional son proferidas
por un extranjero, mientras que el pueblo (ausente) asiente silenciosamente. Es
una manera de enrostrarnos cómo el desinterés en nuestras propias problemáticas
ha sido un claro referente de Nacionalidad, concepto que en este caso se
asimila con el de Patria.<o:p></o:p><p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="es-419" style="mso-ansi-language: #580A;"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEjk1pGzfUPqFLQ3NKvEyIcXic4lJEKuczoohVUEZoy4NGzieOkn8hsjAqnmm53ndLSi5kZe76c_810uqnDB-gM2VoOgmkz-dskClslHMM-l-GeiZNDejENre69dqwh6b4PFDo6YJfPU9m4fkpI60nrM44Aj2gP0h9Z2WfhNMWunR70FspoI2qyyVLXW=s801" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="451" data-original-width="801" height="180" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEjk1pGzfUPqFLQ3NKvEyIcXic4lJEKuczoohVUEZoy4NGzieOkn8hsjAqnmm53ndLSi5kZe76c_810uqnDB-gM2VoOgmkz-dskClslHMM-l-GeiZNDejENre69dqwh6b4PFDo6YJfPU9m4fkpI60nrM44Aj2gP0h9Z2WfhNMWunR70FspoI2qyyVLXW=s320" width="320" /></a></div><span lang="es-419" style="mso-ansi-language: #580A;">A pesar de los intentos de bosquejar una
identidad nacional a través del cine (temática que sigue siendo notable en los
estudios historiográficos que se adelantan desde la región latinoamericana) es
importante resaltar lo problemático que resulta hoy en día el hablar de “cines
nacionales”, cuando el cine desde sus orígenes ha sido transnacional, lo que
cada vez es más evidente en el mundo de la globalización. Además, es oportuno
pensar a partir de lo que nos propone Pedro Adrián Zuluaga, para quien “el
cine, antes que generar identidad, genera ‘memoria no oficial’, pensamiento
crítico” <span style="color: red;">(2)</span>. No hay que olvidar que la búsqueda
de puntualizar los cines como nacionales es algo que tiende a desaparecer en
otros lugares, especialmente europeos.<br /><o:p></o:p></span><p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="es-419" style="mso-ansi-language: #580A;"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="es-419" style="mso-ansi-language: #580A;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEhEPzzs7KyLoS4k0KcrB8rJWjMpO9BfWwPjvFhLbnpMAFZo1OIMFzGbKpqoXv7MprUvNM930LbxktDwB3r17zgDVSpCVitBUWobW609cQA5xItftZ5U_QXfEdottN4FRlkHhWLG3XWzhOCruTA1oPgdIEMs2zq-kX0sBtGQ3Ik90cHqBrl5NAKPRwBv=s362" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="280" data-original-width="362" height="248" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEhEPzzs7KyLoS4k0KcrB8rJWjMpO9BfWwPjvFhLbnpMAFZo1OIMFzGbKpqoXv7MprUvNM930LbxktDwB3r17zgDVSpCVitBUWobW609cQA5xItftZ5U_QXfEdottN4FRlkHhWLG3XWzhOCruTA1oPgdIEMs2zq-kX0sBtGQ3Ik90cHqBrl5NAKPRwBv=s320" width="320" /></a></div><br />Poco a poco se nos hace imperativo volver a
interrogarnos sobre la categoría “cine colombiano”, y tratar de desentrañar qué
es eso que lo define. La pregunta con matices positivistas y basamento
cuantitativo que ha recogido el canon, se respondería con cierta evidencia
puesto que hay películas realizadas en este territorio ¿pero es esto
suficiente? Zuluaga sostiene que dicha categoría va más allá de un corpus de
películas o de ciertas “identidades” nacionales; y que tiene que ver más con
discursos cuyos significados son cambiantes. Por eso él considera que el cine
colombiano es y debe ser cada vez más algo “difícil de definir”. Por tal razón,
antes que buscar respuestas esencialistas, es más interesante analizar la
producción textual que se ha hecho en el país para identificar las lógicas y
los intereses que las movilizan. En ese sentido, el libro del citado autor <span style="color: red;">(3)</span>, aporta muy buenos elementos al ubicar los
intentos que se empezaron a generar desde los años 50 para “pensar el cine
colombiano”. Vale la pena mencionar algunos de esos esfuerzos: la creación del
Cine club de Colombia, la edición de las revistas “Guiones” y “Cinemés”, los
primeros proyectos de ley para la industria cinematográfica, la crítica de
Valencia Goelkel, Gaitán Durán y García Márquez en los grandes medios, el
surgimiento de la Cinemateca Distrital, y más adelante (años 70) la
preocupación por definir los intereses del cine colombiano desde diversos
estrados. <o:p></o:p><p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="es-419" style="mso-ansi-language: #580A;"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEhD8HWlKuyr9J3Nq5TNM57nxrQq7u2kXKVoZfsJNyENVO9xj4UKq2CralZcmxbX_QZb-91KYPPbr7rDEwgSMNydh0S9xc_SNOmZFwdYAvR8P05x0ad50lN5sh_U5pogon0KaxrZLrUfnLlQNmKi7dUsL0vUnHo3N3uXHcQU-PpUK3JlMphX8azlytvB=s242" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="242" data-original-width="160" height="242" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEhD8HWlKuyr9J3Nq5TNM57nxrQq7u2kXKVoZfsJNyENVO9xj4UKq2CralZcmxbX_QZb-91KYPPbr7rDEwgSMNydh0S9xc_SNOmZFwdYAvR8P05x0ad50lN5sh_U5pogon0KaxrZLrUfnLlQNmKi7dUsL0vUnHo3N3uXHcQU-PpUK3JlMphX8azlytvB" width="160" /></a></div><span lang="es-419" style="mso-ansi-language: #580A;">Uno de los argumentos que se ha esgrimido de
manera recurrente cuando se ha intentado pensar la identidad nacional a través
del cine hace referencia a la ausencia de crítica cinematográfica en Colombia.
Frente a este particular, Zuluaga afirma que “sí ha habido crítica en el cine
colombiano y reflexión sobre sí mismo y que lo importante de ver es desde dónde
se ha escrito”. Por ejemplo, muestra cómo en el clásico libro de Georges Sadoul,
aparece una referencia bastante sucinta y a la vez imprecisa del cine producido
en nuestro país. Allí se toma partida por la visión que difundía Carlos
Álvarez: una mirada limitada que solo aceptaba el documental, el formato de 16
mm y el bajo presupuesto, como una manera de enarbolar desde el medio, la lucha
antiimperialista. Zuluaga también refiere el trabajo de Hernando Salcedo Silva,
que busca hacer una reconstrucción histórica a partir de las voces que daban
testimonio de una época (1897-1950) en la que se consumía cine, principalmente
extranjero y se generaban dinámicas alrededor del mismo. Luego cita los
trabajos de Hernando Martínez Pardo y Jorge Nieto; Carlos Mayolo y Ramiro
Arbeláez. Y elogia la labor de los cineclubes y la Cinemateca Distrital, en su
intento de buscar “heroicamente” el cine colombiano perdido para poder hacer la
reconstrucción historiográfica. Asimismo, tiene en cuenta los estudios de
Andrés Caicedo, Umberto Valverde y más adelante, de Luis Alberto Restrepo.<br /> <o:p></o:p></span><p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="es-419" style="mso-ansi-language: #580A;"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="es-419" style="mso-ansi-language: #580A;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEio7cQTtc97Odffsaw8JExuZE_wlr58q19LCgEc8YRsB_zjUhmSE7danbRq86FCrjfo6trmjDg5o_a2NqJF6f3a_mDxcuS8hq46PxznXGhQdvtXbwlaDoQknGGEH150RhINOMYSD1Cn33klkrQHo6FPo1Lf-kZZF3dkPhpFnt_CU7t0it4hcB8fYaMn=s271" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="271" data-original-width="186" height="271" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEio7cQTtc97Odffsaw8JExuZE_wlr58q19LCgEc8YRsB_zjUhmSE7danbRq86FCrjfo6trmjDg5o_a2NqJF6f3a_mDxcuS8hq46PxznXGhQdvtXbwlaDoQknGGEH150RhINOMYSD1Cn33klkrQHo6FPo1Lf-kZZF3dkPhpFnt_CU7t0it4hcB8fYaMn" width="186" /></a></div><br />Es muy interesante revisar lo que se ha escrito
sobre cine colombiano y corroborar que no es tan poco como usualmente se cree,
pues no solo se han desarrollado estudios desde el interior sino que en algunas
academias extranjeras también se han realizado investigaciones sobre nuestro
cine, tal como lo ha documentado Juana Suárez <span style="color: red;">(4)</span>.<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>Sin embargo, hay que anotar que existe un
lugar común en la producción textual sobre cine en Colombia: el triunfo de las
investigaciones provenientes de las ciencias sociales (básicamente historiográficas)
frente a los estudios orientados desde las ciencias humanas que logren ahondar
en problemas estéticos, epistemológicos y teóricos. Eso ha definido un interés
prioritario (en cuanto a objeto de análisis) por los filmes que tienen una
temática preferencial hacia cuestiones sociales, mientras que las obras que han
estado más preocupadas por la forma, se las ha pasado por alto. Es curioso que
en el libro <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Como se piensa el cine en
Latinoamérica </i><span style="color: red;">(5)</span>, publicado por el
Observatorio Latinoamericano de Historia y Teoría del Cine, el editor,
Francisco Montaña, advierta en la presentación que hace del mismo, que los
artículos allí publicados no responden a esa pregunta inicial por la cual
fueron convocados. Esto coincide con el análisis que hace Lauro Zavala, refiriéndose
en general a la realidad de los estudios sobre cine en Latinoamérica, cuando
dice: <i style="mso-bidi-font-style: normal;">“</i><i style="mso-bidi-font-style: normal;">parece seguir dominando el uso del cine con fines disciplinarios o
instrumentales por sobre los fines interpretativos y analíticos desde una
perspectiva estética, interdisciplinaria y transnacional. En otras palabras, el
estudio del cine en la región sigue estando dominado por el interés que tiene
como industria cultural (en las carreras de comunicación) más que como una
forma de arte</i><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><span lang="es-419" style="mso-ansi-language: #580A;">” </span></i><span lang="es-419" style="color: red; mso-ansi-language: #580A;">(6)</span>.<o:p></o:p><p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="es-419" style="mso-ansi-language: #580A;"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEjKRIDCh86LYbc9dApRjpapUR7MmHIUB_egSSA3R2-G_8Q2ZRfoqR6ZMSNg0cel9eW1OexQLLAKxbBku1i3br0Fgt-WEnaoHbq3nuPs-lN_u6deECk3MCVfJ04e6sPzon2TR3DiP1-w2ZQdIyTsXJcRn1B7tf2yxgkyooGFCfUwMrGz5Mq-jEaZMvGv=s1600" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="1600" data-original-width="1134" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEjKRIDCh86LYbc9dApRjpapUR7MmHIUB_egSSA3R2-G_8Q2ZRfoqR6ZMSNg0cel9eW1OexQLLAKxbBku1i3br0Fgt-WEnaoHbq3nuPs-lN_u6deECk3MCVfJ04e6sPzon2TR3DiP1-w2ZQdIyTsXJcRn1B7tf2yxgkyooGFCfUwMrGz5Mq-jEaZMvGv=s320" width="227" /></a></div><span lang="es-419" style="mso-ansi-language: #580A;">Finalmente, quiero volver al concepto de
identidad para destacar que, aunque éste originalmente se ha asociado con la
idea de estado-nación, en los últimos años el término ha tomado otras variantes
que se desprenden de aquella mirada esencialista. En palabras de Stuart Hall, la
identidad ahora debe ser pensada como “el proceso de sujeción a las prácticas
discursivas” <span style="color: red;">(7)</span>. Es decir, la vinculación con
uno u otro discurso (que a la vez también es cambiante). Evidentemente, esta
posición se ubica en el ámbito del lenguaje, el cual remite a imágenes,
predicados y símbolos comunes. De esta manera, tal como lo anota Manuel Silva,
lo importante de ver es de dónde provienen los discursos que crean la identidad
y también cómo imaginamos nuestra propia identidad, cómo creamos ese tipo de
ficción en nosotros mismos <span style="color: red;">(8)</span>. Por eso, cuando
miramos hacia el cine colombiano, podemos constatar que desde sus inicios se
buscó retomar un discurso oficial como vehículo idóneo para configurar las
imágenes que le darían vida a las representaciones individuales y colectivas.
Esto ratifica el papel que jugó el cine en los países latinoamericanos a
principios del siglo XX para afianzar el sentimiento de identificación con lo
nacional. Sin embargo, en la actualidad, la identidad ha dejado de ser algo
inamovible o suprahistórico y se ha hecho contingente.<br /> <o:p></o:p></span><p></p>
<p class="MsoNormal"><o:p> </o:p></p>
<p class="MsoNormal"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span lang="es-419" style="mso-ansi-language: #580A;">Notas<o:p></o:p></span></b></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="es-419" style="mso-ansi-language: #580A;"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoFootnoteText" style="margin-left: 36.0pt; mso-list: l0 level1 lfo1; text-align: justify; text-indent: -18.0pt;"><!--[if !supportLists]--><span lang="es-419" style="font-family: "Times New Roman",serif; mso-ansi-language: #580A; mso-fareast-font-family: "Times New Roman";"><span style="mso-list: Ignore;">1.<span style="font: 7.0pt "Times New Roman";"> </span></span></span><!--[endif]--><span lang="es-419" style="font-family: "Times New Roman",serif; mso-ansi-language: #580A;">López
Díaz, Nazly, <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Miradas esquivas a una
nación fragmentada – Reflexiones en torno al cine silente de los años veinte y
la puesta en escena de la colombianidad</i>, Bogotá, Instituto Distrital de Cultura
y Turismo – Cinemateca Distrital, 2006.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoFootnoteText" style="margin-left: 36.0pt; mso-list: l0 level1 lfo1; text-align: justify; text-indent: -18.0pt;"><!--[if !supportLists]--><span lang="es-419" style="mso-ansi-language: #580A; mso-bidi-font-family: Calibri;"><span style="mso-list: Ignore;">2.<span style="font: 7.0pt "Times New Roman";">
</span></span></span><!--[endif]--><span lang="es-419" style="font-family: "Times New Roman",serif; mso-ansi-language: #580A;">Zuluaga, Pedro Adrián, Cine colombiano e identidad
cultural: respuesta a una estudiante, publicado en el blog “Pajarera del
medio”, 2012. Web: <span class="MsoHyperlink"><a href="http://pajareradelmedio.blogspot.com/2012/03/cine-e-identidad-cultural-respuesta-una.html">http://pajareradelmedio.blogspot.com/2012/03/cine-e-identidad-cultural-respuesta-una.html</a></span></span><span lang="es-419" style="mso-ansi-language: #580A;"> <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoFootnoteText" style="margin-left: 36.0pt; mso-list: l0 level1 lfo1; text-indent: -18.0pt;"><!--[if !supportLists]--><span lang="es-419" style="font-family: "Times New Roman",serif; mso-ansi-language: #580A; mso-fareast-font-family: "Times New Roman";"><span style="mso-list: Ignore;">3.<span style="font: 7.0pt "Times New Roman";"> </span></span></span><!--[endif]--><span lang="es-419" style="font-family: "Times New Roman",serif; mso-ansi-language: #580A;">Zuluaga,
Pedro Adrián, <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Cine colombiano: Cánones y
discursos dominantes</i>, Bogotá, Instituto Distrital de Cultura y Turismo – Cinemateca
Distrital, 2013. <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoFootnoteText" style="margin-left: 36.0pt; mso-list: l0 level1 lfo1; text-align: justify; text-indent: -18.0pt;"><!--[if !supportLists]--><span lang="es-419" style="mso-ansi-language: #580A; mso-bidi-font-family: Calibri;"><span style="mso-list: Ignore;">4.<span style="font: 7.0pt "Times New Roman";">
</span></span></span><!--[endif]--><span lang="es-419" style="font-family: "Times New Roman",serif; mso-ansi-language: #580A;">Suárez, Juana, <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Miradas
desde el norte – la academia estadounidense y el cine colombiano</i>, en
Cuadernos de cine colombiano, Cinemateca Distrital, 2008</span><span lang="es-419" style="mso-ansi-language: #580A;"><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoFootnoteText" style="margin-left: 36.0pt; mso-list: l0 level1 lfo1; text-align: justify; text-indent: -18.0pt;"><!--[if !supportLists]--><span lang="es-419" style="font-family: "Times New Roman",serif; mso-ansi-language: #580A; mso-fareast-font-family: "Times New Roman";"><span style="mso-list: Ignore;">5.<span style="font: 7.0pt "Times New Roman";"> </span></span></span><!--[endif]--><span lang="es-419" style="font-family: "Times New Roman",serif; mso-ansi-language: #580A;">Montaña,
Francisco (editor), <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Cómo se piensa el
cine en Latinoamérica – aparatos epistemológicos, herramientas, líneas, fugas e
intentos</i>, Universidad Nacional de Colombia, 2011<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoFootnoteText" style="margin-left: 36.0pt; mso-list: l0 level1 lfo1; text-align: justify; text-indent: -18.0pt;"><!--[if !supportLists]--><span lang="es-419" style="font-family: "Times New Roman",serif; mso-ansi-language: #580A; mso-fareast-font-family: "Times New Roman";"><span style="mso-list: Ignore;">6.<span style="font: 7.0pt "Times New Roman";"> </span></span></span><!--[endif]--><span lang="es-419" style="font-family: "Times New Roman",serif; mso-ansi-language: #580A;">Zavala,
Lauro, <i style="mso-bidi-font-style: normal;">La teoría del cine en la región
iberoamericana y los problemas de la insularidad regional</i>, ponencia
presentada en el Encuentro Latinoamericano de Investigadores de Cine,
Universidad Nacional de Colombia-Ministerio de Cultura, 2010<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoFootnoteText" style="margin-left: 36.0pt; mso-list: l0 level1 lfo1; text-align: justify; text-indent: -18.0pt;"><!--[if !supportLists]--><span lang="es-419" style="font-family: "Times New Roman",serif; mso-ansi-language: #580A; mso-fareast-font-family: "Times New Roman";"><span style="mso-list: Ignore;">7.<span style="font: 7.0pt "Times New Roman";"> </span></span></span><!--[endif]--><span lang="es-419" style="font-family: "Times New Roman",serif; mso-ansi-language: #580A;">Hall,
Stuart, citado por Manuel Silva Rodríguez en su texto: <i style="mso-bidi-font-style: normal;">La identidad nacional como producción discursiva y su relación con el
cine de ficción</i>, publicado en Revista Nexus Comunicación, No. 9,
Universidad del Valle, 2011<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoFootnoteText" style="margin-left: 36.0pt; mso-list: l0 level1 lfo1; text-align: justify; text-indent: -18.0pt;"><!--[if !supportLists]--><span lang="es-419" style="mso-ansi-language: #580A; mso-bidi-font-family: Calibri;"><span style="mso-list: Ignore;">8.<span style="font: 7.0pt "Times New Roman";">
</span></span></span><!--[endif]--><span lang="es-419" style="font-family: "Times New Roman",serif; mso-ansi-language: #580A;">Silva Rodríguez, Manuel, Ibídem.</span><span lang="es-419" style="mso-ansi-language: #580A;"><o:p></o:p></span></p><br /><p></p><p style="text-align: right;"><b>Imágenes tomadas de la circulación libre en la red</b></p>Omar Ahttp://www.blogger.com/profile/05665780406648038335noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-8116240328939524638.post-53204405852301237562022-01-24T17:11:00.001-08:002022-01-24T17:11:47.649-08:00Apuntes para una lectura de Tarkovsky<p> </p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEig3vHALzhqoERaZe2gc0h7wpvTNi655SFzZ-H3ZwhFaNYMkrgZmEPFOw0hHLy3JoBDtPu0d-B3gA14t13KoKOOIrxnzenCECIbRneaKFNTpmrP2EyMbi_Qr9pBwpW22ltXjL0EHIGJdRJmhH49qxa6k0UUT6J0BhVoRu5HM9vqFSfttfi8d6aJGAXD=s1600" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="972" data-original-width="1600" height="243" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEig3vHALzhqoERaZe2gc0h7wpvTNi655SFzZ-H3ZwhFaNYMkrgZmEPFOw0hHLy3JoBDtPu0d-B3gA14t13KoKOOIrxnzenCECIbRneaKFNTpmrP2EyMbi_Qr9pBwpW22ltXjL0EHIGJdRJmhH49qxa6k0UUT6J0BhVoRu5HM9vqFSfttfi8d6aJGAXD=w400-h243" width="400" /></a></div><p align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span lang="es-419" style="font-family: "Garamond",serif; font-size: 14.0pt; mso-ansi-language: #580A;">TARKOVSKY<o:p></o:p></span></b></p>
<p align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span lang="es-419" style="font-family: "Garamond",serif; font-size: 14.0pt; mso-ansi-language: #580A;"><o:p> </o:p></span></b></p>
<p align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span lang="es-419" style="font-family: "Garamond",serif; font-size: 14.0pt; mso-ansi-language: #580A;">CONTEXTO</span></b></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="es-419" style="font-family: "Garamond",serif; font-size: 14.0pt; mso-ansi-language: #580A;"><o:p> </o:p></span><span style="font-family: Garamond, serif; font-size: 14pt; text-align: justify;">-Ruptura
con forma narrativa convencional. Conduce a establecer nuevos vínculos
perceptuales no solo con la obra de arte, sino consigo mismo.</span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="es-419" style="font-family: "Garamond",serif; font-size: 14.0pt; mso-ansi-language: #580A;">-</span><span lang="ES-TRAD" style="font-family: "Garamond",serif; font-size: 14.0pt;">Uno de los
directores que alcanzó un </span><span lang="es-419" style="font-family: "Garamond",serif; font-size: 14.0pt; mso-ansi-language: #580A;">alto</span><span lang="ES-TRAD" style="font-family: "Garamond",serif; font-size: 14.0pt;"> punto de
reflexión en torno al dispositivo cinematográfico Con sólo siete largometrajes
logró conquistar el afecto de los espectadores que buscan en el cine algo más
que una historia lógico-causal (propia del discurso narrativo</span><span lang="es-419" style="font-family: "Garamond",serif; font-size: 14.0pt; mso-ansi-language: #580A;"> tradicional</span><span lang="ES-TRAD" style="font-family: "Garamond",serif; font-size: 14.0pt;">). La constante en toda </span><span lang="es-419" style="font-family: "Garamond",serif; font-size: 14.0pt; mso-ansi-language: #580A;">su
obra </span><span lang="ES-TRAD" style="font-family: "Garamond",serif; font-size: 14.0pt;">es
el manejo de un elevado tono poético que rompe con la linealidad de la forma
clásica narrativa</span><span lang="es-419" style="font-family: "Garamond",serif; font-size: 14.0pt; mso-ansi-language: #580A;">, pues sus</span><span lang="ES-TRAD" style="font-family: "Garamond",serif; font-size: 14.0pt;"> preocupaciones tienen un
acento totalmente intimista. <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="es-419" style="font-family: "Garamond",serif; font-size: 14.0pt; mso-ansi-language: #580A;">-Nació
en un pequeño pueblo ruso en 1932. Su madre trabajaba como correctora en una
imprenta y su padre era el poeta Arseni Tarkovsky, pero se separan cuando
Andrei era muy niño. Estudió música, pintura en su niñez y luego ingresó a la
escuela de cine de Moscú. <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="es-419" style="font-family: "Garamond",serif; font-size: 14.0pt; mso-ansi-language: #580A;">-En
sus filmes incluye temas del misticismo eslavo, cierta sensualidad pagana,
iconografía religiosa e incluso una sabiduría romántica. Esto de la mano de
Bruegel, Nietzsche, Bach, Leonardo, Cervantes, Pergolesi. De ahí que lograra </span><span lang="ES-TRAD" style="font-family: "Garamond",serif; font-size: 14.0pt;">crear obras
de arte </span><span lang="es-419" style="font-family: "Garamond",serif; font-size: 14.0pt; mso-ansi-language: #580A;">integrales</span><span lang="ES-TRAD" style="font-family: "Garamond",serif; font-size: 14.0pt;">, en las </span><span lang="es-419" style="font-family: "Garamond",serif; font-size: 14.0pt; mso-ansi-language: #580A;">que</span><span lang="ES-TRAD" style="font-family: "Garamond",serif; font-size: 14.0pt;"> podemos
entrever su amplio universo estético y su compromiso con el acto creador.</span><span lang="es-419" style="font-family: "Garamond",serif; font-size: 14.0pt; mso-ansi-language: #580A;"> Para él, una película debe ser emocional y no racional.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="es-419" style="font-family: "Garamond",serif; font-size: 14.0pt; mso-ansi-language: #580A;">-No
concibe el plano aislado, por lo que para él, no es el montaje lo más
importante en el cine. Más bien se inclina hacia la composición del plano a
partir de la imagen del tiempo. Es la tensión temporal dentro de los planos lo
que le da el ritmo a un filme. El tiempo es una experiencia personal (la del
director) y es esa la que busca aprehender para conformar su obra.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="es-419" style="font-family: "Garamond",serif; font-size: 14.0pt; mso-ansi-language: #580A;"><o:p> </o:p></span><b><span lang="es-419" style="font-family: "Garamond",serif; font-size: 14.0pt; mso-ansi-language: #580A;"><o:p> </o:p></span></b></p>
<p align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span lang="es-419" style="font-family: "Garamond",serif; font-size: 14.0pt; mso-ansi-language: #580A;">TIEMPO<o:p></o:p></span></b></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="es-419" style="font-family: "Garamond",serif; font-size: 14.0pt; mso-ansi-language: #580A;">Imagen tiempo / imagen cristal<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="es-419" style="font-family: "Garamond",serif; font-size: 14.0pt; mso-ansi-language: #580A;">-Deleuze
realizó una clasificación de las imágenes y de los signos (fílmicos), a partir
de la clasificación previamente realizada por Charles Sanders Pierce. De esta
manera, ubica básicamente tres tipos de imagen que corresponden a su primera
indagación sobre las imágenes-movimiento (primer libro): imagen-percepción,
imagen-afección e imagen-acción. Todas estas coexisten en el cine que responde
a unos vínculos sensorio-motores básicos, lo que ha sido dado en llamarse como
cine clásico. Hay un fuerte vínculo del ser humano con el mundo, una confianza
en el mundo, una relación o un modo de ser-en-el-mundo; idea que viene a ser agotada
con posterioridad a la II G.M.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="mso-layout-grid-align: none; text-align: justify; text-autospace: none;"><span lang="es-419" style="font-family: "Garamond",serif; font-size: 14.0pt; mso-ansi-language: #580A;">A partir de ahí empieza a hablar de
un cine que podría llamarse moderno, el cual ha roto con la predominancia de
los vínculos sensoriomotores y ha dejado de tener esa confianza en el mundo. Ahora
el hombre se ha hecho “un vidente sacudido por algo intolerable en el mundo, y
confrontado con algo impensable en el pensamiento”. Ahí es cuando surge la
imagen tiempo (de su segundo libro) y entonces, en este “nuevo cine” lo más
importante ya no son los acontecimientos, sino la incertidumbre de sus
conexiones y la no pertenencia a quienes las viven. Aparecen situaciones
ópticas y sonoras puras que son las que pueblan ese nuevo cine y ahora es el
tiempo predominante sobre el movimiento. Deleuze, encuentra en el cine moderno
una vía incluso ética para volver a resignificar lo que había perdido
significado en la posguerra. Hay unos elementos centrales en este nuevo cine y
ahí empezamos a adentrarnos en Tarkovsky: </span><span style="font-family: "Garamond",serif; font-size: 14.0pt; mso-ansi-language: ES; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin;">la ruptura del
nexo</span><span style="font-family: "Garamond",serif; font-size: 14.0pt; mso-ansi-language: #580A; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin;"> </span><span style="font-family: "Garamond",serif; font-size: 14.0pt; mso-ansi-language: ES; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin;">causal entre
secuencias, los tiempos muertos, las discontinuidades rítmicas, la</span><span style="font-family: "Garamond",serif; font-size: 14.0pt; mso-ansi-language: #580A; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin;"> </span><span style="font-family: "Garamond",serif; font-size: 14.0pt; mso-ansi-language: ES; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin;">autonomía de ciertos recursos estilísticos, la
autorreferencialidad constante<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="es-419" style="font-family: "Garamond",serif; font-size: 14.0pt; mso-ansi-language: #580A;">Entonces
surge una pregunta importante a la que el cine moderno trata de responder:
¿cuáles son las nuevas fuerzas que trabajan la imagen, y los nuevos signos que
invaden la pantalla”?. <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="es-419" style="font-family: "Garamond",serif; font-size: 14.0pt; mso-ansi-language: #580A;">-Tarkovsky
concibe el cine, de entrada, como arte, desde la primera función de los
Lumiére, y lo afirma por la capacidad que tiene de “fijar el tiempo de manera
inmediata”, teniendo además la posibilidad de volver a él las veces que se
quisiera por medio de la reproducción de la película. De esta manera, el ser
humano obtuvo la matriz del tiempo real. Entonces, se puede decir que la mayor
potencialidad del cine es su capacidad para fijar la realidad del tiempo. Lo
fija de una manera fáctica, material. Así, entonces, un hecho puede ser
representado como un acontecimiento o como un objeto. Se va al cine en busca
del tiempo perdido, fugado o no alcanzado.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="es-419" style="font-family: "Garamond",serif; font-size: 14.0pt; mso-ansi-language: #580A;">-En
Tarkovski se entiende como esencia del cine el fijar el tiempo, crear una
impresión directa del tiempo. El tiempo impreso en sus formas, en sus
manifestaciones formales es el centro del arte cinematográfico. Se podría
hablar de bloques de tiempo compuestos por una serie de hechos que el cineasta
esculpe, pule, le quita lo accesorio para fundar una nueva corporalidad. El
pasado puede ser una fuente viva (Andrei Rublev, La infancia de Iván).<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="es-419" style="font-family: "Garamond",serif; font-size: 14.0pt; mso-ansi-language: #580A;">-En
el cine, el tiempo se presenta con la forma de un hecho al cual se le observa
de manera sencilla e inmediata. Observación es el elemento fundamental. Aquí,
Tarkovsky se aproxima a la forma literaria del haikú. El cine surge de la
observación inmediata de la vida. “La imagen fílmica es en esencia la
observación de un fenómeno inserto en el tiempo”. El observar ya presupone una
selección y eso es lo que hace el cine, depurar y quedarse solo con lo que se
requiere para la imagen cinematográfica. Dicha imagen debe vivir en el tiempo y
el tiempo vivir en ella. Ninguno de los objetos que en ella aparecen, deben
estar de una manera “muerta”, para no parecer <u>símbolo</u> de un tiempo
inexistente.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="es-419" style="font-family: "Garamond",serif; font-size: 14.0pt; mso-ansi-language: #580A;"><o:p> </o:p></span><span style="font-family: Garamond, serif; font-size: 14pt;"> </span></p><p class="MsoNormal"><span lang="es-419" style="font-family: "Garamond",serif; font-size: 14.0pt; mso-ansi-language: #580A;"><o:p></o:p></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEjwjOcH-0-EHfM_NWfatewzBknTkODz20MRs36_wksj-5aJW22DaijiVU-IqG-DEaw-FdUrN87rf5BmRWed7dqkfW8IIObW3dgEcScGxiGTalOh3oe4tb3AMrXTAgJt5iPFv8bIuCaXfw1tI3_PIl1hGp0BgPChQiU8fVlB_wvzM6TBPlYbM2aarEyE=s1920" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1080" data-original-width="1920" height="225" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEjwjOcH-0-EHfM_NWfatewzBknTkODz20MRs36_wksj-5aJW22DaijiVU-IqG-DEaw-FdUrN87rf5BmRWed7dqkfW8IIObW3dgEcScGxiGTalOh3oe4tb3AMrXTAgJt5iPFv8bIuCaXfw1tI3_PIl1hGp0BgPChQiU8fVlB_wvzM6TBPlYbM2aarEyE=w400-h225" width="400" /></a></div><br /><p></p>
<p align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span lang="es-419" style="font-family: "Garamond",serif; font-size: 14.0pt; mso-ansi-language: #580A;"><br /></span></b></p><p align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span lang="es-419" style="font-family: "Garamond",serif; font-size: 14.0pt; mso-ansi-language: #580A;">CONSTRUCCIÓN DE SÍ<o:p></o:p></span></b></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span lang="es-419" style="font-family: "Garamond",serif; font-size: 14.0pt; mso-ansi-language: #580A;"><o:p> </o:p></span></b><span style="font-family: Garamond, serif; font-size: 14pt; text-align: justify;">-A
diferencia del héroe y del humanismo exaltado en el cine del realismo
socialista, Tarkovsky se detiene en figuras ambiguas que van construyendo una
subjetividad desde sus propias fisuras. Su cine es una exaltación de lo que
llama “el hombre débil”, seres que no se adaptan de manera pragmática a la
existencia y por lo tanto, desde sus universos poblados de dudas emprenden un
viaje interior motivado por interrogaciones filosóficas esenciales. Son hombres
que buscan vencer algo, que son fieles a una idea, que buscan respuestas con
miras a comprender la realidad. Son sus conflictos los que lo llevan a una
mayor comprensión de su experiencia espiritual. “La debilidad es poder y la
fuerza no es nada”, podría resumir la idea de construcción de si en Tarkovsky.</span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="es-419" style="font-family: "Garamond",serif; font-size: 14.0pt; mso-ansi-language: #580A;">-Personajes
en búsqueda. Se requiere construir la propia experiencia, no es algo que se
pueda heredar. La construcción de subjetividad es un proceso individual en el
que claro, se cruza con los otros, pero que no se parte desde ese afuera. “Solo
mediante la experiencia personal entendemos la vida”, dice Tarkovsky. Andrei
Rublyov veía el mundo a través de los ojos de su maestro, pero estaba en
desacuerdo con él y solo al final de su vida pudo vivir a su manera.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="es-419" style="font-family: "Garamond",serif; font-size: 14.0pt; mso-ansi-language: #580A;">-El
arte enriquece las potencialidades espirituales del hombre y puede, de esta
manera, elevarse por encima de sí. Esos seres que se buscan en sus filmes,
realizan algo análogo al trabajo del artista cuando tienen fe en sí mismos y
hacen que lo infinito sea perceptible.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="es-419" style="font-family: "Garamond",serif; font-size: 14.0pt; mso-ansi-language: #580A;"><o:p> </o:p></span><b style="text-align: left;"><span lang="es-419" style="font-family: "Garamond",serif; font-size: 14.0pt; mso-ansi-language: #580A;"><o:p> </o:p></span></b></p><p class="MsoNormal"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span lang="es-419" style="font-family: "Garamond",serif; font-size: 14.0pt; mso-ansi-language: #580A;"><o:p></o:p></span></b></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEg5Kz-uuXa6iGb_VN5sT6nVhRRsRjJPJQLS77D3X58-2HibagllHvXY2aJg9pWwhztIuNmIl36D2iIrs_y4mVXvW-3PJsXxg8tGbZjZs44uM3etvmGsj5wUnLWneBNs8E2MMFC_Myd_G-ORrUJ4HDyUKEXXW5ZP192WyGxcDVceGdTQnQ-K5HZQaZRh=s492" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="492" data-original-width="492" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEg5Kz-uuXa6iGb_VN5sT6nVhRRsRjJPJQLS77D3X58-2HibagllHvXY2aJg9pWwhztIuNmIl36D2iIrs_y4mVXvW-3PJsXxg8tGbZjZs44uM3etvmGsj5wUnLWneBNs8E2MMFC_Myd_G-ORrUJ4HDyUKEXXW5ZP192WyGxcDVceGdTQnQ-K5HZQaZRh=w400-h400" width="400" /></a></b></div><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div></b><p></p>
<p align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span lang="es-419" style="font-family: "Garamond",serif; font-size: 14.0pt; mso-ansi-language: #580A;">CREACIÓN Y POÉTICA (Esculpir en el tiempo)<o:p></o:p></span></b></p>
<p class="MsoNormal"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span lang="es-419" style="font-family: "Garamond",serif; font-size: 14.0pt; mso-ansi-language: #580A;"><o:p> </o:p></span></b><span style="font-family: Garamond, serif; font-size: 14pt; text-align: justify;">-Un
artista nunca trabaja bajo condiciones ideales (si ellas existieran, el trabajo
del artista no existiría). El artista no vive en el vacío. Existe porque el
mundo no es perfecto. El arte busca las relaciones armónicas entre los hombre,
entre el arte y la vida, entre el tiempo y la historia.</span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="es-419" style="font-family: "Garamond",serif; font-size: 14.0pt; mso-ansi-language: #580A;">-Antes
de intentar conceptualizar el arte, habría que preguntarse sobre lo que
representa la vida del hombre en la tierra, pues tal vez estemos aquí para
enriquecernos espiritualmente y si así lo fuera, el arte sería un camino para
ello. Contraría la idea de que el arte sirve para conocer el mundo, para
vivirlo como una actividad intelectual. No lo ve como esa posibilidad de
conocer. Tanto conocimiento estrecha el panorama. <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="es-419" style="font-family: "Garamond",serif; font-size: 14.0pt; mso-ansi-language: #580A;">-El
arte busca transmitir una energía espiritual. La poética de la vida, he ahí la
construcción de Tarkovsky. El arte surge y se desarrolla ahí donde hay ansia
eterna, incansable de lo espiritual, de un ideal que hace que las personas se
congreguen en torno al arte. Considera que el arte moderno ha entrado por una
senda distinta, abjurando de la búsqueda del sentido de la vida.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="es-419" style="font-family: "Garamond",serif; font-size: 14.0pt; mso-ansi-language: #580A;">-</span><span lang="ES-TRAD" style="font-family: "Garamond",serif; font-size: 14.0pt;">“el arte
siempre ha sido un arma en la lucha del hombre contra la materia, que amenaza
con devorar su espíritu (…) El arte ha dado figura a lo ideal y ha aportado así
un ejemplo del equilibrio entre lo ético y lo material (…) El arte ha expresado
el ansia de armonía de la persona y su disposición a luchar consigo mismo para
establecer en el interior de su persona el ansiado equilibrio entre lo material
y lo espiritual. Si el arte expresa lo ideal y el ansia de lo infinito, no
puede servir a fines pragmáticos sin arriesgarse a perder su autonomía”<a href="file:///D:/Tarkovski.docx#_ftn1" name="_ftnref1" style="mso-footnote-id: ftn1;" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><span style="mso-special-character: footnote;"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span lang="ES-TRAD" style="font-family: "Garamond",serif; font-size: 14.0pt; mso-ansi-language: ES-TRAD; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-TRAD;">[1]</span></span><!--[endif]--></span></span></a>.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="es-419" style="font-family: "Garamond",serif; font-size: 14.0pt; mso-ansi-language: #580A;">-</span><span lang="ES-TRAD" style="font-family: "Garamond",serif; font-size: 14.0pt;">“Cuando un
artista crea su imagen, está asimismo superando su pensamiento, que es una nada
en comparación con la imagen del mundo captada emocionalmente, imagen que para
él es una revelación. Pues el pensamiento es efímero, y la imagen, absoluta.
Por eso se puede hablar de un paralelismo entre la impresión que recibe una
persona espiritualmente sensible y una experiencia exclusivamente religiosa. El
arte incide sobre todo en el alma de la persona y conforma su estructura
espiritual”<a href="file:///D:/Tarkovski.docx#_ftn2" name="_ftnref2" style="mso-footnote-id: ftn2;" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><span style="mso-special-character: footnote;"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span lang="ES-TRAD" style="font-family: "Garamond",serif; font-size: 14.0pt; mso-ansi-language: ES-TRAD; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-TRAD;">[2]</span></span><!--[endif]--></span></span></a>.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="es-419" style="font-family: "Garamond",serif; font-size: 14.0pt; mso-ansi-language: #580A;">-“La
determinación funcional del arte no se da en despertar pensamientos, transmitir
ideas o servir de ejemplo. La finalidad del arte consiste más bien en preparar
al hombre para la muerte, conmoverle en su interioridad más profunda”.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="es-419" style="font-family: "Garamond",serif; font-size: 14.0pt; mso-ansi-language: #580A;">-Los
grandes directores (cine de autor) son poetas, y lo son porque crean su propio
mundo, no porque intenten reproducirlo tal como es en la realidad.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="es-419" style="font-family: "Garamond",serif; font-size: 14.0pt; mso-ansi-language: #580A;"><o:p> </o:p></span><b style="text-align: left;"><span lang="es-419" style="font-family: "Garamond",serif; font-size: 14.0pt; mso-ansi-language: #580A;"><o:p> </o:p></span></b></p>
<p align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span lang="es-419" style="font-family: "Garamond",serif; font-size: 14.0pt; mso-ansi-language: #580A;">EL MISTERIO, LO SECRETO, ESPIRITUALIDAD<o:p></o:p></span></b></p>
<p class="MsoNormal"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span lang="es-419" style="font-family: "Garamond",serif; font-size: 14.0pt; mso-ansi-language: #580A;"><o:p> </o:p></span></b><span style="font-family: Garamond, serif; font-size: 14pt; text-align: justify;">-Para mí el cine
es un misterio, decía Tarkovsky, como cualquier otra forma de arte. El cine
puede alcanzar una especie de esencia espiritual.</span></p>
<p class="MsoNormal" style="mso-layout-grid-align: none; text-align: justify; text-autospace: none;"><span lang="es-419" style="font-family: "Garamond",serif; font-size: 14.0pt; mso-ansi-language: #580A; mso-bidi-font-style: italic; mso-fareast-font-family: TimesNewRomanPS-ItalicMT; mso-fareast-language: EN-US;">-El cine de
Tarkovsky reintegra al mundo de lo sagrado lo que persiste después de la
desolación y el horror cotidianos. <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="es-419" style="font-family: "Garamond",serif; font-size: 14.0pt; mso-ansi-language: #580A;">-Aprender
a amar la soledad, a no aburrirse con uno mismo.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="mso-layout-grid-align: none; text-align: justify; text-autospace: none;"><span lang="es-419" style="font-family: "Garamond",serif; font-size: 14.0pt; mso-ansi-language: #580A;">-</span><span style="font-family: "Garamond",serif; font-size: 14.0pt; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-font-style: italic; mso-fareast-font-family: TimesNewRomanPS-ItalicMT; mso-fareast-language: EN-US;">“La
imagen es algo que no se puede recoger y mucho menos</span><span style="font-family: "Garamond",serif; font-size: 14.0pt; mso-ansi-language: #580A; mso-bidi-font-style: italic; mso-fareast-font-family: TimesNewRomanPS-ItalicMT; mso-fareast-language: EN-US;"> </span><span style="font-family: "Garamond",serif; font-size: 14.0pt; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-font-style: italic; mso-fareast-font-family: TimesNewRomanPS-ItalicMT; mso-fareast-language: EN-US;">estructurar. Se basa
en el mismo mundo material que a la</span><span style="font-family: "Garamond",serif; font-size: 14.0pt; mso-ansi-language: #580A; mso-bidi-font-style: italic; mso-fareast-font-family: TimesNewRomanPS-ItalicMT; mso-fareast-language: EN-US;">
</span><span style="font-family: "Garamond",serif; font-size: 14.0pt; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-font-style: italic; mso-fareast-font-family: TimesNewRomanPS-ItalicMT; mso-fareast-language: EN-US;">vez expresa. Y si éste es un mundo misterioso,
también la</span><span style="font-family: "Garamond",serif; font-size: 14.0pt; mso-ansi-language: #580A; mso-bidi-font-style: italic; mso-fareast-font-family: TimesNewRomanPS-ItalicMT; mso-fareast-language: EN-US;"> </span><span style="font-family: "Garamond",serif; font-size: 14.0pt; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-font-style: italic; mso-fareast-font-family: TimesNewRomanPS-ItalicMT; mso-fareast-language: EN-US;">imagen de él será misteriosa. La imagen es una
ecuación</span><span style="font-family: "Garamond",serif; font-size: 14.0pt; mso-ansi-language: #580A; mso-bidi-font-style: italic; mso-fareast-font-family: TimesNewRomanPS-ItalicMT; mso-fareast-language: EN-US;"> </span><span style="font-family: "Garamond",serif; font-size: 14.0pt; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-font-style: italic; mso-fareast-font-family: TimesNewRomanPS-ItalicMT; mso-fareast-language: EN-US;">determinada que expresa la relación recíproca entre
la</span><span style="font-family: "Garamond",serif; font-size: 14.0pt; mso-ansi-language: #580A; mso-bidi-font-style: italic; mso-fareast-font-family: TimesNewRomanPS-ItalicMT; mso-fareast-language: EN-US;"> </span><span style="font-family: "Garamond",serif; font-size: 14.0pt; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-font-style: italic; mso-fareast-font-family: TimesNewRomanPS-ItalicMT; mso-fareast-language: EN-US;">verdad y nuestra
conciencia, limitada al espacio euclídeo.</span><span style="font-family: "Garamond",serif; font-size: 14.0pt; mso-ansi-language: #580A; mso-bidi-font-style: italic; mso-fareast-font-family: TimesNewRomanPS-ItalicMT; mso-fareast-language: EN-US;">
</span><span style="font-family: "Garamond",serif; font-size: 14.0pt; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-font-style: italic; mso-fareast-font-family: TimesNewRomanPS-ItalicMT; mso-fareast-language: EN-US;">Independientemente de que no podamos percibir el</span><span style="font-family: "Garamond",serif; font-size: 14.0pt; mso-ansi-language: #580A; mso-bidi-font-style: italic; mso-fareast-font-family: TimesNewRomanPS-ItalicMT; mso-fareast-language: EN-US;"> </span><span style="font-family: "Garamond",serif; font-size: 14.0pt; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-font-style: italic; mso-fareast-font-family: TimesNewRomanPS-ItalicMT; mso-fareast-language: EN-US;">universo en su
totalidad, la imagen es capaz de expresar</span><span style="font-family: "Garamond",serif; font-size: 14.0pt; mso-ansi-language: #580A; mso-bidi-font-style: italic; mso-fareast-font-family: TimesNewRomanPS-ItalicMT; mso-fareast-language: EN-US;">
</span><span style="font-family: "Garamond",serif; font-size: 14.0pt; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-font-style: italic; mso-fareast-font-family: TimesNewRomanPS-ItalicMT; mso-fareast-language: EN-US;">esa totalidad”</span><span lang="es-419" style="font-family: "Garamond",serif; font-size: 14.0pt; mso-ansi-language: #580A; mso-bidi-font-style: italic; mso-fareast-font-family: TimesNewRomanPS-ItalicMT; mso-fareast-language: EN-US;">.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="mso-layout-grid-align: none; text-align: justify; text-autospace: none;"><span lang="es-419" style="font-family: "Garamond",serif; font-size: 14.0pt; mso-ansi-language: #580A; mso-bidi-font-style: italic; mso-fareast-font-family: TimesNewRomanPS-ItalicMT; mso-fareast-language: EN-US;">-Hay una apuesta
por reintegrar en el hombre la armonía entre materialismo y espiritualidad.
Para ello se requiere del espectador una participación-contemplación. <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="es-419" style="font-family: "Garamond",serif; font-size: 14.0pt; mso-ansi-language: #580A;">-Este
mundo no ha sido creado para ser feliz, ha sido creado para luchar, para que el
bien y el mal luchen en nuestro interior y así podamos fortalecernos
espiritualmente.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="es-419" style="font-family: "Garamond",serif; font-size: 14.0pt; mso-ansi-language: #580A;">-“</span><span lang="ES-TRAD" style="font-family: "Garamond",serif; font-size: 14.0pt;">El
pensamiento es efímero, la imagen absoluta</span><span lang="es-419" style="font-family: "Garamond",serif; font-size: 14.0pt; mso-ansi-language: #580A;">”.
<o:p></o:p></span></p>
<p align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span lang="ES-TRAD" style="font-family: "Garamond",serif; font-size: 14.0pt;"><o:p> </o:p></span></b></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEgPXmZqe7wH0as0Zw3j3aQp_-B1BoOC2b0ngWPkCPQ9nI6Q0bO486-zCTNgmyOVP6w8udf5RQnPRO-XCWRgrCv-Jk-lD6aoNImUDw0P5sHGtJtE8n9xT8V8DixTIpzN4h7a8isHVRPys6xHKg-tKinLTkEDF0qr7nyfjHL6_8ZZCeYB7NBI9rpf1xpg=s620" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="470" data-original-width="620" height="304" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEgPXmZqe7wH0as0Zw3j3aQp_-B1BoOC2b0ngWPkCPQ9nI6Q0bO486-zCTNgmyOVP6w8udf5RQnPRO-XCWRgrCv-Jk-lD6aoNImUDw0P5sHGtJtE8n9xT8V8DixTIpzN4h7a8isHVRPys6xHKg-tKinLTkEDF0qr7nyfjHL6_8ZZCeYB7NBI9rpf1xpg=w400-h304" width="400" /></a></div><br /><span lang="ES-TRAD" style="font-family: "Garamond",serif; font-size: 14.0pt;"><br style="mso-special-character: line-break;" /><div style="text-align: right;"><span style="font-size: 14pt;"><b>Imágenes tomadas de la circulación libre en la red.</b></span></div>
<!--[if !supportLineBreakNewLine]--><o:p></o:p></span><p></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="ES-TRAD" style="font-family: "Garamond",serif; font-size: 14.0pt;"><o:p> </o:p></span></p>
<div style="mso-element: footnote-list;"><!--[if !supportFootnotes]--><br clear="all" />
<hr align="left" size="1" width="33%" />
<!--[endif]-->
<div id="ftn1" style="mso-element: footnote;">
<p class="MsoFootnoteText"><a href="file:///D:/Tarkovski.docx#_ftnref1" name="_ftn1" style="mso-footnote-id: ftn1;" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><span lang="ES-TRAD"><span style="mso-special-character: footnote;"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span lang="ES-TRAD" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 10.0pt; mso-ansi-language: ES-TRAD; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-TRAD;">[1]</span></span><!--[endif]--></span></span></span></a><span lang="ES-TRAD"> </span><span lang="es-419" style="font-family: "Garamond",serif; font-size: 11.0pt; mso-ansi-language: #580A;">Tarkovsky, Andrey, <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Esculpir en el tiempo</i>, Ediciones Rialp,
Madrid, 1996</span><span lang="es-419" style="mso-ansi-language: #580A;"><o:p></o:p></span></p>
</div>
<div id="ftn2" style="mso-element: footnote;">
<p class="MsoFootnoteText"><a href="file:///D:/Tarkovski.docx#_ftnref2" name="_ftn2" style="mso-footnote-id: ftn2;" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><span lang="ES-TRAD"><span style="mso-special-character: footnote;"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span lang="ES-TRAD" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 10.0pt; mso-ansi-language: ES-TRAD; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-TRAD;">[2]</span></span><!--[endif]--></span></span></span></a><span lang="ES-TRAD"> </span><span lang="es-419" style="font-family: "Garamond",serif; font-size: 11.0pt; mso-ansi-language: #580A;">Tarkovsky, Andrey, Ibídem, p.64</span><span lang="es-419" style="mso-ansi-language: #580A;"><o:p></o:p></span></p>
</div>
</div><br /><p></p>Omar Ahttp://www.blogger.com/profile/05665780406648038335noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-8116240328939524638.post-80677459066984368382021-07-27T14:14:00.005-07:002021-07-27T14:14:59.447-07:0022 ENCUENTRO NACIONAL DE CRÍTICOS Y PERIODISTAS DE CINE<p> <br /></p><p></p><p align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;"><b></b></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><b><iframe allowfullscreen='allowfullscreen' webkitallowfullscreen='webkitallowfullscreen' mozallowfullscreen='mozallowfullscreen' width='320' height='266' src='https://www.blogger.com/video.g?token=AD6v5dw-LIN8hEs-ueSpBxJnpU5aSakKS2ed1pf4jewjVcx8CTdboxNmnFdWC-wKue_0c4H-jbQdT1ZHg9MBsbdMfQ' class='b-hbp-video b-uploaded' frameborder='0'></iframe></b></div><p align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;"><b><b>Vídeo Promocional</b></b></p><b><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 18.0pt; line-height: 107%;"><br /></span></b><p></p><p align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;"><b><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 18.0pt; line-height: 107%;"></span></b></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><b><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiGX6SxETL7orPcqy2mvahMrXxZfw1MVZFPGxVV5qvCVMtF47e1pl5-woa1vEt_3lTTFle-VQTJ1b44I9waj7A8Pk8zwQVEgBVgd8ONdgf3_7dolto8WjTKrBI_2DMM2K9CxqXTzjHpw1Q/s2048/Encuentro+cine+pereira+2021.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="2048" data-original-width="1534" height="520" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiGX6SxETL7orPcqy2mvahMrXxZfw1MVZFPGxVV5qvCVMtF47e1pl5-woa1vEt_3lTTFle-VQTJ1b44I9waj7A8Pk8zwQVEgBVgd8ONdgf3_7dolto8WjTKrBI_2DMM2K9CxqXTzjHpw1Q/w390-h520/Encuentro+cine+pereira+2021.jpg" width="390" /></a></b></div><p align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;"><b><br /></b></p><b><o:p></o:p></b><p></p><p></p><p align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;"><b><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 18.0pt; line-height: 107%;">Pereira, agosto 13 al 16 de 2021 </span></b></p><p align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;"><b><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 18.0pt; line-height: 107%;">PROGRAMA<o:p></o:p></span></b></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 18.0pt; line-height: 107%;"> </span></b></p><p align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;"><b><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 18.0pt; line-height: 107%;">Agosto 13/viernes<o:p></o:p></span></b></p><p align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;"><b><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 18.0pt; line-height: 107%;"> </span></b></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 18.0pt; line-height: 107%;">07:00
p.m.: INAUGURACIÓN<o:p></o:p></span></p><p class="MsoListParagraphCxSpFirst" style="mso-list: l0 level1 lfo1; text-align: justify; text-indent: -18.0pt;"><!--[if !supportLists]--><span lang="ES-CO" style="font-family: Symbol; font-size: 18.0pt; line-height: 107%; mso-bidi-font-family: Symbol; mso-fareast-font-family: Symbol;">·<span style="font-family: "Times New Roman"; font-size: 7pt; font-stretch: normal; font-variant-east-asian: normal; font-variant-numeric: normal; line-height: normal;"> - </span></span><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 18.0pt; line-height: 107%;">Apertura.
Presentación de los críticos, periodistas, cinéfilos y cineastas invitados.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoListParagraphCxSpMiddle" style="mso-list: l0 level1 lfo1; text-align: justify; text-indent: -18.0pt;"><!--[if !supportLists]--><span lang="ES-CO" style="font-family: Symbol; font-size: 18.0pt; line-height: 107%; mso-bidi-font-family: Symbol; mso-fareast-font-family: Symbol;">·<span style="font-family: "Times New Roman"; font-size: 7pt; font-stretch: normal; font-variant-east-asian: normal; font-variant-numeric: normal; line-height: normal;"> </span></span><!--[endif]--><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 18.0pt; line-height: 107%;">Homenaje
a Cineastas y cinéfilos pereiranos<o:p></o:p></span></p><p class="MsoListParagraphCxSpMiddle" style="text-align: justify;"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 18.0pt; line-height: 107%;">- Fundación
PARADIGMA, ARTE PARA SOÑAR.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoListParagraphCxSpMiddle" style="mso-list: l0 level1 lfo1; text-align: justify; text-indent: -18.0pt;"><!--[if !supportLists]--><span lang="ES-CO" style="font-family: Symbol; font-size: 18.0pt; line-height: 107%; mso-bidi-font-family: Symbol; mso-fareast-font-family: Symbol;">·<span style="font-family: "Times New Roman"; font-size: 7pt; font-stretch: normal; font-variant-east-asian: normal; font-variant-numeric: normal; line-height: normal;"> -- </span></span><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 18.0pt; line-height: 107%;">Estreno
en Colombia del filme <b><i>“EN FIN, EL MAR”</i></b>, primera película <u>INDEPENDIENTE</u>
realizada en Cuba (2004). Una coproducción argentino-cubana, dirigida por Jorge
Dyszel. Su guion fue escrito por Dyszel y Audry Gutiérrez Alea, hija del
afamado realizador Tomás Gutiérrez Alea (Titón), realizador de “Fresa y
Chocolate”.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoListParagraphCxSpMiddle" style="text-align: justify;"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 18.0pt; line-height: 107%;">Audry
Gutiérrez también es su protagonista.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoListParagraphCxSpMiddle" style="text-align: justify;"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 18.0pt; line-height: 107%;">Simultáneamente
se estrenará una versión de la misma cinta en formato para invidentes, una
experiencia del disfrute del cine sin barreras.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoListParagraphCxSpMiddle" style="text-align: justify;"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 18.0pt; line-height: 107%;">Su
presentación la hará el coproductor del filme y gestor cultural José Luis
Lobato, acompañado por su realizador, el argentino Jorge Dyszel.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoListParagraphCxSpMiddle" style="text-align: justify;"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 18.0pt; line-height: 107%;"> </span><span style="font-family: "Times New Roman", serif; font-size: 18pt;"> </span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 18.0pt; line-height: 107%;"> Agosto 14/sábado<o:p></o:p></span></b></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 18.0pt; line-height: 107%;"> </span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 18.0pt; line-height: 107%;">09:00
a.m.: <b><i>Historia de una FUNDACIÓN que quiere al cine.<o:p></o:p></i></b></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 18.0pt; line-height: 107%;">Wilmar
Ramírez<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 18.0pt; line-height: 107%;">09:30
a.m.: <b>LIBRO <i>“LA MIRADA EN EL DOCUMENTAL”.</i></b> 1a. ed. -- Santa Marta:
Universidad del Magdalena, 2020. <o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 18.0pt; line-height: 107%;">Lectura
de un fragmento: <b><i>El acto fílmico en "El hombre de la cámara", de Dziga Vertov</i></b>,
por parte de su autor Carlos Mario Bernal Acevedo, profesor asociado del
Programa de Cine y audiovisuales de la Universidad del Magdalena. El libro fue
publicado por la editorial Unimagdalena, diseñado y diagramado en la Editorial
Unimagdalena. Publicación que hace parte de la colección Humanidades y Artes,
serie: Cine y Audiovisuales.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 18.0pt; line-height: 107%;">09:45
a.m.:<b><i>
Cómic vs. Cine. Historias contadas con dibujos.<o:p></o:p></i></b></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 18.0pt; line-height: 107%;">Presentación
de varias publicaciones.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 18.0pt; line-height: 107%;">Nelson
Zuluaga. Cinéfilo, dibujante, diseñador, creativo.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b><i><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 18.0pt; line-height: 107%;">“La
dama de los cabellos ardientes”. </span></i></b><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 18.0pt; line-height: 107%;">Reedición
de un cómic de mucho éxito.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 18.0pt; line-height: 107%;">Omar
García. Escritor, poeta, artista, cinéfilo.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 18.0pt; line-height: 107%;">“Ajíguaguao – La mambisita justiciera”.</span></b><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 18.0pt; line-height: 107%;">
De Miguel Díaz (cubano). Caricaturista, diseñador, narrador. <o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 18.0pt; line-height: 107%;">10:30
a.m.: <b><i>“Cine experimental, con la técnica de Cadáveres exquisitos”.<o:p></o:p></i></b></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 18.0pt; line-height: 107%;">Exhibición
de los cortos “<b><i>Políglota</i></b>” y “<b><i>RES</i></b>”.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 18.0pt; line-height: 107%;">Presentación
a cargo de Luis Fernando Muñetón Ramírez, director y guionista del primero y
asistente de cinematografía del segundo y de Andrés Gómez Díez, productor de
Solar Cinema y director de “<b><i>RES</i></b>”.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 18.0pt; line-height: 107%;">11:30
a.m.: <b><i>“La oleada del cine regional en el cine colombiano; personajes y
geografías”<o:p></o:p></i></b></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 18.0pt; line-height: 107%;">John
Harold Giraldo. Investigador cinematográfico. Docente universitario.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 18.0pt; line-height: 107%;"> RECESO<o:p></o:p></span></b></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 18.0pt; line-height: 107%;"> </span></b></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 18.0pt; line-height: 107%;">02:00
p.m.: <b><i>“Vanguardia, política y reconstrucción histórica en la obra de Pere
Portabella”<o:p></o:p></i></b></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 18.0pt; line-height: 107%;">Omar
Ardila. Crítico de cine y poeta huilense.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 18.0pt; line-height: 107%;">03:30
p.m.: <b><i>“CINE HECHO CON AMIGOS”. </i></b>Retrospectiva cinematográfica de
Andrés Galeano. Escritor y guionista pereirano.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 18.0pt; line-height: 107%;">Homenaje.</span></b><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 18.0pt; line-height: 107%;"> Cineasta con
trabajos de importancia nacional.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 18.0pt; line-height: 107%;">04:15
p.m.: <b>“JEAN-MARIE STRAUB, uno de los
directores Malditos del Nuevo Cine Alemán”. </b>Gustavo Valencia. Investigador
y Crítico de cine. <b> </b> 05:00 p.m.: <b><i>“La imagen digital”<o:p></o:p></i></b></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 18.0pt; line-height: 107%;">Julián
Toro Duque. Cineasta, artista.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 18.0pt; line-height: 107%;">-------------------------------------------------------------------------<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 18.0pt; line-height: 107%;"> </span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 18.0pt; line-height: 107%;">07:00
p.m.: <b><i>“JOSÉ María VARGAS VILA, El Iconoclasta y antiimperialista”.<o:p></o:p></i></b></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 18.0pt; line-height: 107%;">Presentación
a cargo de Alonzo Cruz, filósofo, fotógrafo, realizador audiovisual y director
del documento, video y biografía del escritor.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 18.0pt; line-height: 107%;">-------------------------------------------------------------------------<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 18.0pt; line-height: 107%;"> </span></b></p><p align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;"><b><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 18.0pt; line-height: 107%;">Agosto 15/ domingo<o:p></o:p></span></b></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 18.0pt; line-height: 107%;"> </span></b></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 18.0pt; line-height: 107%;">09:00
a.m.: <b><i>“El encanto del relato breve del suspense en el cine”.<o:p></o:p></i></b></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 18.0pt; line-height: 107%;">Gonzalo
Restrepo. Crítico de cine y escritor.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 18.0pt; line-height: 107%;">Presentación
de su nuevo libro <b><i>“LAS MUJERES DE GABO</i></b>”.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 18.0pt; line-height: 107%;">09:45
a.m<b><i>.:
“GUILLERMO CABRERA INFANTE, revisitado”.<o:p></o:p></i></b></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 18.0pt; line-height: 107%;">Víctor
Bustamante. Crítico de Cine, escritor, docente.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 18.0pt; line-height: 107%;">10:30
a.m.: <b><i>“BRANDON CRONENBERG: El legado”.<o:p></o:p></i></b></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 18.0pt; line-height: 107%;">Jaime
Ponce. Crítico de cine.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 18.0pt; line-height: 107%;">11:15
a.m.: <b><i>Cine de animación, cine dibujado.</i></b><o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 18.0pt; line-height: 107%;">Enrique
Pilozo. Cineasta, escritor, pintor y caricaturista ecuatoriano. Exhibición de
su premiado corto “<b><i>HUNGER</i></b>”.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 18.0pt; line-height: 107%;">11:40:
Exhibición del corto <b><i>“CORTITO”.</i></b><o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 18.0pt; line-height: 107%;">Presentación
a cargo de su realizador, el mejicano Jesús Osvaldo Pérez.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 18.0pt; line-height: 107%;"> </span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 18.0pt; line-height: 107%;">RECESO<o:p></o:p></span></b></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 18.0pt; line-height: 107%;"> </span></b></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 18.0pt; line-height: 107%;">02:00
p.m.: <b><i>“CRÍTICOS DE CINE vs. INFLUENCERS”.</i></b><o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 18.0pt; line-height: 107%;">Joaquín
Lepeley. Crítico de cine y músico chileno.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 18.0pt; line-height: 107%;">02:
30 p.m.: <b><i>“SHARUNAS BARTAS O QUÉ SE PUEDE DECIR MÁS ALLÁ DE LAS IMÁGENES”.<o:p></o:p></i></b></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 18.0pt; line-height: 107%;">Juan
Guillermo Ramírez. Crítico de Cine y filósofo.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 18.0pt; line-height: 107%;">03:15
p.m.: <b><i>“Por culpa de Jerry Lewis, conocí a Gastón Pavlovich”.<o:p></o:p></i></b></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 18.0pt; line-height: 107%;">Germán
A. Ossa E. Crítico de cine, dibujante y escritor.<b><o:p></o:p></b></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 18.0pt; line-height: 107%;">03:45
p.m.: <b><i>“La publicidad en el cine colombiano”</i></b><o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 18.0pt; line-height: 107%;">Henry
Laguado. Director del Festival de Cine de Bogotá.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 18.0pt; line-height: 107%;">04:15
p.m<b><i>.:</i></b>
<b><i>“CIEN
AÑOS DE <u>LA CARRETA FANTASMA</u> y otros espectros de 1921”<o:p></o:p></i></b></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 18.0pt; line-height: 107%;">Jorge
Hernando Delgado. Cineasta, cinéfilo y escritor quindiano.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 18.0pt; line-height: 107%;">05:00
p.m.:<b><i>
“NUESTRO CINE”<o:p></o:p></i></b></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 18.0pt; line-height: 107%;">Leiqui
Uriana. Primera cineasta indígena de Colombia. De la comunidad Wayuu.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 18.0pt; line-height: 107%;">-------------------------------------------------------------------------<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 18.0pt; line-height: 107%;"> </span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 18.0pt; line-height: 107%;">07:00
p.m.: Exhibición de la película <b><i>“HERENCIA”.</i></b><o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 18.0pt; line-height: 107%;">Presentada
por la española Ana HURTADO su realizadora. Hermosa mirada a la realidad
musical e histórica de Cuba.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 18.0pt; line-height: 107%;"> </span></p><p align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;"><b><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 18.0pt; line-height: 107%;">Agosto 16/lunes<o:p></o:p></span></b></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 18.0pt; line-height: 107%;"> </span></b></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 18.0pt; line-height: 107%;">9:30
a.m.: <b><i>“CINE AFROCOLOMBIANO”.<o:p></o:p></i></b></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b><i><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 18.0pt; line-height: 107%;">Cortos
y documentos.<o:p></o:p></span></i></b></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 18.0pt; line-height: 107%;">Felipe
Moreno. Director del Festival de Cortos “El Espejo”, investigador
cinematográfico.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 18.0pt; line-height: 107%;">11:00
a.m<b><i>.:
“Mirada histórica del Cineclubismo en Pereira”</i></b>, exhibición de un
cortometraje realizado por Julieth Montes Cantillo y Stefanía Palacio Álvarez. <o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 18.0pt; line-height: 107%;">11:30
a.m<b><i>.:
“¿El olvido que seremos” de Fernando Trueba y “¿Memoria” de Apitchapong
Weerasethakul, son películas colombianas?” <o:p></o:p></i></b></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 18.0pt; line-height: 107%;">Mesa
redonda sobre el cine colombiano. <o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 18.0pt; line-height: 107%;">12:30
p.m.: <b><i>Fallo sobre el cortometraje ganador del 10º. Concurso de Cortometrajes
del Eje Cafetero.<o:p></o:p></i></b></span></p><div style="border-bottom: solid windowtext 1.0pt; border: none; mso-border-bottom-alt: solid windowtext .75pt; mso-element: para-border-div; padding: 0cm 0cm 1.0pt 0cm;">
<p class="MsoNormal" style="border: none; mso-border-bottom-alt: solid windowtext .75pt; mso-padding-alt: 0cm 0cm 1.0pt 0cm; padding: 0cm; text-align: justify;"><b><i><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 18.0pt; line-height: 107%;"> </span></i></b></p>
</div><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 18.0pt; line-height: 107%;"> <o:p></o:p></span></b></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 18.0pt; line-height: 107%;"> </span></b></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 18.0pt; line-height: 107%;"> EXPOSICIÓN<o:p></o:p></span></b></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b><i><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 18.0pt; line-height: 107%;"> </span></i></b></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b><i><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 18.0pt; line-height: 107%;">TORODUQUE-DIGITAL<o:p></o:p></span></i></b></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b><i><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 18.0pt; line-height: 107%;"> </span></i></b></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 18.0pt; line-height: 107%;">El
artista quindiano Julián Toro Duque, residenciado en Miami, director del 1er.
Festival de Cortometrajes dirigidos y producidos por mujeres, realizado en
Salento (Quindío), entre el 5 el 8 de agosto del presente año, reconocido
cineasta, dibujante, pintor, escultor y diseñador e ilustrador a nivel nacional
e internacional, será el artista que mostrará gran parte de su trabajo
artístico en las salas <b><i>“Carlos Drews Castro”</i></b> de la
Secretaría de Cultura de Pereira y en la Sala <b><i><u>“Camilo Mejía Duque</u></i></b>”
de la Asamblea Departamental de Risaralda, desde el 13 de agosto (Fecha de la
inauguración del 22 Encuentro Nacional de Críticos y periodistas de Cine) y que
durará hasta la segunda semana del mes de septiembre de este 2021, bajo el
título “TORO DUQUE- DIGITAL”.<o:p></o:p></span></p><p align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
</p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 18.0pt; line-height: 107%;">Hermosa
muestra de unas composiciones que desbordan la imaginación y la técnica de un
trabajo artístico expresivo.<o:p></o:p></span></p><p>
</p><p class="MsoNormal"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 28.0pt; line-height: 107%;"><o:p> </o:p></span></b></p>
<p align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;"><br /></p><p></p>Omar Ahttp://www.blogger.com/profile/05665780406648038335noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8116240328939524638.post-21509312623341728452021-04-28T17:32:00.000-07:002021-04-28T17:32:03.364-07:00Libro "Las mujeres de Gabo"<p> </p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiycZeucFcJx4QzHBYmT-X39q5k8kWJuIiZzxP3S7O7_vvcIqB6H9LDlYnXzGFUyp5mEkWyBNZap2d2kRPK9g4_rdenhEguRcDkidRSmDICvxZc7201lsPwpZa1Ii_ZUWXPX9KyICOYKqk/s2048/Las+mujeres+de+Gabo.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="2048" data-original-width="1283" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiycZeucFcJx4QzHBYmT-X39q5k8kWJuIiZzxP3S7O7_vvcIqB6H9LDlYnXzGFUyp5mEkWyBNZap2d2kRPK9g4_rdenhEguRcDkidRSmDICvxZc7201lsPwpZa1Ii_ZUWXPX9KyICOYKqk/w250-h400/Las+mujeres+de+Gabo.jpg" width="250" /></a></div><br /><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: times; font-size: medium;">A veces nos llegan sorpresas cargadas de alegría y motivación para continuar en medio de la difícil situación que afrontamos por cuenta de la pandemia. Son también gestos de amistad que valoramos enormemente y que nos llevan a celebrar junto al gestor de la sorpresa.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: times; font-size: medium;">Hoy, 28 de abril de 2021, recibí la noticia de la nueva publicación gestada por la pluma del periodista, cineasta y escritor colombiano, Gonzalo Restrepo Sánchez, la cual ha sido titulada "Las mujeres de Gabo".</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: times; font-size: medium;">Se trata de u<span style="text-align: justify;">n estudio de los guiones cinematográficos de Gabriel
García Márquez y algunas particularidades en lo referente a esos universos
femeninos del western y film noir que él tanto admiró. Además, realiza una precisa
observación de todos los arquetipos y genotipos femeninos en sus guiones
cinematográficos, reflejando a la mujer de todos los tiempos habidos y por
haber.</span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span lang="ES-CO" style="line-height: 150%;"><span style="font-size: medium;"><span style="font-family: times;">El libro, que ya se encuentra disponible en Amazon (como "Las
mujeres de Gabo"), no solo analiza a las damas, señoritas, nínfulas, féminas y
otras cortesanas dueñas de su cuerpo, realidad y escenario; sino (y con esa
pincelada propia del escritor cataquero) con destinos trágicos algunas de ellas,
y aceptando “la frecuente desregulación que la mujer impone al sistema
organizativo, disputando e incluso dominando las áreas de poder que se dan en
liza” (Argüelles, 2011). </span><span style="font-family: Times New Roman, serif;"><o:p></o:p></span></span></span></p>
<span style="font-size: medium;"><span style="color: #1c1c1c; font-family: "Times New Roman", serif; line-height: 107%;">Argüelles, M. (2011). La mujer es mortal.
[Mensaje en un blog]. El espectador Imaginario. Recuperado de</span><span style="font-family: "Times New Roman", serif; line-height: 107%;"> <span style="color: #1c1c1c;"><a href="http://www.elespectadorimaginario.com/pages/septiembre-2011/investigamos/la-femme-fatale-del-cine-negro-clasico-norteamericano.php ">http://www.elespectadorimaginario.com/pages/septiembre-2011/investigamos/la-femme-fatale-del-cine-negro-clasico-norteamericano.php </a></span></span></span><div><span style="color: #1c1c1c; font-family: Times New Roman, serif;"><span style="font-size: 14.6667px;"><br /></span></span><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi35oGbgtPWl84Hy-m9RYXD3NgAwI33Jctef_73inIBR3e299hTuXhyeBYv0NtsOqquYeTlve3bUNd83HXdJm0q15c7p6ayaCMPDaeOvD-AxSOnhvn2k88lRcQq2ef_8npEmWYWGDZ9Abc/s1024/Gonzalo+Restrepo.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1024" data-original-width="638" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi35oGbgtPWl84Hy-m9RYXD3NgAwI33Jctef_73inIBR3e299hTuXhyeBYv0NtsOqquYeTlve3bUNd83HXdJm0q15c7p6ayaCMPDaeOvD-AxSOnhvn2k88lRcQq2ef_8npEmWYWGDZ9Abc/s320/Gonzalo+Restrepo.jpg" /></a></div><div><br /></div><span style="font-size: medium;"><div style="text-align: justify;"><b>Gonzalo Restrepo Sánchez</b> estudio dirección de cine en Madrid (España), donde fue Premio Nacional de Guiones Mundovisión. También es Comunicador Social de la UNAD (Colombia) con Tesis Laureada.</div></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-size: medium;">Ha publicado libros sobre cine, cuentos y novela.</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-size: medium;">Es catedrático en Semiología de la imagen, Lenguaje cinematográfico, Guion y Neuromanagement.</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-size: medium;">Es creador del sitio web El cine sin ir más lejos, el cual invitamos a visitas, pues mantiene informaciones actualizadas sobre el cine del mundo, a la vez que nos presenta un buen panorama de la actividad audiovisual que tiene lugar en el Caribe colombiano.</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-size: medium;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-size: medium;">Este enlace los lleva a la web del autor:</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-size: medium;"><a href="https://www.elcinesinirmaslejos.com.co/">https://www.elcinesinirmaslejos.com.co/</a></span></div><div><br /></div><div><div style="text-align: right;"><b>Imágenes cortesía del autor, Gonzalo Restrepo Sánchez</b></div></div>Omar Ahttp://www.blogger.com/profile/05665780406648038335noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8116240328939524638.post-66964245564144071182020-09-28T20:59:00.003-07:002020-09-29T17:30:11.003-07:00Jonas Mekas: el crítico como artista<p style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;">A continuación les comparto la conferencia que realicé para el <b>XXI Encuentro Nacional de Críticos de Cine - Pereira 2020</b>, titulada <i>Jonas Mekas: el crítico como artista.</i></span></p><p style="text-align: center;"><iframe allowfullscreen="" class="BLOG_video_class" height="266" src="https://www.youtube.com/embed/LHpm5zR9Fmg" width="320" youtube-src-id="LHpm5zR9Fmg"></iframe></p><p><span style="font-size: large;"></span></p><p><span style="font-size: large;">Asimismo, los invito a visualizar el vídeo de homenaje a Mekas, que también preparé para el mismo evento:</span></p><p></p><p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><iframe allowfullscreen="" class="BLOG_video_class" height="266" src="https://www.youtube.com/embed/puj4ilq46a4" width="320" youtube-src-id="puj4ilq46a4"></iframe></div><span style="font-size: x-large; text-align: justify;"><p>Es importante recordar que en el canal de Youtube de <b>Germán Ossa</b>, director y creador del <b>Encuentro Nacional de Críticos de Cine de Pereira</b>, podrán ver la totalidad de las ponencias. </p><p>Lo encuentran en el siguiente enlace:</p></span><p></p><p><a href="https://www.youtube.com/channel/UCQacasR8zdTSQOXQVcfi9Kg"><span style="font-size: large;">Germán Ossa - 21 Encuentro Nacional de Críticos de Cine</span></a><br /></p><p><br /></p>Omar Ahttp://www.blogger.com/profile/05665780406648038335noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-8116240328939524638.post-12081015745780626312020-07-07T19:12:00.000-07:002020-07-07T19:12:21.755-07:00Yo, Ennio Morricone, he muerto<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgsyfG7Cqo4_GnhFE81PnD177eAtC55C1rV03N3vnyri0AQfmXa1tQz4YFQ42XeL_0SXuOJVSuGFG3rhb7Tsnq08UycaACpw2RNwkzp9_4k0-VgBByp3I5eujj6VZjvT4ZqDUX3x5_pxao/s1600/ennio-morricone.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1086" data-original-width="1600" height="433" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgsyfG7Cqo4_GnhFE81PnD177eAtC55C1rV03N3vnyri0AQfmXa1tQz4YFQ42XeL_0SXuOJVSuGFG3rhb7Tsnq08UycaACpw2RNwkzp9_4k0-VgBByp3I5eujj6VZjvT4ZqDUX3x5_pxao/s640/ennio-morricone.jpg" width="640" /></a></div>
<br />
<span style="font-size: large;">Como es bien sabido, la obra de Ennio Morricone es extensa, como también lo fue el número de premios que obtuvo a lo largo de su carrera. </span><br />
<span style="font-size: large;">Hoy quiero recordarlo y despedirlo con algunas bandas sonoras no tan populares, pero sí muy vitales. </span><br />
<span style="font-size: large;">Pero antes, les dejo su propia carta de despedida:</span><br />
<br />
<div class="fonttertiary" style="line-height: 20.4pt; margin-bottom: 22.5pt; margin-left: 0cm; margin-right: 0cm; margin-top: 0cm;">
<i><span style="font-size: 14pt;">Yo, Ennio Morricone, he muerto. Lo anuncio así a todos los amigos
que siempre me fueron cercanos y también a esos un poco lejanos que despido con
gran afecto.</span></i><span style="font-size: 14pt;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="fonttertiary" style="box-sizing: border-box; line-height: 20.4pt; margin-block-end: 0px; margin-block-start: 0px; margin: 0cm 0cm 22.5pt;">
<i style="box-sizing: border-box;"><span style="font-size: 14pt;">Pero un recuerdo particular es para
Peppucio y Roberta, amigos fraternos muy presentes en estos últimos años de
nuestra vida.</span></i><span style="font-size: 14pt;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="fonttertiary" style="box-sizing: border-box; line-height: 20.4pt; margin-block-end: 0px; margin-block-start: 0px; margin: 0cm 0cm 22.5pt;">
<i style="box-sizing: border-box;"><span style="font-size: 14pt;">Hay solo una razón que me empuja a
despedirme de este modo y a tener un funeral privado: no quiero molestar.</span></i><span style="font-size: 14pt;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="fonttertiary" style="box-sizing: border-box; line-height: 20.4pt; margin-block-end: 0px; margin-block-start: 0px; margin: 0cm 0cm 22.5pt;">
<i style="box-sizing: border-box;"><span style="font-size: 14pt;">Saludo con mucho cariño a Ines, Laura,
Sara, Enzo y Norbert por haber compartido conmigo y con mi familia gran parte
de mi vida.</span></i><span style="font-size: 14pt;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="fonttertiary" style="box-sizing: border-box; line-height: 20.4pt; margin-block-end: 0px; margin-block-start: 0px; margin: 0cm 0cm 22.5pt;">
<i style="box-sizing: border-box;"><span style="font-size: 14pt;">Quiero recordar con amor a mis hermanas
Adriana, Maria y Franca y sus seres queridos y hacerles saber cuánto las quise.</span></i><span style="font-size: 14pt;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="fonttertiary" style="box-sizing: border-box; line-height: 20.4pt; margin-block-end: 0px; margin-block-start: 0px; margin: 0cm 0cm 22.5pt;">
<i style="box-sizing: border-box;"><span style="font-size: 14pt;">Un saludo lleno, intenso, profundo a mis
hijos Marco, Alessandra, Andrea y Giovanni, mi nuera Monica y a mis nietos,
Francesca, Valentina, Francesco y Luca.</span></i><span style="font-size: 14pt;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="fonttertiary" style="box-sizing: border-box; line-height: 20.4pt; margin-block-end: 0px; margin-block-start: 0px; margin: 0cm 0cm 22.5pt;">
<i style="box-sizing: border-box;"><span style="font-size: 14pt;">Espero que entiendan cuánto los he amado.</span></i><span style="font-size: 14pt;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="fonttertiary" style="box-sizing: border-box; line-height: 20.4pt; margin-block-end: 0px; margin-block-start: 0px; margin: 0cm 0cm 22.5pt;">
<i style="box-sizing: border-box;"><span style="font-size: 14pt;">Por último María (pero no última). A ella
renuevo el amor extraordinario que nos ha mantenido juntos y que lamento
abandonar.</span></i><span style="font-size: 14pt;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="fonttertiary" style="box-sizing: border-box; line-height: 20.4pt; margin-block-end: 0px; margin-block-start: 0px; margin: 0cm 0cm 22.5pt;">
<i style="box-sizing: border-box;"><span style="font-size: 14pt;">A ella es mi más doloroso adiós.</span></i><span style="font-size: 14pt;"><o:p></o:p></span></div>
<br />
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Times New Roman, serif; font-size: large;">Ahora sí el recuerdo de estas creaciones musicales:</span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Times New Roman, serif; font-size: large;"><br /></span></div>
<div style="text-align: center;">
<b><br /></b></div>
<div style="text-align: center;">
<b>La primera es <i>Here's to You</i> del filme "Sacco e Vanzetti" (1971)</b></div>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<iframe width="320" height="266" class="YOUTUBE-iframe-video" data-thumbnail-src="https://i.ytimg.com/vi/prLAcKnlb9Q/0.jpg" src="https://www.youtube.com/embed/prLAcKnlb9Q?feature=player_embedded" frameborder="0" allowfullscreen></iframe></div>
<br />
<br />
<br />
<div style="text-align: center;">
<b>La segunda es un fragmento de la música para el filme "La Classe Operaia Va in Paradiso" (1971)</b></div>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<iframe width="320" height="266" class="YOUTUBE-iframe-video" data-thumbnail-src="https://i.ytimg.com/vi/NjU8yg-a0o0/0.jpg" src="https://www.youtube.com/embed/NjU8yg-a0o0?feature=player_embedded" frameborder="0" allowfullscreen></iframe></div>
<br />
<br />
<br />
<div style="text-align: center;">
<b>La tercera es un fragmento de la banda sonora para "L'uccello dalle Piume di Cristallo" (1970)</b></div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<iframe width="320" height="266" class="YOUTUBE-iframe-video" data-thumbnail-src="https://i.ytimg.com/vi/IGkn7xvGxxk/0.jpg" src="https://www.youtube.com/embed/IGkn7xvGxxk?feature=player_embedded" frameborder="0" allowfullscreen></iframe></div>
<br />
<br />
<br />
<br />
<div style="text-align: center;">
<b>Y cierro con los créditos de una de las tantas colaboraciones que tuvo con el gran Pasolini en "Uccellaccci e uccellini" (1966)</b></div>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<iframe width="320" height="266" class="YOUTUBE-iframe-video" data-thumbnail-src="https://i.ytimg.com/vi/JvUDVQhfgaA/0.jpg" src="https://www.youtube.com/embed/JvUDVQhfgaA?feature=player_embedded" frameborder="0" allowfullscreen></iframe></div>
<br />
<br />
<div style="text-align: right;">
<b>Imágenes y filmes tomadas de la circulación libre en la red</b></div>
<br /></div>
Omar Ahttp://www.blogger.com/profile/05665780406648038335noreply@blogger.com3tag:blogger.com,1999:blog-8116240328939524638.post-74111647359004424442020-03-31T21:05:00.000-07:002020-03-31T21:05:39.914-07:00Recordando a Krzysztof Penderecki<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: large;">En estos tiempos aciagos, en que la atención se concentra en las muertes causadas por el virus que asola el planeta, no hay que olvidar que la muerte sigue, implacable, con todas sus armas y por todos los medios, alimentando las ausencias. </span><span style="text-align: left;"><span style="font-size: large;">Krzysztof Penderecki fue uno</span></span><span style="font-size: large;"> de esos ilustres personajes que perdió la partida con la muerte el pasado 29 de marzo "después de una larga y grave enfermedad".</span></div>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh0dVWa7DnxL2FwDoHd8a-suSGykYikM6DXttcd7Gcbo0kaIwqKA9fRqBSlwOhkwuchbIKZy9vCDAmYcA4eFXtM6qtZf9CFolx9vqyGbHd3kgmGRC3JIpkMMG1Uj5IA7gDPtxzv-oIw160/s1600/KRZYSZTOF+PENDERECKI.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="680" data-original-width="1200" height="361" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh0dVWa7DnxL2FwDoHd8a-suSGykYikM6DXttcd7Gcbo0kaIwqKA9fRqBSlwOhkwuchbIKZy9vCDAmYcA4eFXtM6qtZf9CFolx9vqyGbHd3kgmGRC3JIpkMMG1Uj5IA7gDPtxzv-oIw160/s640/KRZYSZTOF+PENDERECKI.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: large;">La autenticidad de sus composiciones es quizás el más importante sello de </span><span style="font-size: large;">Penderecki. La apuesta por el avant-garde, que le dio los primeros grandes triunfos y que también nos permitió reconocerlo a quienes a menudo husmeamos en los territorios de las vanguardias, no le supuso ninguna dificultad para volver sobre la tradición neorromática cuando quiso hacerlo: "En mi microcosmos musical, he unido la vanguardia con la tradición de la música sinfónica de los siglos XVIII, XIX y XX. No se puede ser artista sin conocer la tradición, sin haber digerido las obras del pasado ni haber estudiado a profundidad los grandes maestros". Así que su rango compositivo partía de las influencias de Bach, Bruckner, Mahler o Stravinsky y se alimentaba con la renovación y la apuesta por la atonalidad de Boulez o Cage.</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: large;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: large;">Y claro, el cine como el más auténtico arte del siglo XX, no podía dejar de apelar a la creatividad del compositor polaco para enriquecer obras de directores como Kubrick ("El Resplandor"), Lynch ("Corazón Salvaje") o Friedkin ("El exorcista"). Recordemos algunos de esos intensos momentos: la obra para 48 instrumentos, <i>Polymorphia</i>, que sirvió tanto para "El exorcista" como para "El resplandor":</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: large;"><br /></span></div>
<div style="text-align: center;">
<iframe width="320" height="266" class="YOUTUBE-iframe-video" data-thumbnail-src="https://i.ytimg.com/vi/iHIjVdHBEi8/0.jpg" src="https://www.youtube.com/embed/iHIjVdHBEi8?feature=player_embedded" frameborder="0" allowfullscreen></iframe></div>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<iframe width="320" height="266" class="YOUTUBE-iframe-video" data-thumbnail-src="https://i.ytimg.com/vi/MDYaqMXN5Hs/0.jpg" src="https://www.youtube.com/embed/MDYaqMXN5Hs?feature=player_embedded" frameborder="0" allowfullscreen></iframe></div>
<div style="text-align: right;">
<br /></div>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: large;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: large;">También quiero reseñar un documental (<i>Paths through the Labyrinth - The Composer </i></span><span style="font-size: large; text-align: left;"><i>Krzysztof Penderecki</i>)</span><span style="font-size: large;"> </span><span style="font-size: large;">que realizó Anna Schmidt en 2013, tras seguir por más de un año al compositor y entrevistar a diversos artistas que trabajaron junto él para componer un valioso trabajo que también se remonta a los inicios de la carrera de Penderecki y a los momentos cumbres de su obra. Aquí pueden ver un fragmento:</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><br /></span><iframe width="320" height="266" class="YOUTUBE-iframe-video" data-thumbnail-src="https://i.ytimg.com/vi/5w_RGNoTU-U/0.jpg" src="https://www.youtube.com/embed/5w_RGNoTU-U?feature=player_embedded" frameborder="0" allowfullscreen></iframe></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: large;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: large;">Cierro este breve homenaje con una contundente reflexión del compositor polaco: "El destino de un artista es un laberinto. Cree conocer el camino, pero debe buscarlo sin tregua. A menudo avanza, pero de repente debe retroceder y reabrir una puerta que había cerrado. Es un diálogo constante con el pasado".</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">
<br /></div>
<div style="text-align: right;">
<b>Imágenes y vídeos tomados de la circulación libre en la red.</b></div>
</div>
Omar Ahttp://www.blogger.com/profile/05665780406648038335noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-8116240328939524638.post-79245290757442091892019-10-26T20:31:00.000-07:002019-10-26T20:31:34.191-07:00Tinta y celuloide<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
<div style="text-align: justify;">
<div class="MsoNormal" style="text-align: right;">
<i><span style="font-family: "Garamond",serif; font-size: 14.0pt; line-height: 107%;"><br /></span></i></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhr83A2RHWw95Sx5B4rRhZD0rB7n4908-p7jQybBMrzoGncfiI2xYLjw0RIkeF4SufJQRf6yZkgSkERgluV2imvuuaZYEaOl8-ENJ-sREPGXLbGOHP0B54YQRG4QffboLGwRWP6E3NlIPY/s1600/Tinta+y+celuloide.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="960" data-original-width="592" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhr83A2RHWw95Sx5B4rRhZD0rB7n4908-p7jQybBMrzoGncfiI2xYLjw0RIkeF4SufJQRf6yZkgSkERgluV2imvuuaZYEaOl8-ENJ-sREPGXLbGOHP0B54YQRG4QffboLGwRWP6E3NlIPY/s640/Tinta+y+celuloide.jpg" width="393" /></a></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<i><span style="font-family: "Garamond",serif; font-size: 14.0pt; line-height: 107%;"><br /></span></i></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: right;">
<span style="font-size: x-large;"><i><span style="font-family: Garamond, serif; line-height: 107%;">Hacer
cine es escribir sobre un papel que arde</span></i><i><span lang="es-419" style="font-family: Garamond, serif; line-height: 107%;">…<o:p></o:p></span></i></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: right;">
<span style="font-size: x-large;"><i><span lang="es-419" style="font-family: Garamond, serif; line-height: 107%;">… </span></i><i><span style="font-family: Garamond, serif; line-height: 107%;">O
expresarse y morir, o permanecer inexpresados e inmortales</span></i><i><span lang="es-419" style="font-family: Garamond, serif; line-height: 107%;"><o:p></o:p></span></i></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: right;">
<span style="font-size: x-large;"><i><span style="font-family: Garamond, serif; line-height: 107%;"><br /></span></i></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: right;">
<b><span lang="es-419" style="font-family: Garamond, serif; line-height: 107%;"><span style="font-size: x-large;">Pier Paolo Pasolini<o:p></o:p></span></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: right;">
<b><span lang="es-419" style="font-family: Garamond, serif; line-height: 107%;"><span style="font-size: x-large;"><br /></span></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: right;">
<b><span lang="es-419" style="font-family: Garamond, serif; line-height: 107%;"><span style="font-size: x-large;"><br /></span></span></b></div>
</div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: x-large;">En el pasado mes de agosto editamos un cuadernillo con la editorial El Taller Blanco (en edición artesanal y limitada de solo 100 ejemplares) el cual tiene por título <i>Tinta y celuloide</i>; en el recojo algunos de los textos que he escrito estableciendo puentes entre el cine y la literatura. Les comparto el texto de la contracarátula:</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: x-large;"><br /></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: x-large;"><span style="font-family: Garamond, serif;">"Como es bien
sabido, los vínculos entre la literatura y el cine se han ido tejiendo de
manera constante casi que desde las primeras experimentaciones con el
cinematógrafo. Ante la novedad que aportaba a las dinámicas culturales la
puesta en marcha de la imagen en movimiento, se optó en muchos casos por traer
de la literatura las historias, las voces, las diversas narrativas y hasta la
intensidad lírica para alimentar a ese “hermano menor” (el cine) que todavía
divagaba en la búsqueda de su identidad. Sobre esta relación ya se han escrito
muchas páginas, respaldadas y posicionadas en los ámbitos discursivos por
disciplinas como la narratología, la semiología, los estudios culturales, la
teoría literaria o la teoría cinematográfica, por citar solo algunas. En </span><i style="font-family: Garamond, serif;">Tinta y celuloide</i><span style="font-family: Garamond, serif;"> hacemos una
aproximación a diez momentos en que los entrecruzamientos entre el cine y la
literatura, han logrado instalar un lugar para la memoria de las prácticas
artísticas contemporáneas".</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: x-large;"><br /></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: x-large;">El Taller Blanco Ediciones es una editorial independiente con énfasis en tres colecciones: <i>Voz Aislada</i> (poesía), <i>Comarca Mínima</i> (ficción) y <i>Escolios</i> (ensayos). Pueden contactarlos en el correo electrónico: <span style="color: blue;">eltallerblancoed@gmail.com</span> </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: x-large;"><br /></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
</div>
Omar Ahttp://www.blogger.com/profile/05665780406648038335noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-8116240328939524638.post-62124839824107948012019-10-22T18:39:00.000-07:002019-10-22T18:39:11.316-07:00Segunda edición del Korean & Latin American Film Screening<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
<b>Les comparto esta información que me fue reenviada por Yumi YUN del Centro Cultural Coreano en España.</b><br />
<br />
<br />
<div align="center" class="MsoNormalCxSpFirst" style="line-height: 130%; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; mso-add-space: auto; text-align: center;">
<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span lang="EN-GB" style="font-size: 14.0pt; line-height: 130%; mso-ansi-language: EN-GB; mso-bidi-font-family: Calibri;">KOREAN
& LATIN AMERICAN FILM SCREENING<o:p></o:p></span></b></div>
<div align="center" class="MsoNormalCxSpMiddle" style="line-height: 130%; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; mso-add-space: auto; text-align: center;">
<br /></div>
<div align="right" class="MsoNormalCxSpMiddle" style="background: white; line-height: 130%; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: .05pt; margin-right: 21.15pt; margin-top: 0cm; mso-add-space: auto; text-align: right;">
<span style="color: black; font-size: 12.0pt; line-height: 130%; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-weight: bold; mso-fareast-font-family: "'맑은 고딕'";"><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><span style="mso-spacerun: yes;"> </span>Madrid, 22 de octubre de 2019<o:p></o:p></span></div>
<div align="right" class="MsoNormalCxSpMiddle" style="background: white; line-height: 130%; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: .05pt; margin-right: 21.15pt; margin-top: 0cm; mso-add-space: auto; text-align: right;">
<br /></div>
<div class="MsoNormalCxSpMiddle" style="line-height: 130%; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; mso-add-space: auto; text-align: justify; text-justify: inter-ideograph;">
<span style="color: black; letter-spacing: -.2pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-weight: bold; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: KO;">El Centro Cultural Coreano (Paseo de la Castellana,15) perteneciente a la
Embajada de la República de Corea, en colaboración con la Embajada de Colombia
en España </span><span style="color: black; letter-spacing: -.2pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: KO;">como país<b> </b>invitado,<span style="mso-bidi-font-weight: bold;"> celebra
la <b>2ª edición del Korean & Latin American Film Screening</b></span>, cuya
inauguración tuvo lugar e<span style="mso-bidi-font-weight: bold;">l pasado 15 de
octubre a las 19.30 h </span>en la Sala Multiusos del Centro Cultural Coreano
en España. </span><b><span style="color: black; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-style: italic;">Mateo</span></b><span style="color: black; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-style: italic;"> (2014),</span><span style="color: black; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-weight: bold;"> primer
largometraje de María Gamboa Jaramillo, fue la película inaugural del Ciclo. Una
coproducción de 2014 con Colombia y Francia que fue candidata a los Oscar en la
categoría de mejor película de habla no inglesa. Ganadora de premios
internacionales entre el que destaca premio a mejor guion de ficción, premio
Jordan Alexander Ressler en el Festival de Miami, 2014, Estados Unidos. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormalCxSpMiddle" style="line-height: 130%; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; mso-add-space: auto; text-align: justify; text-justify: inter-ideograph;">
<span style="color: black; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-weight: bold;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiLOoDysIif7PsiZ67wRNFhE4P0aLQp1O6MmvOyoAeI4W8dxoLhYXd4WN6FENX1B2x-TrfG4p4LKmRoNDxiRo1Atgh1366lPzV-v2X5KJVmCb-0fwfG_CbDB-CVIo0h2panF_KB-l_jPuw/s1600/Inauguraci%25C3%25B3n+cine+coreano+espa%25C3%25B1a.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="900" data-original-width="1600" height="360" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiLOoDysIif7PsiZ67wRNFhE4P0aLQp1O6MmvOyoAeI4W8dxoLhYXd4WN6FENX1B2x-TrfG4p4LKmRoNDxiRo1Atgh1366lPzV-v2X5KJVmCb-0fwfG_CbDB-CVIo0h2panF_KB-l_jPuw/s640/Inauguraci%25C3%25B3n+cine+coreano+espa%25C3%25B1a.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="MsoNormalCxSpMiddle" style="line-height: 130%; margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<span style="color: black; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-weight: bold;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormalCxSpMiddle" style="line-height: 130%; margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<span style="color: black; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-weight: bold;"><i><b>Imagen de la Inauguración el pasado 14 de octubre</b></i></span></div>
<div class="MsoNormalCxSpMiddle" style="line-height: 130%; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; mso-add-space: auto; text-align: justify; text-justify: inter-ideograph;">
<br /></div>
<div class="MsoNormalCxSpMiddle" style="line-height: 130%; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; mso-add-space: auto; text-align: justify; text-justify: inter-ideograph;">
<span style="color: black; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-weight: bold;">Entre los asistentes a la inauguración cabe destacar la presencia de
personal diplomático de las Embajadas de Colombia, país invitado de esta edición,
Chile y Ecuador, además de residentes de países latinoamericanos que alabaron
esta nueva propuesta de cine. Antes del comienzo de la proyección, el director
del Centro Cultural Coreano, quien es a su vez Consejero de Asuntos Culturales
de la Embajada de Corea del Sur en España, el Sr. YI Chongyul ofreció una
cálida bienvenida al público asistente añadiendo el orgullo que siente de poder mostrar el cine de ambos países y
que espera este enriquecimiento cultural tenga un carácter duradero en el tiempo.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormalCxSpMiddle" style="line-height: 130%; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; mso-add-space: auto; text-align: justify; text-justify: inter-ideograph;">
<br /></div>
<div class="MsoNormalCxSpMiddle" style="line-height: 130%; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; mso-add-space: auto; text-align: justify; text-justify: inter-ideograph;">
<span style="color: black; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-weight: bold;">A continuación, cedió la palabra a la Ministra Plenipotenciaria de la
Embajada de Colombia, Victoria E. Pauwels quien saludó al público en su nombre y
en nombre de la Embajadora de Colombia en España. Además, quiso recalcar la
buena sintonía entre Corea y Colombia, comentando que su tío participó en el
Batallón Colombia, y agradecer a Corea y a la Cónsul General de Colombia su trabajo
para celebrar este ciclo, y añadió “Colombia ha hecho un esfuerzo muy grande
con la ley de patrimonio cultural y gracias a esta ley, ha habido un gran
desarrollo en el cine, especialmente en directoras femeninas como es el caso de
hoy”.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormalCxSpMiddle" style="line-height: 130%; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; mso-add-space: auto; text-align: justify; text-justify: inter-ideograph;">
<br /></div>
<div class="MsoNormalCxSpMiddle" style="line-height: 130%; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; mso-add-space: auto; text-align: justify; text-justify: inter-ideograph;">
<span style="mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-weight: bold;">Tras
la exitosa primera edición celebrada con Argentina como país invitado, se
celebra esta nueva edición de la mano de Colombia, países que gozan de una<span style="color: black;"> profunda relación histórica bilateral.Son muchos los
intercambios en diferentes áreas de cultura celebrados entre ambos países, como
fuertes son los lazos que existen entre España, Corea y Latinoamérica. América
Latina ha sido lugar de emigración para numerosos coreanos que se han asentado
allí por motivos de distinta índole. La estrecha relación histórica y cultural
de España y Latinoamérica, y la presencia e intercambio de Latinoamérica en
Corea hacen que este Ciclo apueste por un mayor conocimiento cultural a través
del cine. <span style="mso-spacerun: yes;"> </span><o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormalCxSpMiddle" style="line-height: 130%; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; mso-add-space: auto; text-align: justify; text-justify: inter-ideograph;">
<br /></div>
<div class="MsoNormalCxSpMiddle" style="line-height: 130%; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; mso-add-space: auto; text-align: justify; text-justify: inter-ideograph;">
<span style="color: black; letter-spacing: -.2pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: KO;">El ciclo
finalizará el<b> 24 de octubre, </b>en él se<span style="mso-bidi-font-weight: bold;"> exhiben un total de cuatro películas de ambos países,</span></span><span style="color: black; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-style: italic;"> bajo
el tema <b>“La visión de la mujer en el cine”</b>, han sido seleccionadas como
carta de presentación a este ciclo de cine que pone de manifiesto el universo
cotidiano y la realidad cultural y social que ayuda a comprender la historia de
ambos países. Además, da visibilidad al trabajo y el talento de mujeres
directoras de cine, y de su impronta en la historia cinematográfica. </span><span style="color: black; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-weight: bold;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormalCxSpMiddle" style="line-height: 130%; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; mso-add-space: auto; text-align: justify; text-justify: inter-ideograph;">
<br /></div>
<div class="MsoNormalCxSpMiddle" style="background: white; line-height: 130%; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; mso-add-space: auto; text-align: justify; text-justify: inter-ideograph;">
<span style="color: black; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-weight: bold;">Entre las películas colombianas figuran <b><span style="mso-bidi-font-style: italic;">La Defensa del Dragón</span></b></span><span style="color: black; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-style: italic;">
(2017),</span><span style="color: black; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-weight: bold;"> ópera prima de Natalia Santa que está i</span><span style="color: black; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-weight: bold; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: KO;">nspirada en una serie de fotografías sobre el
centro bogotano tomadas por Ivan Herrera, su esposo. La película gira en torno
a una historia protagonizada por un profesor de ajedrez, un relojero y un
homeópata, tres viejos amigos estancados en sus vidas y su universo masculino. Fue
seleccionada en la versión 70º de la Quincena de realizadores de Cannes, convirtiéndose
así en la primera directora colombiana en participar en este festival. Además,
fue elegida como mejor directora en el Festival de Lima en 2017.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormalCxSpMiddle" style="background: white; line-height: 130%; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; mso-add-space: auto; text-align: justify; text-justify: inter-ideograph;">
<br /></div>
<div class="MsoNormalCxSpMiddle" style="background: white; line-height: 130%; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; mso-add-space: auto; text-align: justify; text-justify: inter-ideograph;">
<span style="color: black; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-weight: bold; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: KO;">LEE Kyoung-Mi escribe el guión de <b><span style="mso-bidi-font-style: italic;">The Truth Beneath</span></b></span><span style="color: black; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-style: italic; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: KO;"> (2016)</span><span style="color: black; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-weight: bold; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: KO;"> junto a PARK Chan-wook, uno de los cineastas
surcoreanos más aclamados y populares de su país, creador de Oldboy (2003),
Thrist (2009) o La Doncella (2016) entre otras. De este suspense coreano
destaca la extraordinaria interpretación de SON Ye-jin, ganadora en distintas
ocasiones de Premio a mejor actriz. En este film, el aspirante a político KIM
Jong-chan ve como su incipiente carrera política se desestabiliza con la misteriosa
desaparición de su hija, cómo todas las personas a su alrededor intentan encontrarla,
incluida su esposa, y cómo todos los secretos perturbadores van saliendo a la
luz.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormalCxSpLast" style="background: white; line-height: 130%; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; mso-add-space: auto; text-align: justify; text-justify: inter-ideograph; vertical-align: baseline;">
<br /></div>
<div style="background: white; line-height: 130%; margin-bottom: .0001pt; margin: 0cm; mso-add-space: auto; text-align: justify; text-justify: inter-ideograph; vertical-align: baseline;">
<span style="color: black; font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 130%; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-weight: bold; mso-fareast-language: KO;">Exhibida en la sección Culinary Cinema que organiza el Festival
Internacional de Cine de San Sebastián en colaboración con Basque Culinary
Center, <b><span style="mso-bidi-font-style: italic;">Little Forest</span></b></span><span style="color: black; font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 130%; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-style: italic; mso-fareast-language: KO;"> (2018) </span><span style="background: white; color: black; font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 130%; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-weight: bold;">está basada en el manga de <strong><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-weight: normal; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-weight: bold;">Daisuke Igarashi: Little Forest,</span></strong></span><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="background: white; color: black; font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 130%; mso-bidi-font-family: Calibri;"> </span></b><span style="background: white; color: black; font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 130%; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-weight: bold;">nombre que ambas comparten.
Dirigida por</span><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="background: white; color: black; font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 130%; mso-bidi-font-family: Calibri;"> </span></b><strong><span style="background: white; color: black; font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; font-weight: normal; line-height: 130%; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-weight: bold;">YIM Soon-rye,</span></strong><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="background: white; color: black; font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 130%; mso-bidi-font-family: Calibri;"> </span></b><span style="background: white; color: black; font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 130%; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-weight: bold;">una de las directoras que forman parte del nuevo cine coreano y con una
brillante interpretación de la protagonista, aborda los conflictos internos de Hye-won,
una joven cosmopolita que vuelve a sus raíces para conectarse con lo que conoce,
pero también con uno de los momentos más dolorosos de su vida, la desaparición
de su madre. </span><span style="color: black; font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 130%; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-weight: bold;">Entre los diferentes premios que ha ganado esta película se encuentran la
<span style="background: white; border: none windowtext 1.0pt; mso-border-alt: none windowtext 0cm; padding: 0cm;">38th Korean Association of Film Critics Awards a
mejor director y 24th Chunsa Film Art Awards por la mejor actriz debutante. </span></span><u><span style="color: black; font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 130%; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-weight: bold; mso-fareast-language: KO;"><o:p></o:p></span></u></div>
<div class="MsoNormalCxSpFirst" style="background: white; line-height: 130%; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; mso-add-space: auto; text-align: justify; text-justify: inter-ideograph; vertical-align: baseline;">
<br /></div>
<div class="MsoNormalCxSpMiddle" style="background: white; line-height: 130%; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; mso-add-space: auto; text-align: justify; text-justify: inter-ideograph; vertical-align: baseline;">
<br /></div>
<div class="MsoNormalCxSpMiddle" style="background: white; line-height: 130%; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; mso-add-space: auto; text-align: justify; text-justify: inter-ideograph; vertical-align: baseline;">
<br /></div>
<div class="MsoNormalCxSpMiddle" style="line-height: 130%; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; mso-add-space: auto; text-align: justify; text-justify: inter-ideograph; vertical-align: baseline;">
<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="color: #4472c4; font-size: 12.0pt; line-height: 130%; mso-bidi-font-family: Calibri;">Para más información contactar con PRENSA: </span></b><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="color: #4472c4; font-size: 12.0pt; line-height: 130%; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-fareast-font-family: "Times New Roman";"><o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormalCxSpMiddle" style="line-height: 130%; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; mso-add-space: auto; text-align: justify; text-justify: inter-ideograph;">
<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="color: #4472c4; font-size: 12.0pt; line-height: 130%; mso-bidi-font-family: Calibri;">Mar Chamorro<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormalCxSpMiddle" style="line-height: 130%; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 0cm; margin-right: 2.4pt; margin-top: 0cm; mso-add-space: auto; mso-add-space: auto; mso-para-margin-bottom: .0001pt; mso-para-margin-bottom: 0cm; mso-para-margin-left: 0cm; mso-para-margin-right: .22gd; mso-para-margin-top: 0cm; tab-stops: right 422.8pt; text-align: justify; text-justify: inter-ideograph;">
<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="color: #4472c4; font-size: 12.0pt; line-height: 130%; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-fareast-font-family: Gulim;">Tel:<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>91 702 45
50/ </span></b><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="color: #4472c4; font-size: 12.0pt; line-height: 130%; mso-bidi-font-family: Calibri;"><a href="mailto:m.chamorro@cccspain.org">m.chamorro@cccspain.org</a></span></b><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="color: #4472c4; font-size: 12.0pt; line-height: 130%; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-fareast-font-family: Gulim;">
/</span></b><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="color: #4472c4; font-size: 12.0pt; line-height: 130%; mso-bidi-font-family: Calibri;">www.cccspain.org<o:p></o:p></span></b></div>
<br /></div>
Omar Ahttp://www.blogger.com/profile/05665780406648038335noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8116240328939524638.post-60333626522559434482019-01-24T13:12:00.000-08:002019-01-24T13:12:40.295-08:00Hasta siempre Jonas Mekas<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjJQxA_6XHeQeStQHGagkTs9S1El6IuWFa7jnPQAmIwocLB80JGVTBHZd9fU66HF7L08sC51u1GhGvvnC1vcNIQRXOlqD8onJdYX9q29Sz0ndjsLuPSGyripW2rgJSjBkecfejnqpUCEfM/s1600/jonas-mekas.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="225" data-original-width="614" height="232" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjJQxA_6XHeQeStQHGagkTs9S1El6IuWFa7jnPQAmIwocLB80JGVTBHZd9fU66HF7L08sC51u1GhGvvnC1vcNIQRXOlqD8onJdYX9q29Sz0ndjsLuPSGyripW2rgJSjBkecfejnqpUCEfM/s640/jonas-mekas.jpg" width="640" /></a></div>
<br />
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><b>Por cuarta ocasión me sorprende la muerte de un director de cine, justo cuando estaba adelantando un trabajo sobre su obra. Ya me había sucedido con Angelopoulos, Jancsó y Farocki. Ahora tengo que despedirme de Jonas Mekas, quien se alejó de este escenario el pasado 23 de enero, a los 96 años. En el 2018 comencé un ensayo sobre la crítica cinematográfica teniendo como referente principal la obra del autor Lituano-Estadounidense, Jonas Mekas. Este ensayo quedó sin terminar, pues el evento para el que estaba destinado fue pospuesto. Sin embargo, ante la realidad de la partida de este gran director, crítico y poeta cinematográfico, voy a tomar algunos apuntes de ese trabajo para recordarlo y mantener viva su memoria en este blog. Y puesto que el texto fue escrito cuando el director aún estaba vivo (aunque lo sigue estando por medio de su obra) prefiero dejar ese tono de presente perpetuo y quedarme en el tiempo previo, en el último año de su vida.</b></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><b><br /></b></span></div>
<div style="text-align: center;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;"><b>Jonas Mekas: el crítico como artista</b></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span lang="es-419" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; mso-ansi-language: #580A;">Jonas Mekas es, sin duda, uno de los más importantes directores del cine
experimental norteamericano. Nacido en Lituania en 1922, pocos años después de
que su país hubiera recobrado la independencia tras haber estado bajo la
ocupación alemana durante la Primera Guerra Mundial, tuvo que vivir múltiples
exilios antes de llegar a afincarse definitivamente en Nueva York hacia 1949. Hoy,
a sus 95 años, se ratifica en que su destino ha estado marcado por la errancia
y el desarraigo; fue desplazado primero por los rusos, luego por los alemanes y
más adelante por la mecanización del trabajo en los Estados Unidos. El
socialismo y el capitalismo no lo incluyeron dentro de sus universos; ambos
resultaron ser entornos restrictivos para su espíritu libre. Como en el viaje
mítico de Ulises, Mekas siempre anhela el regreso a su Ítaca, su Lituania de la
infancia, donde la lectura lo sorprendió tan temprano como para transformarle
el mundo pastoril en una plataforma abierta, en la que todas las narrativas eran
bienvenidas. Esto quedó corroborado en su temprana vocación por la divulgación
cultural al lado de su hermano Adolfas, con quien desde muy joven, empezó a gestar
proyectos relacionados con el teatro, las publicaciones y la creación de
bibliotecas. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span lang="es-419" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; mso-ansi-language: #580A;">Luego de haber estado un significativo lapso en un campo de trabajo
forzado de los nazis en la Segunda Guerra Mundial y alrededor de cinco años en
campos de refugiados, logró evadir esos ambientes de confinación y fue
trasladado a los Estados Unidos por la Organización de Refugiados de las
Naciones Unidas. Sin tener un norte definido, llegó más bien de manera
accidental a Nueva York, el 29 de octubre
de 1949. Luego del final de la guerra, esta ciudad se había convertido en un
hervidero cultural, en gran parte, impulsado por la cantidad de exiliados
europeos que habían llegado al país norteamericano, trayendo un acumulado de
experiencias renovadoras que habían empezado a germinar con las primeras
vanguardias artísticas de los años veinte. Nada más propicio para el inquieto
Mekas que este ambiente cargado de
posibilidades para reemprender nuevos proyectos. A los diez días de su llegada,
ya había ido a ver la muestra de Van Gogh que tenía lugar en el Museo de Arte
Moderno de Nueva York. Según anota en su Diario, la visita a esta exposición le
sirvió para revivir, después de diez penosos y extraños días. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span lang="es-419" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; mso-ansi-language: #580A;">Cinco meses después, ya había visto filmes vanguardistas de Germaine Dulac,
René Clair, Fernad Leger, entre otros; de esta manera, su camino en la
vertiente experimental empezaba a tomar rumbo, y su pasión por conocer las
variaciones del arte mundial, encontraba un lugar apropiado para realizarla. A
los siete meses de estar en la metrópoli, obtuvo dinero prestado para comprar su
primera cámara (una Bolex de 16 mm) y tras conseguir rollos usados, se lanzó a
filmar en la calle, como siempre ha preferido hacerlo. Desde ese momento
empezaría a interactuar con cineastas vanguardistas como Hans Richter y también
llegaría a conocer al gran documentalista Robert Flaherty. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span lang="es-419" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; mso-ansi-language: #580A;">Podría pensarse que al encontrar un lugar dónde radicarse, Mekas habría
terminado con su exilio, sin embargo, él siempre ha tenido muy claro que el
exilio no acaba con el hecho físico de llegar a algún lugar, sino que encuentra
nuevas dimensiones de abordaje, en su caso, desde la posibilidad creativa y
también por medio de la escritura de su Diario. La palabra surge, entonces,
como aquello que nos salva del no lugar y nos proyecta más allá de todas las
fronteras. Esto coincide también con la opción que hace Mekas por la crítica,
más aún, por la necesidad de dar cuenta de lo que estaba pasando en ese mundo
cinematográfico subterráneo del que nadie comentaba.<o:p></o:p></span></div>
<div style="text-align: justify;">
</div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span lang="es-419" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; mso-ansi-language: #580A;">Aunque a Mekas se lo ha exaltado usualmente como director, poeta y
artista, en pocas ocasiones se le ha reconocido su importancia como crítico y
promotor del cine experimental norteamericano a través de su columna “Diario de
cine”, publicada en el periódico <i>Village
Voice</i> desde 1958, y también como cofundador en 1954, junto con su hermano
Adolfas, de la emblemática revista <i>Film
Culture</i>, que tuvo su existencia hasta 1996 y por la que pasaron importantes
plumas como Rudolf Arheim, Peter Bogdanovicch, Manny Farber y Annette
Michelson.</span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span lang="es-419" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; mso-ansi-language: #580A;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center; text-indent: 35.4pt;">
<span lang="es-419" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; mso-ansi-language: #580A;">(...)</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><b>Hasta aquí la introducción del ensayo que comparto por ahora, a manera de homenaje póstumo. </b></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjKULy15mwCGDxYIZ1wQsxG5ecvMYgv7Na_2xh4uR2B-gXNWHNu9Fnzl3Dvroc8BTi5MHxvwqVDU9XkxJLsCkWt3TxoCSXAjrN6Zs_u28TCaA8088AV72OkABBwvk9owBU1ZMuEH_87cME/s1600/Jonas+Mekas+Madrid+2017.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="320" data-original-width="427" height="476" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjKULy15mwCGDxYIZ1wQsxG5ecvMYgv7Na_2xh4uR2B-gXNWHNu9Fnzl3Dvroc8BTi5MHxvwqVDU9XkxJLsCkWt3TxoCSXAjrN6Zs_u28TCaA8088AV72OkABBwvk9owBU1ZMuEH_87cME/s640/Jonas+Mekas+Madrid+2017.jpg" width="640" /></a></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><b><br /></b></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><b>Para cerrar esta entrada me quedo con la apuesta de Mekas por la Dignidad Humana, pues él siempre consideró<span style="font-size: 12pt;"> que las formas de gobierno que le tocó conocer (capitalista o comunista) son las responsables indistintas de la
guerra, del desastre que significa matarse entre hermanos. Por eso prefirió alinearse con la </span><i style="font-size: 12pt;">desobediencia civil</i><span style="font-size: 12pt;">
de Thoreau, con la apuesta estética, ética e individual de la </span><i style="font-size: 12pt;">Generación Beat</i><span style="font-size: 12pt;">, y con cierta tendencia
existencialista. Cada vez que pudo se declaró en contra de las profesiones
liberales, del militarismo y a favor de la causa Palestina. Supo asumir su vida
al margen, su condición de paria, de errante, de poeta que no hacía concesiones
con las posturas inauténticas. Pensándolo a la luz de su historia de vida, no halló mucha diferencia entre el confinamiento en un campo de prisioneros y el trabajo
a destajo en la multifacética Nueva York. </span></b></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><b><span style="font-size: 12pt;">Por eso considero valioso mantener vivo su tono crítico como el que expuso en el poema crítico de las celebraciones de los 100 años del cine:</span></b></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><b><span style="font-size: 12pt;"><br /></span></b></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "Times New Roman", serif; font-size: 12pt;"><br /></span></div>
<div style="text-align: justify;">
</div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="background: white; line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 0cm; margin-right: 0cm; margin-top: 9.0pt; mso-outline-level: 3; text-align: center;">
<b><span style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 14.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">Manifiesto anti 100 años del cine –
1997<o:p></o:p></span></b></div>
<div align="right" class="MsoNormal" style="background: white; line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 0cm; margin-right: 0cm; margin-top: 9.0pt; mso-outline-level: 3; text-align: right;">
<b><span lang="es-419" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 14.0pt; mso-ansi-language: #580A; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">Por Jonas
Mekas<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="background: white; line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 0cm; margin-right: 0cm; margin-top: 9.0pt; mso-outline-level: 3;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="background: white; line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 14.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">En tiempos
de lo enorme, de lo espectacular, <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="background: white; line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 14.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">de
producciones cinematográficas de cien millones,<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="background: white; line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 14.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">quiero
hablar por los pequeños actos invisibles del espíritu humano, <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="background: white; line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 14.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">tan sutiles,
tan pequeños que mueren apenas se los expone a los reflectores.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="background: white; line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 14.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">Quiero
celebrar las pequeñas formas del cine, las formas líricas, <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="background: white; line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 14.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">el poema, la
acuarela, el estudio, el boceto, la tarjeta postal, <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="background: white; line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 14.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">el arabesco,
el trío y la bagatela y las pequeñas canciones en 8mm.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="background: white; line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 14.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">En tiempos
en los que todos anhelan el éxito y quieren vender, <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="background: white; line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 14.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">yo quiero
celebrar a aquellos que aceptan el fracaso social cotidiano <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="background: white; line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 14.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">para buscar
lo invisible, lo personal, <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="background: white; line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 14.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">las cosas
que no dan ni dinero ni pan <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="background: white; line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 14.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">y que no
hacen la historia contemporánea, <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="background: white; line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 14.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">ni la
historia del cine, ni ningún tipo de historia.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="background: white; line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 14.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">Estoy a
favor del arte <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="background: white; line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 14.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">que hacemos
los unos para los otros como amigos<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="background: white; line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 14.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">y que
hacemos para nosotros mismos.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="background: white; line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 14.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">Estoy parado
en medio de la autopista de la información y me río<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="background: white; line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 14.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">porque una
mariposa sobre una pequeña flor <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="background: white; line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 14.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">en algún
lugar, en algún lugar, acaba de agitar sus alas <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="background: white; line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 14.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">y yo sé que
todo el curso de la historia <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="background: white; line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 14.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">cambiará
drásticamente debido a ese aleteo<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="background: white; line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 14.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">una cámara
de 8 milímetros acaba de hacer un zumbido<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="background: white; line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 14.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">en alguna
parte del Lower East Side en Nueva York <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="background: white; line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 14.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">y el mundo
no volverá a ser el mismo<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="background: white; line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 14.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">la verdadera
historia del cine es la historia invisible<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="background: white; line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 14.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">una historia
de amigos juntándose<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="background: white; line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 14.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">haciendo
aquello que aman<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="background: white; line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 14.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">para
nosotros el cine recién comienza<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="background: white; line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 14.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">con cada
nuevo zumbido del proyector<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="background: white; line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 14.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">con cada
nuevo zumbido de nuestras cámaras<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="background: white; line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 14.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">nuestros
corazones se alzan<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="background: white; line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 14.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">hacia
adelante, mis amigos.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="background: white; line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 14.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="background: white; line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 14.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="background: white; line-height: normal; margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<span style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 14.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">Cierro con un breve fragmento de uno de sus filmes:</span></div>
<div class="MsoNormal" style="background: white; line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 14.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<iframe width="320" height="266" class="YOUTUBE-iframe-video" data-thumbnail-src="https://i.ytimg.com/vi/CtGbyheWUhE/0.jpg" src="https://www.youtube.com/embed/CtGbyheWUhE?feature=player_embedded" frameborder="0" allowfullscreen></iframe></div>
<div class="MsoNormal" style="background: white; line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 14.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="background: white; line-height: normal; margin-bottom: 0.0001pt; text-align: right;">
<span style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 14.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;"><b><br /></b></span></div>
<div class="MsoNormal" style="background: white; line-height: normal; margin-bottom: 0.0001pt; text-align: right;">
<span style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 14.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;"><b>Imágenes tomadas de la circulación libre en la red.</b></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<span style="font-family: "Times New Roman", serif; font-size: 12pt;"></span></div>
Omar Ahttp://www.blogger.com/profile/05665780406648038335noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-8116240328939524638.post-82580343385985051802018-10-31T20:44:00.000-07:002018-10-31T20:44:17.558-07:00De la memoria fija a la auténtica memoria en los filmes de Andrés Di Tella<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjOhzAuBLsCyl-dtcjFk6Z0aRELt0uw7UNlfXDr2umEEvh5fQBS8cayrxnsHO5qLZUK7mZXyYzb3xBCiv9rCWZ1LFfxFvf_KcSTEMI7x9IVd_IX0Zg4jDmE8Nv55j_5nQImne8y-kHmQIM/s1600/andres+di+tella+1.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="290" data-original-width="215" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjOhzAuBLsCyl-dtcjFk6Z0aRELt0uw7UNlfXDr2umEEvh5fQBS8cayrxnsHO5qLZUK7mZXyYzb3xBCiv9rCWZ1LFfxFvf_KcSTEMI7x9IVd_IX0Zg4jDmE8Nv55j_5nQImne8y-kHmQIM/s400/andres+di+tella+1.jpg" width="296" /></a></div>
<div align="right" class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: right;">
<i style="mso-bidi-font-style: normal;"><br /></i></div>
<div align="right" class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: right;">
<i style="mso-bidi-font-style: normal;">“Un hombre lleva toda su obra, que es toda
su vida, dentro de una vieja valija de cuero”<o:p></o:p></i></div>
<div align="right" class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: right;">
Banda
sonora del filme <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Hachazos</i><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><span lang="es-419" style="mso-ansi-language: #580A;">, </span></i>de Andrés Di Tella<o:p></o:p></div>
<div align="right" class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: right;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
Revisando el
vasto y complejo trabajo de Henri Bergson, encontramos que según él, hay dos
tipos de memoria: una <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Fija </i>que reside
en el organismo y tiene que ver con la situación presente que recomienza sin
cesar y conduce a una acción-reacción adecuada (la esperada por todos), de ahí
que Bergson la considere “hábito más que memoria”<a href="file:///D:/CINE%20SENTIDO%202.docx#_ftn1" name="_ftnref1" style="mso-footnote-id: ftn1;" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><span style="mso-special-character: footnote;"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">[1]</span></span><!--[endif]--></span></span></a>; y
una segunda, la <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Auténtica memoria</i>,
que es coextensiva a la conciencia, que se mueve en el pasado (el cual es
definitivo) tras retener, alinear y fijar todos los hechos a medida que se
producen. Esa <i style="mso-bidi-font-style: normal;">“memoria pura”</i> (como
también la llama Bergson)<span style="mso-ansi-language: #580A;"> </span>es la
que recoge y conserva todos los sucesos de nuestra existencia y los guarda en
un lugar de nuestra mente. Pero se aparta de la conciencia y así evita su
presencia en todos los momentos, sólo acude cuando se la necesita. Dicha
memoria también equivale a la <i style="mso-bidi-font-style: normal;">duración</i>:
<span lang="es-419" style="mso-ansi-language: #580A;">entendida como</span> “el
progreso continuo del pasado que corroe el porvenir y que se hincha al avanzar”<a href="file:///D:/CINE%20SENTIDO%202.docx#_ftn2" name="_ftnref2" style="mso-footnote-id: ftn2;" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><span style="mso-special-character: footnote;"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">[2]</span></span><!--[endif]--></span></span></a>. Por
tal razón, la memoria auténtica tiene una connotación espiritual, afectiva, y
aparece filtrada por el cerebro cuando una situación particular tiene lugar.<o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
Cuando nos
ubicamos frente a la obra del cineasta argentino Andrés Di Tella, vemos con
agrado que su trabajo documental emprende una búsqueda por esos lugares
secretos de la memoria que van desde el simple recuerdo hasta la reconstrucción
de algo activo que permanece y que siempre está creciendo aunque provenga del
pasado. Y no es gratuito que sea este realizador quien renueve de tal manera el
diálogo con el poderío de la memoria, si tenemos en cuenta antecedentes suyos
tan importantes como la fundación en 1999 y dirección por dos años del <span style="background: white;">Festival de Cine Independiente de Buenos Aires
(BAFICI), por donde han circulado las propuestas estéticas más renovadoras del
dispositivo cinematográfico en los últimos años. Asimismo, es importante
destacar su interés especial por la literatura (se graduó de literatura y
lenguas modernas en La Universidad de Oxford) el cual se ve reflejado en la
búsqueda que emprende tras los pasos del escritor Estanislao Zeballos en <i style="mso-bidi-font-style: normal;">El país del diablo</i> (2010) y en su
permanente amistad con Ricardo Piglia, con quien codirigió el documental sobre
Macedonio Fernández en 1995. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
El interés de Di
Tella <span style="background: white;">por el cine partió del encuentro con las
primeras obras de Godard, <i style="mso-bidi-font-style: normal;">La batalla de
Chile</i> de Patricio Guzmán, <i style="mso-bidi-font-style: normal;">La hora de
los hornos</i> de Getino y Solanas (con la que estableció cierto
distanciamiento) y con la contundencia de Chris Marker. De ellos retoma la idea
de la carta, del diario, de las historias de viajes y emprende su propio
trabajo sobre la memoria, el ensayo y la autobiografía.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span style="background: white;">Cuando intenta reconstruir la memoria es consciente de
que siempre habrá caminos que ya no pueden recorrerse, que hay vacíos que
desinstalan al yo. Sin embargo el juego de virtualidades que establece Di Tella
con el pasado sirve para mostrarnos un sujeto en construcción que lucha por
encontrar lo perdido pero que no busca la “completitud” sino estar rehaciéndose
permanentemente. El autor reconoce “el yo escindido y lo pone en acción”<a href="file:///D:/CINE%20SENTIDO%202.docx#_ftn3" name="_ftnref3" style="mso-footnote-id: ftn3;" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><span style="mso-special-character: footnote;"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span style="background: white; font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">[3]</span></span><!--[endif]--></span></span></a>.</span><span style="background: white; mso-ansi-language: #580A;"> </span><span style="background: white;">Retomando a Bergson, vale la pena decir que e</span>s
importante desligar la memoria del recuerdo en el sentido común que da la
psicología, pues el recuerdo tiene una connotación más psicológica, referente a
algo que alguna vez pasó y que ha caído en el olvido y que puede volver de la
virtualidad a lo actual. La memoria en cambio, es algo activo (ontológico) que
tiene su existencia completa en el pasado (pero no entendido como algo
caducado) sino como algo que nunca fue presente, que tiene su propia duración,
que existe en la virtualidad y que es devenir<span lang="es-419" style="mso-ansi-language: #580A;">,</span> no representación de algo pasado. Ni
presente ni representación. Es libertad, portador de novedad.<o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span style="background: white;">Ya en <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Montoneros,
una historia</i> (1994)</span><span lang="es-419" style="background: white; mso-ansi-language: #580A;">,</span><span style="background: white;"> Di Tella ve la
necesidad de contar una historia que no se estaba contando; afirma: “la tuve
que contar yo para que no me la contaran”,<span style="mso-spacerun: yes;">
</span>dejándose llevar por ese “instinto” del documentalista que lo hace
indagar allí donde se advierte: “¡No entrar!”. Además, sentía la necesidad que
todos tenemos en algún momento de contar nuestra historia, de dar testimonio,
de expresar nuestra experiencia, aún más, si ha sido clandestina. Esta
experiencia se pliega al concepto de <i style="mso-bidi-font-style: normal;">“memoria
histórica”</i>, tan importante en las reflexiones actuales para establecer
vínculos con el pasado y revalorarlo. Asimismo, <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Montoneros, una historia </i>deviene como la versión cinematográfica de
“Los poseídos” de Dostoievski, pues es una historia llena de contradicciones y
por lo tanto difícil de asimilar. No hay que olvidar que llegar a actuar por
sobre todo para defender una idea puede ser tan heroico como mezquino.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span style="background: white;">El documental es para Di Tella “una especie de intento
de invocar los espíritus desaparecidos, de evocar la experiencia perdida, de
recuperar a las personas olvidadas”<a href="file:///D:/CINE%20SENTIDO%202.docx#_ftn4" name="_ftnref4" style="mso-footnote-id: ftn4;" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><span style="mso-special-character: footnote;"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span style="background: white; font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">[4]</span></span><!--[endif]--></span></span></a>
aun sabiendo que siempre habrá algo que se ha perdido y que quedará en el
secreto. Por eso apela al</span> pasado que es automático, que se conserva por
sí mismo y que sólo una parte de él pasa al campo de la conciencia. Al pasado
llegamos de golpe mediante un movimiento que nos lo abre en imagen presente,
como saliendo de las tinieblas a la luz; es con él que deseamos y actuamos. Y
aunque la necesidad de la acción presente, mantiene en lo oculto el pasado,
éste, al estar deviniendo, se dilata en un presente siempre nuevo. Es por ello
que Di Tella busca, <span style="background: white;">antes que armar un relato
con las imágenes, que ellas cuenten por sí mismas, al tiempo que narran lo
oculto, lo perdido y lo hallado en la experiencia de hacer documental.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span style="background: white;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhV7zVjR1dBV-qV2WBwbYup2vKyylpchBgY5blWDaNY91fcnMDaIwZHF1hqyVuGhK7cLHfvLnXSEg6aD-GXFGq2V5CC4dqiXtjwiENuICXjdkO4AU-Yt-LztEyXtRuDTrq2gje_4UQKHrk/s1600/hachazos+2.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="350" data-original-width="253" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhV7zVjR1dBV-qV2WBwbYup2vKyylpchBgY5blWDaNY91fcnMDaIwZHF1hqyVuGhK7cLHfvLnXSEg6aD-GXFGq2V5CC4dqiXtjwiENuICXjdkO4AU-Yt-LztEyXtRuDTrq2gje_4UQKHrk/s400/hachazos+2.jpg" width="288" /></a></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span style="background: white;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
Tal como también
lo postula Bergson, entre pasado y presente hay una diferencia de naturaleza.
El presente <i style="mso-bidi-font-style: normal;">no es</i> sino que actúa, es
útil, está activo, se está moviendo. El pasado, en cambio, ha dejado de actuar
o de ser útil, pero <i style="mso-bidi-font-style: normal;">es</i>, se conserva a
sí mismo, coincide con el ser en sí. En el pasado existen todos los presentes
que han dejado de actuar, que han pasado. El pasado se constituye al mismo
tiempo que el presente pasa, coexiste con el presente. Pero ese pasado que
coexiste con el presente es total, es todo nuestro pasado. La noción de la
duración en Bergson, no se refiere tanto a la sucesión como a la coexistencia.
Lo que sucede con el pasado o más bien, como nos remitimos al pasado, es a
través de saltos, de cambios de nivel, de cortes trasversales.<o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
Otra de las
apuestas de Di Tella es por <span style="background: white;">hacer notar en el
documental, el lugar desde donde se está hablando. Mostrar la relación que se
teje con lo que se está diciendo. Expresamente en sus filmes <i style="mso-bidi-font-style: normal;">La televisión y yo</i> (2002) y <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Fotografías</i> (2007) logra que la historia
íntima se vincule con la Historia y al mismo tiempo, que lo público también
llegue al ámbito de lo privado. “El documental siempre tiende a poner las
personas en una categoría”, que por lo general globaliza, que en cierta forma
indetermina pero que también define unas prácticas propias.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<i style="mso-bidi-font-style: normal;"><span style="background: white;">La televisión
y yo</span></i><span style="background: white;"> marca un punto de giro en la
obra de Di Tella, debido al doble fracaso del proyecto que se pretendía
realizar: “quise hacer una película sobre la historia de la televisión en
Argentina y me salió otra cosa....”<a href="file:///D:/CINE%20SENTIDO%202.docx#_ftn5" name="_ftnref5" style="mso-footnote-id: ftn5;" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><span style="mso-special-character: footnote;"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span style="background: white; font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">[5]</span></span><!--[endif]--></span></span></a>.
Pero el fracaso era algo esencial de la historia que se estaba organizando. El
camino mismo de la producción resultó tan interesante como para documentarlo y
mostrarlo. El fracaso se eleva como un derrotero auténtico más expresivo y
profundo que el del éxito. Es importante evidenciar los límites, los caminos
truncados. Es como si cierta “poética del fracaso” buscara el error para
alejarse de la grandilocuencia. Con este trabajo, Di Tella incluye la primera
persona en el documental, y con ella, la dimensión ensayística, que va más allá
de lo autobiográfico para proponer la reflexión, el pensamiento. Exalta la
importancia del “yo” como creador (el camino de la subjetividad), de su
expresión, de su exposición. Y por ello, también reconoce la actuación que hay
detrás de todo documental. Ésta, antes que llevar hacia la falsificación,
denota un alto grado de autenticidad, una aproximación más certera a la verdad.
De esta manera se teje un pacto implícito con el espectador que permite
organizar todo para que se crea que estamos contando la verdad. Di Tella tiene
un gusto por la ficción (y la incluye ocasionalmente en sus filmes), pues
considera que hay algo propio de la ficción cinematográfica que le aporta al
documental; de hecho, las fronteras son cada vez más escasas entre ellos. Al
respecto comenta:<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<br /></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: center;">
<span class="apple-converted-space"><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><span style="background: white;">“</span></i></span><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><span style="background: white;">la palabra documental remite en general a algo
anticinematográfico, a una cosa muy seria y aburrida, y lo que a mí me gusta
del cine tiene que ver más bien con la fabulación, con contar una historia, con
generar emociones, producir un viaje en el espectador, y en el fondo da lo
mismo si es ficción o documental. Lo que me gusta del documental es que
trabajas con personas que en la película son ellos mismos, no son actores,
entonces tienen su propia letra y eso es siempre muy enriquecedor”<span class="MsoFootnoteReference"><span style="mso-special-character: footnote;"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="background: white; font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;"><a href="file:///D:/CINE%20SENTIDO%202.docx#_ftn6" style="mso-footnote-id: ftn6;" title="">[6]</a></span></b></span><a href="file:///D:/CINE%20SENTIDO%202.docx#_ftn6" title=""><!--[endif]--></a></span></span><o:p></o:p></span></i></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: center;">
<i style="mso-bidi-font-style: normal;"><span style="background: white;"><span class="MsoFootnoteReference"><span style="mso-special-character: footnote;"><span class="MsoFootnoteReference"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><br /></b></span></span></span></span></i></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgWsRYawCWs38iGbm4Gtph6gTPQvVvTqJvnrGfSz5a1WBQsQEChD-hQkF_MTe1zzAsyb__xYehWBg2A3vSHoJA1MOXxl7Vm-mZ_lwuDxBIAo7-cvz4LTXVZB06rGKkejf89fbm91LTzp5E/s1600/HACHAZOS.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="323" data-original-width="575" height="356" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgWsRYawCWs38iGbm4Gtph6gTPQvVvTqJvnrGfSz5a1WBQsQEChD-hQkF_MTe1zzAsyb__xYehWBg2A3vSHoJA1MOXxl7Vm-mZ_lwuDxBIAo7-cvz4LTXVZB06rGKkejf89fbm91LTzp5E/s640/HACHAZOS.jpg" width="640" /></a></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span style="background: white;">El interés de Di Tella también es por los cruces
culturales, de vidas y de historias. En <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Fotografías</i>
hay muchas historias que se entrecruzan, empezando por la del director (hijo de
madre hindú y de padre argentino de origen italiano) que se reconoce a sí mismo
como desposeído de una identidad. Tiene dos nacionalidades pero no es ni lo uno
ni lo otro. Sin embargo sabe que “uno también se define por lo que no es”, y
ese es el punto interesante de reflexión al que nos invita con su trabajo. Por
supuesto, busca apartarse de la narrativa convencional, y por eso se permite
establecer también un cruce con Guiraldes y la particular relación que éste
tuvo con la India, la cual le serviría para darle vida al mito del gaucho. En <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Hachazos</i> hay también una forma de mirar
hacia la India a través de Claudio Caldini, quien estuvo viviendo en un ashram
donde conocería los límites de la locura. Al aproximarse a la orilla de Caldini
(olvidada, desatendida pero radicalmente alejada de la tradición
cinematográfica por cuenta del propio autor)</span><span lang="es-419" style="background: white; mso-ansi-language: #580A;">,</span><span style="background: white;"> Di Tella también buscaba<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>ampliar el diálogo que sostiene con la
imagen, con el misterio que ella encierra, aparte del relato que se pueda
construir posteriormente con su uso. Di Tella tiene un conflicto entre imagen y
narración y ahí, en este poético trabajo, es evidente. Con <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Hachazos</i>, además, le da cabida a su especial interés por el <i style="mso-bidi-font-style: normal;">símbolo</i> y la <i style="mso-bidi-font-style: normal;">fábula</i>: el ser del artista y la cotidianidad del artista. Ver a
Caldini al mismo tiempo es verse a sí mismo, es un autorretrato del propio Di
Tella. Vale la pena recordar que Caldini </span>fue el primer cineasta que Di
Tella vio en acción, y no era un cineasta cualquiera sino alguien misterioso,
secreto, que “lleva toda su obra, que es toda su vida, dentro de una vieja
valija de cuero”. La valija es “como el manuscrito de su autobiografía”, está
en formato Super-8 que no admite copias… Solo se pueden ver sus películas
cuando él mismo las presenta, pero cada proyección es distinta….<a href="file:///D:/CINE%20SENTIDO%202.docx#_ftn7" name="_ftnref7" style="mso-footnote-id: ftn7;" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><span style="mso-special-character: footnote;"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">[7]</span></span><!--[endif]--></span></span></a>.<o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span style="background: white;">El secreto, el misterio. Los hechos cotidianos para
convocar el pasado. Y luego, lo familiar que se extiende hacia lo público, la
política, los negocios, las empresas… esos son tránsitos que realiza Di Tella.
Tal como lo anota Paul Firbas, “en la obra de Di Tella el archivo privado no
puede, en última instancia, dejar de hablar de lo social”.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<br /></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: center;">
<i style="mso-bidi-font-style: normal;"><span style="background: white;">“El
documental en primera persona, además de plantear problemas de contenido y de
forma supone una reconceptualización profunda del archivo, donde los objetos
más banales y personales pueden elevarse a grandes documentos de época sin
dejar de ser pequeños pedazos de una historia cotidiana”<a href="file:///D:/CINE%20SENTIDO%202.docx#_ftn8" name="_ftnref8" style="mso-footnote-id: ftn8;" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><span style="mso-special-character: footnote;"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="background: white; font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">[8]</span></b></span><!--[endif]--></span></span></a></span></i><span style="background: white;">.<o:p></o:p></span></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span style="background: white;">Y para terminar esta aproximación al cine de Di Tella,
queremos evocar una vez más el pasado activo que ya antes anunciamos para dejar
esa sensación de lo abierto. En esto nos unimos a las reflexiones de Gustavo
Aprea quien observa que en el fondo</span><span lang="es-419" style="background: white; mso-ansi-language: #580A;">,</span><span style="background: white;"> Di Tella
siente la necesidad de una búsqueda de la identidad propia; problema que no es
resuelto en sus filmes y que deja las incógnitas abiertas, pues el presente,
donde se buscan, quizás no es el lugar adecuado ya que siempre se mueve y no
puede fijarse a un solo plano explicativo<a href="file:///D:/CINE%20SENTIDO%202.docx#_ftn9" name="_ftnref9" style="mso-footnote-id: ftn9;" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><span style="mso-special-character: footnote;"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span style="background: white; font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">[9]</span></span><!--[endif]--></span></span></a>.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: center;">
<o:p><b><span style="font-size: large;">Imágenes tomadas de la circulación libre en la red </span></b></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span style="background: white;"><o:p><b>Notas:</b></o:p></span></div>
<div style="mso-element: footnote-list;">
<!--[if !supportFootnotes]--><br clear="all" />
<hr align="left" size="1" width="33%" />
<!--[endif]-->
<div id="ftn1" style="mso-element: footnote;">
<div class="MsoFootnoteText">
<a href="file:///D:/CINE%20SENTIDO%202.docx#_ftnref1" name="_ftn1" style="mso-footnote-id: ftn1;" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif;"><span style="mso-special-character: footnote;"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 10.0pt; mso-ansi-language: ES-CO; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US;">[1]</span></span><!--[endif]--></span></span></span></a><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif;"> Bergson, Henri, <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Memoria y vida</i>, Barcelona, Ediciones
Altaya, 1994, pág. 85.<o:p></o:p></span></div>
</div>
<div id="ftn2" style="mso-element: footnote;">
<div class="MsoFootnoteText">
<a href="file:///D:/CINE%20SENTIDO%202.docx#_ftnref2" name="_ftn2" style="mso-footnote-id: ftn2;" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><span lang="ES-CO"><span style="mso-special-character: footnote;"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; mso-ansi-language: ES-CO; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US;">[2]</span></span><!--[endif]--></span></span></span></a><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif;">Bergson, Henri, <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Memoria y vida</i>, Ibídem, pág. 47</span><span lang="ES-CO"><o:p></o:p></span></div>
</div>
<div id="ftn3" style="mso-element: footnote;">
<div class="MsoFootnoteText" style="text-align: justify;">
<a href="file:///D:/CINE%20SENTIDO%202.docx#_ftnref3" name="_ftn3" style="mso-footnote-id: ftn3;" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><span lang="ES-CO"><span style="mso-special-character: footnote;"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; mso-ansi-language: ES-CO; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US;">[3]</span></span><!--[endif]--></span></span></span></a><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif;">Paul, Firbas y Meira,
Pedro (editores), <i style="mso-bidi-font-style: normal;"><span style="background: white;">Conversación en Princeton. Andrés Di Tella: cine documental y archivo
personal</span></i><span style="background: white;">, Buenos Aires, Siglo XXI,
2006.</span></span><span lang="ES-CO"><o:p></o:p></span></div>
</div>
<div id="ftn4" style="mso-element: footnote;">
<div class="MsoFootnoteText" style="text-align: justify;">
<a href="file:///D:/CINE%20SENTIDO%202.docx#_ftnref4" name="_ftn4" style="mso-footnote-id: ftn4;" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif;"><span style="mso-special-character: footnote;"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 10.0pt; mso-ansi-language: ES-CO; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US;">[4]</span></span><!--[endif]--></span></span></span></a><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif;"> Di Tella, Andrés, en <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Ficciones del Yo</i>, entrevista con Iván
Pinto Veas, Revista La Fuga. Sitio web: <span class="MsoHyperlink"><a href="http://www.lafuga.cl/andres-di-tella/618">http://www.lafuga.cl/andres-di-tella/618</a></span><o:p></o:p></span></div>
</div>
<div id="ftn5" style="mso-element: footnote;">
<div class="MsoFootnoteText" style="text-align: justify;">
<a href="file:///D:/CINE%20SENTIDO%202.docx#_ftnref5" name="_ftn5" style="mso-footnote-id: ftn5;" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif;"><span style="mso-special-character: footnote;"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 10.0pt; mso-ansi-language: ES-CO; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US;">[5]</span></span><!--[endif]--></span></span></span></a><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif;"> Di Tella, Andrés, en <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Entrevista a Andrés Di Tella: precursor del
documental autobiográfico en la Argentina</i>, realizada por Pablo Piedras y
Lior Zylberman, en Revista Cine Documental, No. 4, 2011. Sitio web: <span class="MsoHyperlink"><a href="http://revista.cinedocumental.com.ar/4/notas.html">http://revista.cinedocumental.com.ar/4/notas.html</a></span><o:p></o:p></span></div>
</div>
<div id="ftn6" style="mso-element: footnote;">
<div class="MsoFootnoteText" style="text-align: justify;">
<a href="file:///D:/CINE%20SENTIDO%202.docx#_ftnref6" name="_ftn6" style="mso-footnote-id: ftn6;" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif;"><span style="mso-special-character: footnote;"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 10.0pt; mso-ansi-language: ES-CO; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US;">[6]</span></span><!--[endif]--></span></span></span></a><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif;"> Di Tella, Andrés, en
entrevista con Juan Leo López, Revista <i style="mso-bidi-font-style: normal;">El
Federal</i>. </span><span lang="EN-US" style="font-family: "Times New Roman",serif; mso-ansi-language: EN-US;">Sitio web: <span class="MsoHyperlink"><a href="http://elfederal.com.ar/nota/revista/24885/lo-mas-interesante-de-un-artista-no-son-sus-opiniones">http://elfederal.com.ar/nota/revista/24885/lo-mas-interesante-de-un-artista-no-son-sus-opiniones</a></span><o:p></o:p></span></div>
</div>
<div id="ftn7" style="mso-element: footnote;">
<div class="MsoFootnoteText">
<a href="file:///D:/CINE%20SENTIDO%202.docx#_ftnref7" name="_ftn7" style="mso-footnote-id: ftn7;" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif;"><span style="mso-special-character: footnote;"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 10.0pt; mso-ansi-language: ES-CO; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US;">[7]</span></span><!--[endif]--></span></span></span></a><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif;"> Di Tella, Andrés, <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Hachazos</i>, Buenos Aires, Caja Negra, 2011<o:p></o:p></span></div>
</div>
<div id="ftn8" style="mso-element: footnote;">
<div class="MsoFootnoteText" style="text-align: justify;">
<a href="file:///D:/CINE%20SENTIDO%202.docx#_ftnref8" name="_ftn8" style="mso-footnote-id: ftn8;" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif;"><span style="mso-special-character: footnote;"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 10.0pt; mso-ansi-language: ES-CO; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US;">[8]</span></span><!--[endif]--></span></span></span></a><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif;">Firbas, Paul, <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Imágenes en movimiento: textos, fotografías
y films</i>, palabras pronunciadas en la presentación del libro <i style="mso-bidi-font-style: normal;"><span style="background: white;">Conversación
en Princeton. Andrés Di Tella: cine documental y archivo personal. </span></i><span style="background: white;">Página web: <span class="MsoHyperlink"><a href="http://fotografiasdeandresditella.blogspot.com/2009/07/imagenes-en-movimiento-textos.html">http://fotografiasdeandresditella.blogspot.com/2009/07/imagenes-en-movimiento-textos.html</a></span></span><o:p></o:p></span></div>
</div>
<div id="ftn9" style="mso-element: footnote;">
<div class="MsoFootnoteText" style="text-align: justify;">
<a href="file:///D:/CINE%20SENTIDO%202.docx#_ftnref9" name="_ftn9" style="mso-footnote-id: ftn9;" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif;"><span style="mso-special-character: footnote;"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 10.0pt; mso-ansi-language: ES-CO; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US;">[9]</span></span><!--[endif]--></span></span></span></a><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif;">Aprea, Gustavo, <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Documentales y vida cotidiana: desde los
orígenes a una experiencia contemporánea</i>, en Revista <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Figuraciones</i> No. 6, 2009. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoFootnoteText" style="text-align: justify;">
<span lang="EN-US" style="font-family: "Times New Roman",serif; mso-ansi-language: EN-US;">Sitio Web: <span class="MsoHyperlink"><a href="http://www.revistafiguraciones.com.ar/numeroactual/articulo.php?ida=119&idn=6&arch=1">http://www.revistafiguraciones.com.ar/numeroactual/articulo.php?ida=119&idn=6&arch=1</a></span><o:p></o:p></span></div>
</div>
</div>
<br /></div>
Omar Ahttp://www.blogger.com/profile/05665780406648038335noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8116240328939524638.post-63059696244821645302018-07-09T19:29:00.000-07:002018-07-29T16:17:09.675-07:0021 Encuentro Nacional de Críticos y Periodistas de Cine en Pereira<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh4gd_Ib3ORUngUsfaGtLdh9gcZX3sXlftKsuzhxmugO91CS6fn6Oy5yRWLXJ8pqO3X3GvxkWPYUXQr_JUyR7W_loI5cN5yNy0nYs_Yk6ak6oB0mKJ_d7UIUAsTbdtU6ktvOIB44LjiOA8/s1600/Encuentro+criticos+cine+pereira+2018.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1079" data-original-width="1600" height="427" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh4gd_Ib3ORUngUsfaGtLdh9gcZX3sXlftKsuzhxmugO91CS6fn6Oy5yRWLXJ8pqO3X3GvxkWPYUXQr_JUyR7W_loI5cN5yNy0nYs_Yk6ak6oB0mKJ_d7UIUAsTbdtU6ktvOIB44LjiOA8/s640/Encuentro+criticos+cine+pereira+2018.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<br />
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: large;">Entre el 17 y el 20 de agosto de 2018 tendrá lugar en la ciudad de Pereira, el 21 Encuentro Nacional de Críticos y Periodistas de Cine, evento que desde sus inicios ha contado con la dirección y gestión del persistente crítico Germán Ossa. En el presente año cuenta con el apoyo de la Alcaldía de Pereira, la Gobernación de Risaralda y Confamiliar Risaralda.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: large;"><br /></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: large;">En el 2018, el eje temático del evento será, precisamente, "La crítica de cine" y contará con la presencia de un considerable número de críticos nacionales (Juan Guillermo Ramírez, Gonzalo Restrepo, Andrés Upegui, Gustavo Valencia, Jaime Ponce, Mauricio Laurens, Víctor Bustamante, Felipe Moreno, entre otros) y los internacionales <a href="https://vimeo.com/album/3399537">Yanara Guayasamín</a> (documentalista ecuatoriana), <a href="http://enriquepilozo.blogspot.com/">Enrique Pilozo </a>(caricaturista, director y escritor ecuatoriano radicado en Los Ángeles), el chileno Joaquín Lepeley y <a href="https://ideasdebabel.wordpress.com/about/">Alfonso Molina</a> (crítico venezolano).</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: large;"><br /></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: large;">En el marco del evento tendrá lugar la premiere de la película local, "Lluvia", dirigida por Diego Espinosa. </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: large;"><br /></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: large;">La sede del evento será Confamiliar Risaralda (Carrera 5 No. 21-48 Piso 2) y el centro cultural Lucy Tejada. La entrada a todos los eventos es libre y gratuita.</span><br />
<span style="font-size: large;"><br /></span>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjKAFh2peoEcm28na8mS-sr7-RTIyqnDpjoynj3bYT8KrO9iQicY29y9iXKCfkmKZZnUZu0F2prOf6DZH-FPjUUt8t_O6ozdyRtmwC8u_NUWrpyLxHsT02azFG53s1jTAG6ibF-JVmVPiU/s1600/21+encuentro+criticos+cine+pereira.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1064" data-original-width="1600" height="265" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjKAFh2peoEcm28na8mS-sr7-RTIyqnDpjoynj3bYT8KrO9iQicY29y9iXKCfkmKZZnUZu0F2prOf6DZH-FPjUUt8t_O6ozdyRtmwC8u_NUWrpyLxHsT02azFG53s1jTAG6ibF-JVmVPiU/s400/21+encuentro+criticos+cine+pereira.jpg" width="400" /></a></div>
<span style="font-size: large;"><br /></span>
<span style="font-size: large;">A continuación les comparto la programación del evento:</span><br />
<span style="font-size: large;"><br /></span>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<b><u><span lang="ES-CO" style="font-size: 28.0pt; line-height: 115%;">PROGRAMA<o:p></o:p></span></u></b></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<b><u><span lang="ES-CO">XXI ENCUENTRO NACIONAL DE CRITICOS Y PERIODISTAS
DE CINE DE PEREIRA<o:p></o:p></span></u></b></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<b><u><span lang="ES-CO">AGOSTO 17 AL 20 DE 2018<o:p></o:p></span></u></b></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<br /></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<b><u><span lang="ES-CO">Viernes 17:<o:p></o:p></span></u></b></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO">Lugar: Teatro de Comfamiliar. (Cra.
5ta. No. 21-48)<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO">7.00 p.m. Inauguración.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO">* Saludo a los Invitados Especiales.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO">* Palabras de la Dra. Ana Lucía Córdoba
Velásquez, Secretaria de Deportes, Recreación y Cultura del Departamento de
Risaralda.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO">* Homenaje a un pereirano fanático de la
imagen en movimiento, <b><i>GABRIEL
ANDRÉS POSADA MONTOYA</i></b>. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO">* Proyección de la película venezolana “<b><i>REVERÓN”</i></b>,
del cineasta DIEGO RISQUEZ<b><i>. (Homenaje)
</i></b><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO">Presentación a cargo de <b><i>Mauricio Laurens, </i></b>Crítico de Cine de
El Tiempo, revistas nacionales e
internacionales y Catedrático de Cine en varias universidades de Colombia. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<b><u><span lang="ES-CO">Sábado 18:<o:p></o:p></span></u></b></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<br /></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<b><span lang="ES-CO">Lugar: Teatro Comfamiliar. (Cra. 5ta. No. 21-48)<o:p></o:p></span></b></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<b><span lang="ES-CO">Conferencias y Proyecciones <o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO">08: 00 a.m. = “EL
CINE DE DOMINIO PÚBLICO”. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<b><i><span lang="ES-CO">JOSÉ FERNANDO RUIZ</span></i></b><span lang="ES-CO">, Comentarista de cine. Promotor cultural.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO">09:00 a.m. = “LA CRÍTICA
DE CINE; PRESENTE Y FUTURO DE UN EJERCICIO DE OPINIÓN”.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO"> <b><i>JAIME
PONCE, </i></b>Crítico de Cine de RCN
Radio nacional.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO">10: 00 a.m. = “PELÍCULAS RIGUROSAMENTE EDITADAS A MANO”; Libro de CUENTOS de Cine. Presentación a cargo de su autor, <b><i>VÍCTOR MANUEL BUSTAMANTE. </i></b> Escritor, Crítico de Cine e Investigador antioqueño.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO">11: 00 a.m. = Proyección especial para los CRÍTICOS DE
CINE acreditados al Encuentro de la película pereirana <b>LLUVIA </b>de Diego Espinosa. Conversatorio con su equipo de
realización.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO">
<b>RECESO</b><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO"> 2:
00 p.m. = “UN MÉTODO DE CRÍTICA
PROFESIONAL DE CINE” <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<b><i><span lang="ES-CO">MAURICIO LAURENS</span></i></b><span lang="ES-CO">, Crítico de Cine del diario EL TIEMPO.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO">3: 00 p.m. = “LA GRAN PELÍCULA DEL MUNDO- CINE Y
FILOSOFÍA”. Un libro soñado. Presentación conversada entre su autor <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<b><span lang="ES-CO">ANDRÉS
UPEGUI JIMÉNEZ</span></b><span lang="ES-CO">, filósofo, Crítico de Cine, Coordinador Cultural del
Festival de Cine de Jardín, Antioquia
y <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<b><i><span lang="ES-CO"> JUAN DIEGO
VELASQUEZ ROMERO, </span></i></b><span lang="ES-CO">Poeta y Crítico de Cine<b><i>. </i></b><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO">4: 00 p.m. = “SERGE
DANEY O LA PANTALLA ESCRITA”. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<b><i><span lang="ES-CO">JUAN GUILLERMO RAMÍREZ</span></i></b><span lang="ES-CO">,
Crítico de Cine bogotano.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO">5:00 p.m. =
“CÓMO LEER LA IMAGEN EN MOVIMIENTO Y NO MORIR EN EL INTENTO”<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<b><i><span lang="ES-CO">GONZALO RESTREPO</span></i></b><span lang="ES-CO">, Crítico de Cine barranquillero. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO">5:40 p.m. = “LA CRÍTICA DE CINE EN ANÉCDOTAS”. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<b><i><span lang="ES-CO">GERMÁN A. OSSA E</span></i></b><span lang="ES-CO">., Director de los Encuentros Nacionales de
Críticos de Cine de Pereira. Crítico de Cine de EL DIARIO de Pereira,
dibujante, Microcuentista y Gestor Cultural.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO">6:30 p.m. = Proyección de la película <b>“<u>BORG VS Mc. ENROE</u></b>,
una final de Infarto” de<b> </b><i>Janus
Metz.</i><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<b><u><span lang="ES-CO">Domingo 19:<o:p></o:p></span></u></b></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<b><span lang="ES-CO"> Lugar: Teatro Comfamiliar.<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO">08.00 a.m. = “LA
CRÍTICA DE CINE vista por un Realizador”. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<b><i><span lang="ES-CO">OSCAR MARIO ESTRADA.<o:p></o:p></span></i></b></div>
<div class="MsoListParagraphCxSpFirst" style="mso-list: l0 level1 lfo1; text-indent: -18.0pt;">
<!--[if !supportLists]--><span lang="ES-CO" style="font-family: Symbol; mso-bidi-font-family: Symbol; mso-fareast-font-family: Symbol;">·<span style="font-family: "Times New Roman"; font-size: 7pt; font-stretch: normal; font-variant-east-asian: normal; font-variant-numeric: normal; line-height: normal;">
</span></span><!--[endif]--><span lang="ES-CO">Cortometrajes de<b> JOSÉ DAVID GONZÁLEZ</b>, presentados por
su Realizador.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoListParagraphCxSpLast" style="mso-list: l0 level1 lfo1; text-indent: -18.0pt;">
<!--[if !supportLists]--><span lang="ES-CO" style="font-family: Symbol; mso-bidi-font-family: Symbol; mso-fareast-font-family: Symbol;">·<span style="font-family: "Times New Roman"; font-size: 7pt; font-stretch: normal; font-variant-east-asian: normal; font-variant-numeric: normal; line-height: normal;">
</span></span><!--[endif]--><span lang="ES-CO">“REFLEXIONES SOBRE EL CINE
PAISA” , SIMÓN ATEHORTÚA. Cinéfilo antioqueño.<b><i><o:p></o:p></i></b></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO">09:00 a.m. = “LA EDAD DE LA PANTALLA DE PLATA”. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<b><i><span lang="ES-CO">JORGE HERNANDO DELGADO</span></i></b><span lang="ES-CO">,
Cineclubista, historiador, realizador y
escritor quindiano.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO">10:30 a.m. = “LA CRÍTICA DE CINE”. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<b><i><span lang="ES-CO">GUSTAVO VALENCIA</span></i></b><span lang="ES-CO">, Crítico de Cine de Semana.com. Experto en Cine
Alemán.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO">11: 30 a.m. = Presentación de las Publicaciones de la Cinemateca Distrital (IDARTES) <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<b><span lang="ES-CO">RECESO<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<b><u><span lang="ES-CO">Lugar: SALÓN AUDIOVISUALES DEL LUCY TEJADA. (Tercer
piso)<o:p></o:p></span></u></b></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO">2:00 P.M. = “JONAS MEKAS: EL CRÍTICO COMO ARTISTA”<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<b><i><span lang="ES-CO">OMAR ARDILA</span></i></b><span lang="ES-CO">. Crítico
de Cine huilense, Poeta.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO"> 3:00
P.m.= UN DIBUJANTE HACE CINE. Experiencias de vida.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<b><i><span lang="ES-CO">ENRIQUE PILOZO</span></i></b><span lang="ES-CO">.
Cineasta ecuatoriano.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO">3: 40 P.m. = “LA RESPONSABILIDAD DE LA
CRÍTICA DE CINE”. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<b><i><span lang="ES-CO">JOAQUIN LEPELEY. </span></i></b><span lang="ES-CO">Crítico
de cine CHILENO.<b><i><o:p></o:p></i></b></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO">4:30 p.m. = “Manizales City: Arqueología
visual de la cultura Material e Inmaterial de una sociedad cafetera a
principios del Siglo XX”; <b><i>CARLOS JULIO GONZALEZ. </i></b>Investigador.
Docente universitario.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO">5:00 p.m. = Exhibición del Cortometraje <b>BAJO LA NIEBLA</b>, presentado por sus
realizadores Felipe Rodríguez y Álvaro Avendaño.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO">6:00 p.m. = “Cortas
miradas al cine corto”. <b><i>FELIPE MORENO. </i></b>Director del Festival
de Cine de Cortometrajes “EL ESPEJO” de Bogotá. Analista cinematográfico.
Docente. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO">6:20 P.m. = Presentación de Festivales
pertenecientes a la ANAFE (Asociación Nacional de Muestras, Festivales y
Eventos cinematográficos de Colombia), publicaciones y Revistas de Cine.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<br /></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<b><u><span lang="ES-CO">Lunes 15:<o:p></o:p></span></u></b></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<br /></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<b><span lang="ES-CO">Lugar: HOTEL DEL CAFÉ. (Calle 20 No. 4-60). Sede del
evento.<o:p></o:p></span></b></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO">9:00 a.m. = Conclusiones del Encuentro.
Conversatorio. Propuestas para el ENCUENTRO No. 22.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO">11:00 a.m. = Reunión de la Asociación
Nacional de Críticos y Periodistas de Cine.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<i><span lang="ES-CO" style="color: red;">Del 10 al 30
de Agosto: Exposición FOTOS Y AFICHES de películas de todos los tiempos.
<o:p></o:p></span></i></div>
<div class="MsoNormal">
<i><span lang="ES-CO" style="color: red;">Como era ANTES. <o:p></o:p></span></i></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<i><span lang="ES-CO" style="color: red;">Sala de Exposiciones de Comfamiliar.
Colección privada de un CRÍTICO DE CINE<o:p></o:p></span></i></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<span style="font-size: large;">
</span><br />
<div class="MsoNormal">
<b><i><u><span lang="ES-CO">Todos los eventos
con Entrada libre y gratuita.<o:p></o:p></span></u></i></b></div>
<span style="font-size: large;"><br /></span>
<span style="font-size: large;"><br /></span></div>
</div>
Omar Ahttp://www.blogger.com/profile/05665780406648038335noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-8116240328939524638.post-14939976276754330932017-10-29T19:53:00.000-07:002017-10-29T19:53:19.015-07:00Artavadz Pelechian - tras la búsqueda del movimiento secreto de la materia<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgPuic3bMGAMk_qJiQPiiMYVT3Vy0inD9MJRDC9ScDmoUXS_ISexyr9MwzD4TJYPs_5-EYuJYJWSNECsDqFt3d1tl2lsX0_TJFxK_Xrme_KpQfr2gvZLZpC2y1xRiJgxGYhpRP-abCW4A4/s1600/pelechian+1.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="400" data-original-width="600" height="426" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgPuic3bMGAMk_qJiQPiiMYVT3Vy0inD9MJRDC9ScDmoUXS_ISexyr9MwzD4TJYPs_5-EYuJYJWSNECsDqFt3d1tl2lsX0_TJFxK_Xrme_KpQfr2gvZLZpC2y1xRiJgxGYhpRP-abCW4A4/s640/pelechian+1.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
<br />
<div align="right" class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: right;">
<i><span style="background: white;">“Se dice a menudo que el cine es una síntesis de otras
artes pero pienso que es falso. Para mí, el cine es de antes de la era de la
Torre de Babel, de antes de la división en lenguajes diferentes. Por razones
técnicas apareció después de las demás artes pero por naturaleza las precede.
Intento hacer puro cine, el cual no debe nada a las demás artes.</span></i><span style="background: white;">”<a href="file:///D:/CINE%20SENTIDO%202.docx#_ftn1" name="_ftnref1" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span style="background-attachment: initial; background-clip: initial; background-image: initial; background-origin: initial; background-position: initial; background-repeat: initial; background-size: initial; font-family: "Times New Roman", serif; font-size: 12pt;">[1]</span></span><!--[endif]--></span></a></span><o:p></o:p></div>
<div align="right" class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: right;">
<b>Artavadz
Pelechian</b><o:p></o:p></div>
<div align="right" class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: right;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
Artavadz
Pelechian nació en Leninakan (Armenia) en 1938. Con antecedentes como dibujante
y diseñador industrial se decid<span lang="es-419">ió</span>
por el cine en 1963. Tras estudiar en la VGIK de Moscú, empezó a destacarse
como “teórico y experimentador de la imagen” desde su primer trabajo titulado, <i>Al principio</i> (1968). Aunque tuvo como
referencias obligadas las teorías sobre el montaje desarrolladas por Eisenstein
y Vertov, además del experimentalismo del segundo, Pelechian los confrontó y se
propuso ir más allá con su teoría del <i>montaje
a distancia</i>, sobre la que nos referiremos más adelante. El montaje es su
camino de creación; es vehículo, herramienta y sustrato teórico-vital que
retoma directamente de sus observaciones de la materia: para él, el cosmos y
las constelaciones ya constituyen una suerte de montaje<a href="file:///D:/CINE%20SENTIDO%202.docx#_ftn2" name="_ftnref2" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">[2]</span></span><!--[endif]--></span></a>.<o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhNsVfNCHBL47s-dGh0FLzwd9adBzgjU_pOptmyOdzs4UI_rsgO79QmXOFesLrGBM9omcQ2M4SP92g0TIbXqSy0I_q2P24rju4bxl16ZxUqi2Okw2cY2XmMhTmxkLIgkLBUd-wyZZBScPk/s1600/pelechian+4.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="194" data-original-width="259" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhNsVfNCHBL47s-dGh0FLzwd9adBzgjU_pOptmyOdzs4UI_rsgO79QmXOFesLrGBM9omcQ2M4SP92g0TIbXqSy0I_q2P24rju4bxl16ZxUqi2Okw2cY2XmMhTmxkLIgkLBUd-wyZZBScPk/s1600/pelechian+4.jpg" /></a></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
En la obra de
Pelechian hay una omisión de la narración clásica, de la palabra y del actor,
mientras se favorece la composición sonora y musical del filme. Se renuncia a
la palabra en favor del anonimato de las masas. La ausencia de diálogos está
compensada por las voces que a menudo aparecen como ritornelos. Sus trabajos
tampoco tienen sonido directo aunque sí están poblados de contrapuntos sonoros
que les dan una estructura musical al encadenamiento de imágenes. El sonido
está compuesto por música y ruidos. Los sonidos y las imágenes están integrados
en un mismo nivel de importancia debido al montaje, eso quiere decir que son
indisociables, tal como lo sostiene el mismo realizador:<o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<br /></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: center;">
<i>“El sonido tiene que ser indisociable de la
imagen, y la imagen indisociable del sonido (…) en mis películas el sonido se
justifica únicamente por su rol en términos de la idea y de la imagen. Incluso
los ruidos más elementales tienen que acarrear una expresividad máxima y, para
cumplir con este objetivo, es necesario transformar su registro. Es por esta
razón que por ahora, no hay sonido sincrónico ni comentarios en mis películas”<a href="file:///D:/CINE%20SENTIDO%202.docx#_ftn3" name="_ftnref3" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><b><span style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">[3]</span></b></span><!--[endif]--></span></a></i>.<o:p></o:p></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgRRjrlkPC5N5m_A89JAJOVFh-_SYgAhvFfketj8qpevgEsNPhVxH-kUSOiVFl-vK8s0Nyz8BWSTdkkKC8ZLOq5iB6ahwlxWsrWKtokye2bh-bCHOJZPb5qTTjtBD7jlUQT4kAf0eAkWoM/s1600/Pelechian+6.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="194" data-original-width="259" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgRRjrlkPC5N5m_A89JAJOVFh-_SYgAhvFfketj8qpevgEsNPhVxH-kUSOiVFl-vK8s0Nyz8BWSTdkkKC8ZLOq5iB6ahwlxWsrWKtokye2bh-bCHOJZPb5qTTjtBD7jlUQT4kAf0eAkWoM/s1600/Pelechian+6.jpg" /></a></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
Pelechian toma
del archivo musical especialmente fragmentos conocidos, buscando que el
espectador antes que reflexionar, sienta. Su opción es por lo sensible aunque
tiene a la materia como su principal objetivo. No tiene reparo en invertir,
cambiar, hacer variar los fragmentos musicales o sobreimponerles el ruido <span lang="es-419">y</span> hacerlos coincidir con
éste, pues lo que busca es que música y ruido se integren, converjan, sean
indisociables, tal como sucede con sus imágenes.<o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
Es importante
resaltar el marcado interés de Pelechian por la materia, que es ante todo para
revalorar el movimiento, la transmutación que aquella experimenta a cada
instante. Desde sus apuestas teóricas tiene muy claro que “el cine se basa en
tres factores: espacio, tiempo y movimiento real”. Por supuesto, todos ellos ya
existen en la naturaleza, pero es el cine el
que logra integrarlos como arte que desentraña el <i>movimiento secreto de la materia</i>. Es por esto que para el autor, el
cine puede comunicarse por medio de la filosofía, del arte y de la ciencia, por
cuanto capta el interior del movimiento: el mecanismo que le da sustento, que
transforma los elementos. Por tal razón, no es arriesgado sostener que el
director armenio le da vida a un <i>cine del
pensamiento</i> que se estructura desde lo mental para luego ir a la búsqueda
de la <i>imagen-materia</i> que más adelante
utilizará en su <i>filme-sentido</i>. Es
decir, primero que todo elabora su guión mental, el cual irá corroborando (completando)
con su ejercicio artístico-creativo.<o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
Pelechian se
interesa por los movimientos autónomos de la materia y con ello va más allá del
contexto que pretenda encontrársele a una imagen. Su estilo se basa en el
“montaje de la materia en constante movimiento y no en el montaje de imágenes
estables”<a href="file:///D:/CINE%20SENTIDO%202.docx#_ftn4" name="_ftnref4" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">[4]</span></span><!--[endif]--></span></a>. Si
bien es cierto que en ocasiones retoma fotogramas de filmes antiguos, el nuevo
tratamiento que le da a las imágenes (cromatismo, velocidad, ralentización)
para la conformación de ese filme orgánico que anhela, hace que todo el
material se renueve. Los fotogramas adquieren otra dinámica más intensiva y más
generadora de tensiones. Al respecto anota el autor: <i>“Cuando utilizo imágenes
de archivo mi meta no consiste en añadirlas como pedazos sino en fundirlas para
utilizarlas como materia prima de una nueva forma que pretendo crear”</i><a href="file:///D:/CINE%20SENTIDO%202.docx#_ftn5" name="_ftnref5" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">[5]</span></span><!--[endif]--></span></a>.<o:p></o:p></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhXX8SyUbXvaRRg4zCJaKrnwmHDs9wVkIO7A0J_xZU2ZPaKwbwFIi_FDbswfIc8x7JsM2O9g939oyL433da64N3SFClvwspZ5IKzSk2nbn9D-diNJjZxVaR7j_8JbW_gGVG6HwEHpXM4w8/s1600/Pelechian+5.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="194" data-original-width="259" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhXX8SyUbXvaRRg4zCJaKrnwmHDs9wVkIO7A0J_xZU2ZPaKwbwFIi_FDbswfIc8x7JsM2O9g939oyL433da64N3SFClvwspZ5IKzSk2nbn9D-diNJjZxVaR7j_8JbW_gGVG6HwEHpXM4w8/s1600/Pelechian+5.jpg" /></a></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
Por otra parte,
según sostiene <span lang="es-419">el mismo
director</span>, en el cine un primer movimiento está dado por el montaje, en
parte, por el movimiento al interior del cuadro<span lang="es-419">,</span> pero, seguidamente, por la irrupción
de los cortes que vinculan las imágenes en un todo orgánico<span lang="es-419"> que le permite</span> al <i>intervalo</i> configurar una dinámica afectiva que se dirige
directamente al espectador. El todo orgánico de sus filmes en particular y de
su obra en conjunto (pues todos los filmes están interrelacionadas para darle
vida al microcosmos vital del autor) no puede entenderse como algo cerrado que
conduce a la unidad de sentido, ya que permanentemente está remitiendo a la
afección, al ensueño, a lo poético<span lang="es-419">; sensaciones</span> que como sabemos, corresponde<span lang="es-419">n</span> a lo abierto: “busco un montaje que
cree alrededor de sí un campo magnético emocional”<a href="file:///D:/CINE%20SENTIDO%202.docx#_ftn6" name="_ftnref6" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">[6]</span></span><!--[endif]--></span></a>. Pelechian se adentra en el espinoso
camino de la creación fílmica buscando “desmontar el mundo” para darle
visibilidad a su forma más conmovedora, secreta<span lang="es-419"> y</span> misteriosa<a href="file:///D:/CINE%20SENTIDO%202.docx#_ftn7" name="_ftnref7" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">[7]</span></span><!--[endif]--></span></a>.<o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
Poco a poco las
búsquedas de Pelechian van confluyendo en su máximo aporte conceptual para la
teoría cinematográfica: el <i>montaje a
contrapunto</i> o t<i>eoría de la distancia</i>,
el cual se resume brevemente así: ubica dos planos “importantes” no
seguidamente sino a cierta distancia para darle la oportunidad de accionar a
unos conectores (<i>planos intermediarios</i>)
que a la vez que los separa, los une en un todo orgánico<span lang="es-419"> que</span> al mismo tiempo se presenta como
una afección para el espectador. Cada plano que se repite más adelante, aunque
es el mismo plano, ahora está elevado a una nueva potencia, pues ya había un
antecedente que ahora nos lo hace percibir como diferente<a href="file:///D:/CINE%20SENTIDO%202.docx#_ftn8" name="_ftnref8" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">[8]</span></span><!--[endif]--></span></a>. El montaje a distancia es esférico (no
lineal) y está en continuo movimiento. Traza continuamente una espiral: “un
comienzo que no tiene fin y finaliza con un nuevo comienzo”<a href="file:///D:/CINE%20SENTIDO%202.docx#_ftn9" name="_ftnref9" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">[9]</span></span><!--[endif]--></span></a>.<o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhcn5V4pnbBliJkYz-ut2jVt9DXuPDw8tD_APGdZ4NcYVC3wXjL26VGtGt6M6Y9JjUa4hIYv-5qSy2irKgvkxivAvT7ZUt5NkYSTXUamvR2hF0BBWglozdx9G54rXPMjV2P6RPWE4KYsAQ/s1600/Montaje+a+distancia+pelechian.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="45" data-original-width="300" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhcn5V4pnbBliJkYz-ut2jVt9DXuPDw8tD_APGdZ4NcYVC3wXjL26VGtGt6M6Y9JjUa4hIYv-5qSy2irKgvkxivAvT7ZUt5NkYSTXUamvR2hF0BBWglozdx9G54rXPMjV2P6RPWE4KYsAQ/s1600/Montaje+a+distancia+pelechian.jpg" /></a></div>
<br />
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
En los filmes de
Pelechian, la <i>repetición</i> es el
vehículo articulador del sentido, pero la repetición como algo que deviene
diferente. No está dada para regresar al pasado sino para movilizar lo
extraordinario, el misterio que no se agota en el instante sino que va hacia el
futuro, hacia la sorpresa. Es decir, una repetición que oscila entre lo actual
y lo virtual pero que no tiene origen, que es puro devenir, que no pretende
retener el presente. La repetición, además, nos da a conocer la heterogeneidad
del tiempo, pues Pelechian considera que “nuestras concepciones y nuestras
leyes determinantes del espacio y del tiempo ya están caducas”. Y es precisamente
a través del montaje que puede darle vida al espacio y crear imágenes del
tiempo, <span lang="es-419">ya que</span> que el
montaje lo está “expresando a él mismo”.<o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<br /></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: center;">
<i>“Una imagen puede ausentarse pero seguir
presente por medio de su aura. Todavía nadie ha logrado hacer un montaje con
imágenes que no existen. Eso es lo que intento producir en la arquitectura de
mis películas: volver visibles para el espectador las imágenes que no lo son.
Una representación ausente puede ser incluso más poderosa. La posibilidad de
existencia irreal de una imagen ausente es el misterio del montaje a distancia”<a href="file:///D:/CINE%20SENTIDO%202.docx#_ftn10" name="_ftnref10" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><b><span style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">[10]</span></b></span><!--[endif]--></span></a></i>.<o:p></o:p></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgihcXhQkaNIvETbfUYmnikVi2QYmch5ORIJIKIwV8g2GFzPi82n-as2dbFtfbqkYjm1iZhqwYvoqsKdURy5AUzpO5y74F1UbSsIvBkg-NHM9vjNy0tS5O-C26DV5Cpk8wDi9xWQDGyvOM/s1600/pelechian+2.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="200" data-original-width="266" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgihcXhQkaNIvETbfUYmnikVi2QYmch5ORIJIKIwV8g2GFzPi82n-as2dbFtfbqkYjm1iZhqwYvoqsKdURy5AUzpO5y74F1UbSsIvBkg-NHM9vjNy0tS5O-C26DV5Cpk8wDi9xWQDGyvOM/s1600/pelechian+2.jpg" /></a></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
De esta manera,
queda claro que en el montaje Pelechian prefiere los espacios a las colisiones
dialécticas; los intervalos y las distancias a las suturas a los choques y a
las cercanías. Las imágenes se desligan de sus referencias lingüísticas,
políticas, semióticas y se hacen acto estético que puede sentirse como material
primero, separado de preconceptos aunque logra construir sus propios conceptos:
la <i>materialidad del movimiento</i> <span lang="es-419">y</span> la <i>duración de la materia</i>. Podríamos resumir entonces que los
elementos fundamentales para el montaje que realiza Pelechian son “las
repeticiones, las variaciones y las circulaciones”. <o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="es-419">En el recorrido por su obra vamos
aclarando</span> que la materia central de los filmes de Pelechian es el
tiempo. Juega con él, lo alarga a la medida del montaje. Pocos segundos de
rodaje puede convertirlos en minutos de filme. Para ello recurre a inversiones,
recuadres, diferentes puntos de entrada o salida del plano, multiplicaciones
del mismo plano, diversos usos de la música, entre tantos otros recursos
formales. Esto permite alejarse de la <span lang="es-419">exigencia </span>de encontrar un relato para sumirse en la
contemplación, en lo onírico. De ahí que es posible hablar de que la obra de
Pelechian es un <i>cine-poema</i> que va a
la búsqueda del tiempo absoluto: “para mí, el montaje a distancia revela los
misterios del movimiento del universo”. Incluso, el montaje a distancia “es
capaz de hacer presente lo ausente”<a href="file:///D:/CINE%20SENTIDO%202.docx#_ftn11" name="_ftnref11" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">[11]</span></span><!--[endif]--></span></a>. <o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
Al pensar en el
tiempo cinematográfico es importante ver cómo la obra de Pelechian pone en duda
ese primer postulado que vinculaba al cine como un “arte de la representación”,
ya que al abrirse a la dinámica temporal, del devenir, de la <i>imagen-tiempo</i>, se suma a la experiencia
del cine moderno “que no consiste en la presentación de una historia, sino en
el arte de presentar el tiempo mismo al espectador”, de hacerle sentir el
tiempo<a href="file:///D:/CINE%20SENTIDO%202.docx#_ftn12" name="_ftnref12" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">[12]</span></span><!--[endif]--></span></a>. <o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgZHM83JE7cF-HMvllgzVl5f1UB7f5UpzMza-DkqRoH1oHfL1NjMOmAF2bVhaT7RiUz-vszxZHkhO3XE6lverUm3XIZDThAmhIvEBHeuR0sx4VKecnDy3AFmFft3fYIO6sstL5yjvDiklI/s1600/pelechian+3.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="197" data-original-width="255" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgZHM83JE7cF-HMvllgzVl5f1UB7f5UpzMza-DkqRoH1oHfL1NjMOmAF2bVhaT7RiUz-vszxZHkhO3XE6lverUm3XIZDThAmhIvEBHeuR0sx4VKecnDy3AFmFft3fYIO6sstL5yjvDiklI/s1600/pelechian+3.jpg" /></a></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
Al pensar con
Ranciére que el cine pertenece a una “política de la estética”, según la cual,
la imagen y la manera como es presentada hacen parte de un lenguaje político
que muestra aquello de lo que no se habla o que se deja de mostrar, vemos que
Pelechian descontextualiza la imagen para luego recontextualizarla, utilizando
una narrativa dada más por lo épico-pictórico, por las referencias míticas
presentes en todos los tiempos. Se refiere a acontecimientos históricos (usa
material de archivo porque “conserva lo impactante del hecho”) pero los saca
del contexto tradicional. En cierta forma, los actualiza y los hace atemporales.
Genera una “discrepancia histórica”<a href="file:///D:/CINE%20SENTIDO%202.docx#_ftn13" name="_ftnref13" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">[13]</span></span><!--[endif]--></span></a>
puesto que no ubica los hechos en el pasado ni los asocia a un espacio
determinado. Esto se hace más evidente en <i>Al
principio </i>(1967), <i>Nosotros</i> (1969)
y <i>Los habitantes </i>(1970). Tampoco
construye un discurso histórico ni político, pero rescata de aquellos los actos
de los individuos que han sido constantes (desplazamientos, levantamientos,
luchas, encuentros, nacimientos) y sus gestos inmemoriales, tal como son los
ritmos de la naturaleza (<i>Las estaciones</i>,
1975). Le interesa captar el potencial que tienen los hombres para rehacerse,
su carácter épico, sus gestas; el devenir, no la letra mortal de una ideología;
la capacidad de la humanidad para salir de sí misma, para eternizarse en un
gesto, en un acto plástico, artístico. <span lang="es-419">Su obra r</span>emite, en cierta forma, a un mundo donde la
comunicación no está medida por la
palabra (“el hombre es más viejo que las palabras”, sostiene Pelechian). Por
supuesto que la comunicación se da pero a partir de los gestos, de los eventos
comunes (exilios, reencuentros), y se establece por medio de un ritmo propio
sustentado en el contrapunto musical. <o:p></o:p></div>
<br />
<div>
<!--[if !supportFootnotes]--><br clear="all" />
<hr align="left" size="1" width="33%" />
<!--[endif]-->
<div id="ftn1">
<div class="MsoFootnoteText" style="text-align: justify;">
<a href="file:///D:/CINE%20SENTIDO%202.docx#_ftnref1" name="_ftn1" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><span lang="ES-CO"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; mso-ansi-language: ES-CO; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US;">[1]</span></span><!--[endif]--></span></span></a><span style="font-family: "Times New Roman",serif; mso-ansi-language: ES;">Pelechian y
Jean-Luc Godard, Ibídem.</span><span lang="ES-CO"><o:p></o:p></span></div>
</div>
<div id="ftn2">
<div class="MsoFootnoteText" style="text-align: justify;">
<a href="file:///D:/CINE%20SENTIDO%202.docx#_ftnref2" name="_ftn2" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><span lang="ES-CO"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; mso-ansi-language: ES-CO; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US;">[2]</span></span><!--[endif]--></span></span></a><span style="font-family: "Times New Roman",serif; mso-ansi-language: ES;">Becerra
Sergio, <i>Alegoría fílmica del universo</i>,
en <i>Materia y cosmos: las películas de
Artavazd Pelechian</i> (editores: Sergio Becerra y Rémi Fontanel),</span><span style="font-family: "Times New Roman",serif; mso-ansi-language: #580A;"> </span><span style="font-family: "Times New Roman",serif; mso-ansi-language: ES;">Bogotá,
IDARTES, 2012<o:p></o:p></span></div>
</div>
<div id="ftn3">
<div class="MsoFootnoteText" style="text-align: justify;">
<a href="file:///D:/CINE%20SENTIDO%202.docx#_ftnref3" name="_ftn3" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif;"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span lang="ES-CO" style="font-size: 10pt;">[3]</span></span><!--[endif]--></span></span></a><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif;">Pelechian, Artavadz, <i>El montaje a contrapunto o la teoría de la
distancia</i></span><span style="font-family: "Times New Roman",serif; mso-ansi-language: ES;">, en <i>Trafic</i> No.
2, 1992.</span><o:p></o:p></div>
</div>
<div id="ftn4">
<div class="MsoFootnoteText" style="text-align: justify;">
<a href="file:///D:/CINE%20SENTIDO%202.docx#_ftnref4" name="_ftn4" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif;"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span lang="ES-CO" style="font-size: 10pt;">[4]</span></span><!--[endif]--></span></span></a><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif;">Païni, Dominique, <i>Arthur Pelechian, cineasta de iconos</i>, en
<i>Art Press</i>, No. 65, 1992<o:p></o:p></span></div>
</div>
<div id="ftn5">
<div class="MsoFootnoteText" style="text-align: justify;">
<a href="file:///D:/CINE%20SENTIDO%202.docx#_ftnref5" name="_ftn5" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif;"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span lang="ES-CO" style="font-size: 10pt;">[5]</span></span><!--[endif]--></span></span></a><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif;">Niney, Francois</span><span style="font-family: "Times New Roman",serif; mso-ansi-language: ES;">, <i>Entretien avec Artavadz Pelechian</i>, en <i>Cahiers du cinéma</i>, No. 454, 1992<o:p></o:p></span></div>
</div>
<div id="ftn6">
<div class="MsoFootnoteText" style="text-align: justify;">
<a href="file:///D:/CINE%20SENTIDO%202.docx#_ftnref6" name="_ftn6" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><span lang="ES-CO"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; mso-ansi-language: ES-CO; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US;">[6]</span></span><!--[endif]--></span></span></a><span style="font-family: "Times New Roman",serif; mso-ansi-language: ES;">Pelechian y
Jean-Luc Godard, Ibídem.</span><o:p></o:p></div>
</div>
<div id="ftn7">
<div class="MsoFootnoteText" style="text-align: justify;">
<a href="file:///D:/CINE%20SENTIDO%202.docx#_ftnref7" name="_ftn7" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif;"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span lang="ES-CO" style="font-size: 10pt;">[7]</span></span><!--[endif]--></span></span></a><span style="font-family: "Times New Roman",serif; mso-ansi-language: ES;">Vancheri, Luc,
<i>La imagen de Babel: poética del pueblo en
tiempos de guerra</i>, en <i>Materia y
cosmos: las películas de Artavazd Pelechian</i></span><i><span style="font-family: "Times New Roman",serif; mso-ansi-language: #580A;"> </span></i><span style="font-family: "Times New Roman",serif; mso-ansi-language: ES;">(editores: Sergio Becerra y Rémi Fontanel), Bogotá, IDARTES, 2012 </span><o:p></o:p></div>
</div>
<div id="ftn8">
<div class="MsoFootnoteText">
<a href="file:///D:/CINE%20SENTIDO%202.docx#_ftnref8" name="_ftn8" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><span lang="ES-CO"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; mso-ansi-language: ES-CO; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US;">[8]</span></span><!--[endif]--></span></span></a><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif;">Faucon, Térésa, <i>Turbulencias y repeticiones: La
materia-tiempo en Las Estaciones de A. Pelechian</i>, en </span><i><span style="font-family: "Times New Roman",serif; mso-ansi-language: ES;">Materia y cosmos: las películas de Artavazd Pelechian</span></i><i><span style="font-family: "Times New Roman",serif; mso-ansi-language: #580A;"> </span></i><span style="font-family: "Times New Roman",serif; mso-ansi-language: ES;">(editores: Sergio Becerra y Rémi Fontanel), Bogotá,
IDARTES, 2012.</span><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif;"><o:p></o:p></span></div>
</div>
<div id="ftn9">
<div class="MsoFootnoteText">
<a href="file:///D:/CINE%20SENTIDO%202.docx#_ftnref9" name="_ftn9" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif;"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span lang="ES-CO" style="font-size: 10pt;">[9]</span></span><!--[endif]--></span></span></a><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif;"> Mac Donald, Scott, <i>Entrevista con Artavadz Pelechian</i>,
traducción de Luciana Borrini, para el portal web: Con los ojos abiertos, 2011.</span><span style="font-family: "Times New Roman",serif; mso-ansi-language: ES;">(</span><span lang="ES-CO"><a href="http://ojosabiertos.otroscines.com/ficunam-06-entrevista-a-artavazd-peleshyan/"><span lang="EN-US" style="font-family: "Times New Roman",serif; mso-ansi-language: EN-US;">http://ojosabiertos.otroscines.com/ficunam-06-entrevista-a-artavazd-peleshyan/</span></a></span><span lang="EN-US" style="font-family: "Times New Roman",serif; mso-ansi-language: EN-US;">)
<o:p></o:p></span></div>
</div>
<div id="ftn10">
<div class="MsoFootnoteText">
<a href="file:///D:/CINE%20SENTIDO%202.docx#_ftnref10" name="_ftn10" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><span lang="ES-CO"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; mso-ansi-language: ES-CO; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US;">[10]</span></span><!--[endif]--></span></span></a><span lang="EN-US" style="font-family: "Times New Roman",serif; mso-ansi-language: EN-US;">Niney,
Francois, Ibídem</span><span lang="EN-US">.<o:p></o:p></span></div>
</div>
<div id="ftn11">
<div class="MsoFootnoteText">
<a href="file:///D:/CINE%20SENTIDO%202.docx#_ftnref11" name="_ftn11" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><span lang="ES-CO"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; mso-ansi-language: ES-CO; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US;">[11]</span></span><!--[endif]--></span></span></a><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif;">Mac Donald, Scott,
Ibídem.</span><span lang="ES-CO"><o:p></o:p></span></div>
</div>
<div id="ftn12">
<div class="MsoFootnoteText" style="text-align: justify;">
<a href="file:///D:/CINE%20SENTIDO%202.docx#_ftnref12" name="_ftn12" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><span lang="ES-CO"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; mso-ansi-language: ES-CO; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US;">[12]</span></span><!--[endif]--></span></span></a><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif;">Vollet, Matthias, <i>Los límites de la estética de la
representación: del cine perceptivo de Bergson al cine durativo de Deleuze</i>,
en <i>Los límites de la estética de la
representación</i> (edit. Adolfo Chaparro), Bogotá, Universidad del Rosario,
2006.</span><span lang="ES-CO"><o:p></o:p></span></div>
</div>
<div id="ftn13">
<div class="MsoFootnoteText" style="text-align: justify;">
<a href="file:///D:/CINE%20SENTIDO%202.docx#_ftnref13" name="_ftn13" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><span lang="ES-CO"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; mso-ansi-language: ES-CO; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US;">[13]</span></span><!--[endif]--></span></span></a><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif;">André, Emmanuelle, <i>La historia fuera de sí misma: Fin, de
Artavadz Pelechian</i>, en </span><i><span style="font-family: "Times New Roman",serif; mso-ansi-language: ES;">Materia y
cosmos: las películas de Artavazd Pelechian </span></i><span style="font-family: "Times New Roman",serif; mso-ansi-language: ES;">(editores: Sergio Becerra y Rémi Fontanel),
Bogotá, IDARTES, 2012.</span><span lang="ES-CO"><o:p></o:p></span></div>
</div>
</div>
</div>
Omar Ahttp://www.blogger.com/profile/05665780406648038335noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8116240328939524638.post-72006592967125633722017-09-07T11:18:00.000-07:002017-09-07T11:18:25.007-07:00Séptima versión del Festival Globale Bogotá<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEggHIh3OBZrRHXkmVp-MJzjXCC1LjW3meSk2c5H1ddGabOoA5T-5PFWKrjdMSa2xn6TJLhB1SLqK6OqMfhx6cuKR5y4nvFpyuMp6YA6IprDAs520s0Gevz99HG3sa7p7X50F1OYIVuGNSo/s1600/Festival+Globale+7.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1178" data-original-width="833" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEggHIh3OBZrRHXkmVp-MJzjXCC1LjW3meSk2c5H1ddGabOoA5T-5PFWKrjdMSa2xn6TJLhB1SLqK6OqMfhx6cuKR5y4nvFpyuMp6YA6IprDAs520s0Gevz99HG3sa7p7X50F1OYIVuGNSo/s640/Festival+Globale+7.jpg" width="451" /></a></div>
<br />
<span style="font-size: large;">La séptima versión del Festival Internacional de Vídeo Documental Globale Bogotá 2017, tendrá lugar entre el 9 y el 14 de septiembre, en las instalaciones de la Cinemateca Distrital (Carrera 7 No. 22-79) de Bogotá DC.</span><br />
<span style="font-size: large;">Los temas que se abordarán en esta versión son:</span><br />
<span style="font-size: large;"><br /></span>
<span style="font-size: large;">1. Políticas represoras contra los movimientos sociales</span><br />
<span style="font-size: large;">2. Violencias racistas y/o feminicidas</span><br />
<span style="font-size: large;">3. Experiencias colectivas autónomas para la transformación socio-política</span><br />
<span style="font-size: large;"><br /></span>
<span style="font-size: large;">En la siguiente página pueden conocer la selección de documentales y la programación:</span><br />
<span style="font-size: large;"><br /></span>
<div style="text-align: center;">
<a href="https://globalebogota.wordpress.com/"><span style="font-size: large;">https://globalebogota.wordpress.com/</span></a></div>
<span style="font-size: large;"><br /></span>
<span style="font-size: large;">Y aquí pueden ver el trailer promocional:</span><br />
<br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<iframe width="320" height="266" class="YOUTUBE-iframe-video" data-thumbnail-src="https://i.ytimg.com/vi/xq9bE8lXKX0/0.jpg" src="https://www.youtube.com/embed/xq9bE8lXKX0?feature=player_embedded" frameborder="0" allowfullscreen></iframe></div>
<br /></div>
Omar Ahttp://www.blogger.com/profile/05665780406648038335noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8116240328939524638.post-55404865723154581482017-08-13T14:08:00.001-07:002017-08-13T14:08:44.438-07:0020 ENCUENTRO NACIONAL DE CRÍTICOS Y PERIODISTAS DE CINE<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjKADg9jCngaHn2sq1DanOVcwEzpcaNS64TzWmn_XQC8txY0wEhiXSJYIkTksk9LCLKe5BjXw3T6GE5sESnLSK4Jzoqb46I8Ts_FFTLyCBc5URLMxU1MVwCSJRGAl2sPnSbVOaeUKkJK3c/s1600/20+encuentro+criticos+cine+pereira.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1417" data-original-width="907" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjKADg9jCngaHn2sq1DanOVcwEzpcaNS64TzWmn_XQC8txY0wEhiXSJYIkTksk9LCLKe5BjXw3T6GE5sESnLSK4Jzoqb46I8Ts_FFTLyCBc5URLMxU1MVwCSJRGAl2sPnSbVOaeUKkJK3c/s640/20+encuentro+criticos+cine+pereira.jpg" width="408" /></a></div>
<br />
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<b><span lang="ES-CO" style="line-height: 107%;"><span style="font-size: large;">PROGRAMA 20
ENCUENTRO NACIONAL DE CRÍTICOS </span></span></b></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<b><span lang="ES-CO" style="line-height: 107%;"><span style="font-size: large;"><br /></span></span></b></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<b><span lang="ES-CO" style="line-height: 107%;"><span style="font-size: large;">Y PERIODISTAS DE CINE</span><span style="font-size: 24pt;"><o:p></o:p></span></span></b></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<b><span lang="ES-CO" style="line-height: 107%;"><span style="font-size: large;"><br /></span></span></b></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<b><span lang="ES-CO">PEREIRA, Agosto 18 al 21 de 2017<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<b><u><span lang="ES-CO">VIERNES
18/ 2017<o:p></o:p></span></u></b></div>
<div class="MsoListParagraphCxSpFirst">
<span lang="ES-CO">TEATRO COMFAMILIAR<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoListParagraphCxSpMiddle">
<span lang="ES-CO">(Carrera 5ta. No. 21-48)<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoListParagraphCxSpMiddle">
<span lang="ES-CO"><br /></span></div>
<div class="MsoListParagraphCxSpMiddle">
<span lang="ES-CO">7:00 pm.</span></div>
<div class="MsoListParagraphCxSpMiddle">
<b style="text-align: center;"><span lang="ES-CO">INAUGURACIÓN</span></b></div>
<div class="MsoListParagraphCxSpMiddle" style="mso-list: l0 level1 lfo1; text-indent: -18.0pt;">
<!--[if !supportLists]--><span lang="ES-CO" style="font-family: Symbol; mso-bidi-font-family: Symbol; mso-fareast-font-family: Symbol;">·<span style="font-family: "Times New Roman"; font-size: 7pt; font-stretch: normal; font-variant-numeric: normal; line-height: normal;">
</span></span><!--[endif]--><span lang="ES-CO">Proyección de la película de
cortometraje CONTIGO EN LA DISTANCIA, de Tomás Gutiérrez Alea. Homenaje a
“Gabo”, a los 50 años de su obra cumbre CIEN AÑOS DE SOLEDAD.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoListParagraphCxSpMiddle">
<span lang="ES-CO">Presentación a cargo del
Crítico de Cine cubano <b><i>LUCIANO CASTILLO</i></b>, Director de la
CINEMATECA DE CUBA.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoListParagraphCxSpMiddle" style="mso-list: l0 level1 lfo1; text-indent: -18.0pt;">
<!--[if !supportLists]--><span lang="ES-CO" style="font-family: Symbol; mso-bidi-font-family: Symbol; mso-fareast-font-family: Symbol;">·<span style="font-family: "Times New Roman"; font-size: 7pt; font-stretch: normal; font-variant-numeric: normal; line-height: normal;">
</span></span><!--[endif]--><span lang="ES-CO">Homenaje al Cineasta <b><i>JUAN
CARLOS QUINTANA</i></b>.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoListParagraphCxSpMiddle" style="mso-list: l0 level1 lfo1; text-indent: -18.0pt;">
<!--[if !supportLists]--><span lang="ES-CO" style="font-family: Symbol; mso-bidi-font-family: Symbol; mso-fareast-font-family: Symbol;">·<span style="font-family: "Times New Roman"; font-size: 7pt; font-stretch: normal; font-variant-numeric: normal; line-height: normal;">
</span></span><!--[endif]--><span lang="ES-CO">Saludo a los invitados
nacionales e internacionales.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoListParagraphCxSpMiddle" style="mso-list: l0 level1 lfo1; text-indent: -18.0pt;">
<!--[if !supportLists]--><span lang="ES-CO" style="font-family: Symbol; mso-bidi-font-family: Symbol; mso-fareast-font-family: Symbol;">·<span style="font-family: "Times New Roman"; font-size: 7pt; font-stretch: normal; font-variant-numeric: normal; line-height: normal;">
</span></span><!--[endif]--><span lang="ES-CO">Proyección de la película EL
MALQUERIDO, del cineasta Diego Rísquez, a cargo del Crítico de cine venezolano <b><i>Alfonso
Molina</i></b>.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoListParagraphCxSpMiddle" style="mso-list: l0 level1 lfo1; text-indent: -18.0pt;">
<span lang="ES-CO"><br /></span></div>
<div class="MsoListParagraphCxSpMiddle" style="mso-list: l0 level1 lfo1; text-indent: -18.0pt;">
<span lang="ES-CO"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjmNx7e2ULc7X2sih7dLBth0iDtLxDxBowEmN1N70egrvibYkPDdEwgicbIBjYAKWIgLqroEuhWdV12PgoX1WO8DnDeIH2kXq37aCd42ir8elAEo50FulVYA3P6h2HulWa09z7hG4NMaSE/s1600/20+encuentro+criticos+cine+pereira+Tarjeta+de+inauguraci%25C3%25B3n.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1024" data-original-width="1339" height="305" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjmNx7e2ULc7X2sih7dLBth0iDtLxDxBowEmN1N70egrvibYkPDdEwgicbIBjYAKWIgLqroEuhWdV12PgoX1WO8DnDeIH2kXq37aCd42ir8elAEo50FulVYA3P6h2HulWa09z7hG4NMaSE/s400/20+encuentro+criticos+cine+pereira+Tarjeta+de+inauguraci%25C3%25B3n.jpg" width="400" /></a></div>
<div class="MsoListParagraphCxSpLast">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<b><u><span lang="ES-CO">SABADO
19/ 2017<o:p></o:p></span></u></b></div>
<div class="MsoNormal">
<b><span lang="ES-CO">CONFERENCIAS<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO"> TEATRO COMFAMILIAR<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO"> (Carrera 5ta. No. 21-48)<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO">8:30 am. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO">DEL PAPEL A LA PANTALLA<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<b><i><span lang="ES-CO">José Fernando Ruíz</span></i></b><span lang="ES-CO">.
Cinéfilo. Coordinador del Cine Club de la Secretaría de Cultura de Pereira.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO">9:15 am.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO">LA BELLA MISERIA DE PEDRO COSTA<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<b><i><span lang="ES-CO">Vivián Vásquez J.</span></i></b><span lang="ES-CO">
Cinemateca Rodante. Cinemateca Distrital. Filósofa.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO">Presentación de la publicación CARTILLA
DIDACTICA-CINEMATECA RODANTE.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO">10:00 am. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO">DE LAS LETRAS A LAS IMÁGENES<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<b><i><span lang="ES-CO">Gustavo Valencia</span></i></b><span lang="ES-CO">.
Crítico de Cine. Experto en Cine Alemán.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO">11.00 am.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO">DRÁCULA de ABRAHAM STOKER: LA HISTORIA DEL
VAMPIRO Y SU TRASCENDENCIA EN EL CINE.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<b><i><span lang="ES-CO">Jaime Ponce</span></i></b><span lang="ES-CO">. Crítico
de Cine de RCN Radio, a nivel nacional.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO">12.00 del medio día<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO">HANS BRÜCKNER EN MEDELLÍN<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<b><i><span lang="ES-CO">Víctor Bustamante</span></i></b><span lang="ES-CO">.
Docente. Poeta. Escritor e Investigador y crítico cinematográfico.<o:p></o:p></span></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<br /></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<b><span lang="ES-CO">RECESO<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO"> TEATRO COMFAMILIAR<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO"> (Cra. 5ta. No. 21-48)<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO">2:30 pm.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO">DESDE ARGENTINA, UN DOCUMENTAL
HISTÓRICO<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO">Exhibición del Corto Documental DIA DE LA
MEMORIA (24 de marzo de 2006).<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<b><i><span lang="ES-CO">María Amelia Dinova Castro</span></i></b><span lang="ES-CO">. Realizadora invitada.
Escritora, cineasta, poeta.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO">3:30 pm.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO">DESLIZAMIENTOS PROGRESIVOS EN LA OBRA DE
ALAIN ROBBE-GRILLET<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<b><i><span lang="ES-CO">Omar Ardila</span></i></b><span lang="ES-CO">. Crítico
de Cine. Escritor. Poeta.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO">4:15 pm.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO">SENTIMIENTOS IRRECUPERABLES EN EL ESPACIO
FÍLMICO<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<b><i><span lang="ES-CO">Juan Guillermo Ramírez</span></i></b><span lang="ES-CO">.
Crítico de Cine. Investigador. Jurado e invitado a diferentes Festivales de
Cine.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO">5:00 pm.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO">MUERTE EN VENECIA: DE MANN A VISCONTI<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<b><i><span lang="ES-CO">Andrés Upegui</span></i></b><span lang="ES-CO">.
Director del Festival de Cine JARDIN, Antioquia. Escritor.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO">7:00 pm.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO">Proyección de la película EL MALQUERIDO, de
Diego Rísquez, a cargo del Crítico de cine venezolano <b><i>Alfonso Molina</i></b>. Entrada
libre.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<b><u><span lang="ES-CO">DOMINGO
20/ 2017<o:p></o:p></span></u></b></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO"><b>CONFERENCIAS</b><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO">TEATRO COMFAMILIAR (Cra. 5ta. No. 21-48)<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO">8:30 am.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO">ADAPTACIÓN DE LA NOVELA NEGRA AL CINE<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<b><i><span lang="ES-CO">Gonzalo Restrepo</span></i></b><span lang="ES-CO">.
Crítico de Cine. Profesor Universitario. Escritor.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO">9:30 am.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO">EL “GABO” SÍ TUVO QUIÉN LO FILMARA EN CUBA<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<b><i><span lang="ES-CO">Luciano Castillo</span></i></b><span lang="ES-CO">.
Crítico, Investigador e historiador cinematográfico. Director de la Cinemateca
de Cuba.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO">10:30 am.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO">MI CUENTO ES CREAR HISTORIAS<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<b><i><span lang="ES-CO">Enrique Pilozo Campuzano</span></i></b><span lang="ES-CO">. Caricaturista, Pintor, Escritor, Crítico y Cineasta ecuatoriano
residente en los Estados Unidos.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO">11:30 am.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO">DÓNDE ESTÁN LOS CRÍTICOS ?<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO">Alfonso Molina. Crítico de Cine venezolano.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<b><span lang="ES-CO">RECESO<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO">CONFERENCIAS<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO">CENTRO CULTURAL “LUCY TEJADA”. Calle 17
Carrera 10.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO">SALÓN AUDIOVISUALES. 3cer Piso.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO">2:00 pm. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO">DEL CINE REGIONAL. CINE EN MEDELLÍN<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<b><i><span lang="ES-CO">Oscar Mario Estrada, Simón Atehortúa, Luis Fernando
Gíl, Ana María Cano, Ana María Fresneda</span></i></b><span lang="ES-CO">.
Cineastas y cinéfilos antioqueños.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO">3:00 pm.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO">IMAGEN E IMAGINACIÓN<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<b><i><span lang="ES-CO">Juan Diego Velásquez</span></i></b><span lang="ES-CO">.
Investigador cinematográfico. Cineasta. Asistente en muchas producciones cinematográficas.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO">4:00 pm.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO">EL AUDIOVISUAL EN EL QUINDÍO<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<b><i><span lang="ES-CO">Jorge Hernando Delgado</span></i></b><span lang="ES-CO">.
Cine clubista. Investigador y realizador.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO">5:00 pm.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO">ORIENTACIONES SON ORIENTACIONES. “Gabo” se
confiesa. Proyección del documental ficcionado del cineasta panameño Edgar
Soberón Torchía.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<b><span lang="ES-CO">Germán
A. Ossa E</span></b><span lang="ES-CO">. Crítico de Cine. Dibujante. Escritor.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<b><u><span lang="ES-CO">LUNES
21/2017<o:p></o:p></span></u></b></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO">HOTEL DEL CAFÉ (Calle 20
No. 4-60)<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO">Sede permanente del
Encuentro<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO">10:00 am.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoListParagraphCxSpFirst" style="mso-list: l0 level1 lfo1; text-indent: -18.0pt;">
<!--[if !supportLists]--><span lang="ES-CO" style="font-family: Symbol; mso-bidi-font-family: Symbol; mso-fareast-font-family: Symbol;">·<span style="font-family: "Times New Roman"; font-size: 7pt; font-stretch: normal; font-variant-numeric: normal; line-height: normal;">
</span></span><!--[endif]--><span lang="ES-CO">Balance del 20 Encuentro
Nacional de Críticos y Periodistas de Cine de Pereira. Escogencia del EJE
TEMÁTICO para el 21 Encuentro. (Agosto 17 al 20 de 2018)<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoListParagraphCxSpMiddle" style="mso-list: l0 level1 lfo1; text-indent: -18.0pt;">
<!--[if !supportLists]--><span lang="ES-CO" style="font-family: Symbol; mso-bidi-font-family: Symbol; mso-fareast-font-family: Symbol;">·<span style="font-family: "Times New Roman"; font-size: 7pt; font-stretch: normal; font-variant-numeric: normal; line-height: normal;">
</span></span><!--[endif]--><span lang="ES-CO">Reunión de los Críticos de Cine
de Colombia.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoListParagraphCxSpMiddle" style="mso-list: l0 level1 lfo1; text-indent: -18.0pt;">
<!--[if !supportLists]--><span lang="ES-CO" style="font-family: Symbol; mso-bidi-font-family: Symbol; mso-fareast-font-family: Symbol;">·<span style="font-family: "Times New Roman"; font-size: 7pt; font-stretch: normal; font-variant-numeric: normal; line-height: normal;">
</span></span><!--[endif]--><span lang="ES-CO">Reunión de la ANAFE –
Asociación Nacional de Muestras, Festivales y Eventos cinematográficos de
Colombia-<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoListParagraphCxSpLast" style="mso-list: l0 level1 lfo1; text-indent: -18.0pt;">
<!--[if !supportLists]--><span lang="ES-CO" style="font-family: Symbol; mso-bidi-font-family: Symbol; mso-fareast-font-family: Symbol;">·<span style="font-family: "Times New Roman"; font-size: 7pt; font-stretch: normal; font-variant-numeric: normal; line-height: normal;">
</span></span><!--[endif]--><span lang="ES-CO">Premiación del 9º. CONCURSO DE
CORTOMETRAJES DEL EJE CAFETERO.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO">7:00 pm.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO">TEATRO COMFAMILIAR<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO">(Cra. 5ta. No. 21-48)<o:p></o:p></span></div>
<br />
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO">Proyección de la película EL MALQUERIDO de
Diego Rísquez. Entrada libre.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO"><br /></span></div>
</div>
Omar Ahttp://www.blogger.com/profile/05665780406648038335noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8116240328939524638.post-39209980699804615672017-07-30T19:26:00.001-07:002017-07-30T19:26:41.488-07:00Miklós Jancsó: un cine del movimiento<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjEA8sH5nG1NE0SoSGFD7R5SlcPR07t9DR1cSpbmkhzfcy-kkDU2O1V7DWfZZuz0Cn-zUHsd3lgmPKO9zz7mM25lL9YEnLHApYBETEvh3iVAhd6mdeejiepLkU6I5525AT0IYWVQ6SNp_0/s1600/jancso_miklos.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="536" data-original-width="630" height="340" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjEA8sH5nG1NE0SoSGFD7R5SlcPR07t9DR1cSpbmkhzfcy-kkDU2O1V7DWfZZuz0Cn-zUHsd3lgmPKO9zz7mM25lL9YEnLHApYBETEvh3iVAhd6mdeejiepLkU6I5525AT0IYWVQ6SNp_0/s400/jancso_miklos.jpg" width="400" /></a></div>
<div align="right" class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: right;">
<i><span style="background: white;"><br /></span></i></div>
<div align="right" class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: right;">
<i><span style="background: white;">¡Oh,
máquinas, pájaros, frondas, y estrellas!,</span><br />
<span style="background: white;">nuestra estéril madre pide a gritos parir.</span><br />
<span style="background: white;">Querido amigo, cariñoso amigo,<span class="apple-converted-space"> </span></span><br />
<span style="background: white;">puede resultarte terrible o maravilloso, pero<span class="apple-converted-space"> </span></span><br />
<span style="background: white;">no soy yo quien grita, es la tierra que ruge.<o:p></o:p></span></i></div>
<div align="right" class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: right;">
<b><i><span style="background: white;">Attila József<o:p></o:p></span></i></b></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
La muerte del
director húngaro Miklós Jancsó<span lang="es-419">,
ocurrida el 31 de enero de 2014,</span><span lang="es-419"> </span><span lang="es-419">me</span> sorprendió justamente
cuando inici<span lang="es-419">aba</span> un
recorrido por su filmografía, especialmente por la más representativa<span lang="es-419"> – aquella realizada entre 1960 y
1980 –, atraído por</span> la radicalidad de su propuesta estética<span lang="es-419">.</span> Ante el interés creciente
que he mantenido por la obra de ese otro gran director del mismo país, Bela
Tarr, fue preciso recurrir a las fuentes de donde este importante creador
contemporáneo tomó lo más depurado para darle vida a una obra mayor (esa misma
que anunció cerrar en el 2013, luego de presentar <i>El caballo de Turín</i><i><span lang="es-419">)</span></i>. En efecto, Tarr ha
reconocido en varias ocasiones que una de sus principales influencias es el
estilo creado desde los años <span lang="es-419">sesenta</span><span lang="es-419"> </span>por su compatriota, el “Tío Miki”, como cariñosamente se
empezó a llamar a Jancsó en los últimos años.<o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
Al aproximar<span lang="es-419">me</span> a una obra tan importante
como la de Miklós Jancsó, no pod<span lang="es-419">ía</span> pasar por alto la importante tradición cinematográfica que ha
tenido el país magiar desde las primeras décadas del siglo XX <span lang="es-419">y</span> por ello
considero oportuno recordar algunos eventos importantes de dicha
cinematografía. En los primeros años del cine silente, este país ya <span lang="es-419">tuvo</span> un rico desarrollo en
experiencias y exploraciones fílmicas. Hay referencias de que entre 1912 y 1919
se vivió una primera “época de oro” con los trabajos iniciales realizados por
importantes figuras<span lang="es-419">,</span>
que luego serían reconocidas mundialmente tras su llegada a Estados Unidos y al
Reino Unido. Entre ellos se destacó Sándor Korda, quien realizó <span lang="es-419">veinticinco</span> filmes antes de
1919 y además publicó las primeras revistas donde aparecían artículos
relacionados con el cine, firmados por importantes escritores del momento. El
primer filme de ficción del cual se tiene referencia es <i>Hoy y mañana</i><span lang="es-419">,</span>
de Mihály Kertész, realizado en 1912, año en el que también se creó el primer
estudio cinematográfico. El mismo Kertész<span lang="es-419"> realizaría</span> 38 filmes entre 1915 y 1919<a href="file:///D:/CINE%20SENTIDO%202.docx#_ftn1" name="_ftnref1" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">[1]</span></span><!--[endif]--></span></a>.<o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
Por otra parte,
es importante resaltar la incidencia que tuvieron algunas personalidades del
entorno cinematográfico húngaro en el desarrollo de los grandes estudios<span lang="es-419">,</span> tanto de Hollywood como
del Reino Unido. En el campo de la producción, en Hollywood se destacaron:
Adolph Zukor, fundador de la Paramount Pictures<span lang="es-419">,</span> y William Fox, iniciador de la Fox
Film Corporation, mientras que en el Reino Unido fue muy importante la labor de
Alexander Korda como productor independiente<span lang="es-419">,</span> qu<span lang="es-419">i</span>e<span lang="es-419">n,</span> después de haber rodado
un considerable número de filmes en su país y en otros de Europa, le dio vida a
la London Film Productions. Asimismo, fue muy valioso el aporte de los
directores húngaros Charles Vidor, Alexander Korda y Michel Curtiz en su paso
por Hollywood, donde dejaron una huella imborrable<span lang="es-419">,</span> junto con los actores, también de
origen húngaro, Béla Lugosi y Zsazsa Gábor, <span lang="es-419">además del</span> director musical Miklós Rózsa. En más de 8 países de
Europa, especialmente en España, es inolvidable<span lang="es-419"> igualmente </span>la labor del director
Ladislao Vajda, especialmente entre 1940 y 1950. Y para terminar este recuento
de los más importantes personajes húngaros que hicieron aportes al desarrollo
de la cinematografía mundial en la primera mitad del siglo XX, reseña<span lang="es-419">ré</span> al teórico, dramaturgo,
guionista y poeta Béla Baláz, quien <span lang="es-419">por primera vez propuso</span> el análisis del cine como “lenguaje”<span lang="es-419">, lo cual implicaba</span> la
necesidad de definirle una gramática para su estudio. Asimismo, <span lang="es-419">Baláz </span>exaltaba la
importancia de ampliar los análisis fílmicos con referentes psicológicos y
sociológicos. <o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
Todos <span lang="es-419">los</span> personajes <span lang="es-419">que acabamos de citar</span> tienen
en común el haber salido de su país para darle escape a su deseo creativo. Sin
embargo, otros se quedaron en su territorio y<span lang="es-419">,</span> desde a<span lang="es-419">ll</span>í<span lang="es-419">,</span> empezaron a realizar su aporte para la construcción de la
cinematografía nacional; algunos, incluso, han alcanzado a dejar su impronta en
la Historia del cine mundial, <span lang="es-419">como
ocurre con</span> Miklós Jancsó, Itsván Szabó y Bela Tarr.<o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
Hacia 1948,
después de la Segunda Guerra Mundial, se nacionalizó la industria
cinematográfica húngara bajo el régimen comunista de Matyas Rákosi, quien
estaría en el poder desde 1945 hasta 1956. Durante ese periodo se creó una
escuela nacional de cine que empezaría a concentrar y delinear los supuestos
para darle vida a un cine propio. Debido a la influencia política del momento,
se implantó como criterio estético central el “realismo socialista”, el cual
recibiría algunas influencias del <i>neorrealismo
</i><span lang="es-419">al comienzo</span> de la
década del 50. Sin embargo, luego
de la muerte de Stalin y con la llegada al poder de János Kádár hacia 1956 (quien
e<span lang="es-419">jercería</span> hasta 1988
como primer Secretario del Partido Obrero Socialista Húngaro)<span lang="es-419">,</span> se empezó a generar una cierta
apertura hacia los entornos del mundo occidental, <span lang="es-419">con </span>el cine<span lang="es-419"> como</span> uno de los escenarios que se
servirían de esa amplitud de criterios. El filme <i>Pequeño carrusel nocturno</i><i> </i><span lang="es-419">(</span>1955<span lang="es-419">) </span>de
Zoltan Fabri, podría considerarse como el <span lang="es-419">iniciador de</span> una nueva línea en la cinematografía del país centroeuropeo,
por la manera como anuncia las nuevas aspiraciones y los nuevos sentimientos<span lang="es-419">,</span> que empiezan a apartarse
del arraigado entorno patriarcal. Hacia 1960, el cine empieza a tomarse como un
espacio idóneo de reflexión para las cuestiones sociopolíticas. Poco a poco se
fue afianzando la gran productora nacional Mafilm y la distribuidora
internacional Húngaro Film. Al mismo tiempo, <span lang="es-419">en las nuevas películas </span>empieza a
abrirse campo las reflexiones filosóficas, los experimentalismos artísticos y
las propuestas de autor; de ello dan cuenta las dos importantes revistas
especializadas que surgen en esos años: <i>Filmvilág</i>
en 1958 y <i>Filmkulturá</i> en 1965. En el
mismo periodo se propicia<span lang="es-419">
igualmente</span> la apertura para realizar coproducciones con Checoslovaquia, <span lang="es-419">la </span>Unión Soviética, Francia
y Estados Unidos. A partir de 1965<span lang="es-419">,</span> se organiza el Festival de Cine Húngaro, <span lang="es-419">que </span>contaba con el apoyo económico y el
favorecimiento del Estado. Por estas y otras razones, se considera a la década
de los sesenta como la <i>época de oro del
cine húngaro</i>, <span lang="es-419">que</span>
ha sido <span lang="es-419">señalada</span> por
los estudiosos de la materia, junto con la<span lang="es-419"> de la</span> cinematografía checa, como la más importante de ese lapso
en los países del Este europeo. Con estos antecedentes<span lang="es-419"> surgió hacia </span>finales de la misma década
la Nueva Ola del cine húngaro, con noveles directores y sus primeras películas
representativas: Itsván Gaál (<i>Los
Halcones, </i>1970<i>)</i>, István Szabó (<i>Film de amor</i>, 1970), András Kovács (<i>Días fríos, </i>1968<i>)</i> y Peter Bacsó <i>(El testigo</i>,
1969). Este último filme es emblemático por ser el primero que critica
frontalmente <span lang="es-419">a </span>la
burocracia comunista, <span lang="es-419">al </span>mostra<span lang="es-419">r</span> la manera <span lang="es-419">como</span> se negociaban ciertos
cargos en los días de posguerra, cuando Rákosi llegaba al poder. <o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
Un poco antes de
esa época, hacia 1958, también es
importante reseñar el surgimiento del Estudio Béla Balázs, creado informalmente
por estudiantes de cine que realizaban el trabajo con sus propios recursos. Es<span lang="es-419">to</span> les daba la oportunidad
de abrirse al mundo de lo experimental y lo vanguardista, con <span lang="es-419">lo cual</span> se sobreponían a los
intereses de censura que pudiera presentar<span lang="es-419">les</span> el Comité de las Artes Cinematográficas, <span lang="es-419">que</span> respondía a la lógica estatal.<o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
También fueron
destacadas en <span lang="es-419">esos años</span>
las directoras Márta Mészáros y Judit Elek. Ellas <span lang="es-419">recibirían</span> una mayor influencia del <i>neorrealismo</i> y del <i>Cinéma Verité</i>, y por eso le apostaron a construir un “cine
realista”<span lang="es-419">,</span> que
precisamente no encuadraba <span lang="es-419">en</span>
la peligrosa idealización que se venía haciendo de los procesos socio-políticos.
En este marco surge Miklós Jancsó<span lang="es-419">,</span> para empezar a construir ese sello estilístico que lo haría
inolvidable y que nos lleva en esta ocasión a indagar más sobre su obra. Márta
Mészáros estuvo casada con Jancsó entre 1960 y 1973. Es preciso mencionar además
al más internacional de los autores húngaros, István Szabó, quien aportó el
gran éxito a la cinematografía de su país: el Oscar de la Academia en 1982 por
su película <i>“Mefisto”.<o:p></o:p></i></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: center;">
<b>Pasión por la historia y reivindicación de los marginados<o:p></o:p></b></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%;">
<br /></div>
<div align="right" class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: right;">
<i>¿Dónde, dónde están mis amos?<o:p></o:p></i></div>
<div align="right" class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: right;">
<i>En el pasado aparecían sin siquiera ser
llamados.<o:p></o:p></i></div>
<div align="right" class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: right;">
<i>Venían antes del primer repique de las
campanas,<o:p></o:p></i></div>
<div align="right" class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: right;">
<i>a través de yermos parajes: locos, poetas,<o:p></o:p></i></div>
<div align="right" class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: right;">
<i>santos alcohólicos; venían desde los
pantanos de la noche,<o:p></o:p></i></div>
<div align="right" class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: right;">
<i>sosteniendo la peonía rota de Hungría en sus
manos.<o:p></o:p></i></div>
<div align="right" class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: right;">
<br /></div>
<div align="right" class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: right;">
<b><i>Sándor
Csoori<o:p></o:p></i></b></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgf74AUhTvdPqQMIS0-2YtPVVfGV-BSGQ8r5UHulOyrFViIuo3RQklqNhSbBsr2uJgDdSKynowAb4QT8Bhi1jNDjHLFfz0GI05PYDdv8gVJChNuXvS8naVqJv0_fHkn2ncMkjOHtD0a6J4/s1600/Los-rojos-y-los-blancos-.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="330" data-original-width="600" height="220" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgf74AUhTvdPqQMIS0-2YtPVVfGV-BSGQ8r5UHulOyrFViIuo3RQklqNhSbBsr2uJgDdSKynowAb4QT8Bhi1jNDjHLFfz0GI05PYDdv8gVJChNuXvS8naVqJv0_fHkn2ncMkjOHtD0a6J4/s400/Los-rojos-y-los-blancos-.jpg" width="400" /></a></div>
<br />
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
Miklós Jancsó
nació hacia 1921 en Vác, población
al norte de Budapest. Sus orígenes se remontan a la región de Transilvania<span lang="es-419">,</span> donde había nacido su
padre, mientras que su madre provenía de Rumania. Creció en medio de dos tradiciones
que pretendían ser dominantes y que convocaban hacia sus propios entornos
culturales<span lang="es-419">,</span> aunque
finalmente <span lang="es-419">Jancsó </span>se
quedaría en Hungría, donde desarrolló la mayor parte de su obra, sin dejarse
tocar por ese nacionalismo que mistifica y convoca a cerrar las fronteras.
Antes bien, <span lang="es-419">Jancsó </span>retornó
con frecuencia al pasado húngaro<span lang="es-419">,</span> pero para desnudar la herida y mostrar quiénes han sido las
verdaderas víctimas a lo largo de los años.<o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
Durante su
adolescencia, Jancsó interactuó con diversos grupos humanos asentados en
Transilvania (sajones, armenios, judíos, rumanos) y recorrió<span lang="es-419">, cuando era</span><span lang="es-419"> </span><i>boy scout</i>, pueblos húngaros que tenían como característica común
la resistencia a<span lang="es-419">l</span>
influjo de la tradición alemana. Ese acercamiento con las expresiones populares
de su entorno le gener<span lang="es-419">ó</span>
un gran interés por la etnología, al tiempo que se empezaba a solidarizar con
las luchas de los pueblos <span lang="es-419">que
defendían</span> su cultura. <span lang="es-419">Aquellos
f</span>ueron los años en que surgió <span lang="es-419">su</span> interés por el estudio de las artes dramáticas, aunque
finalmente se matricularía para estudiar Derecho, carrera que terminó pero no
ejerció. En 1945, cuando buscaba ingresar a la Academia de cine y teatro en
Budapest, conoció a Béla Balázs, quien lo persuadió para que optara por el
estudio del cine. <span lang="es-419">Desde ese
momento</span> empezó un acercamiento con el gran teórico y crítico, quien por
esos días empezaba a recopilar los archivos de películas húngaras. Finalmente,
Jancsó se graduaría en la Escuela Superior de Arte Dramático y Cine hacia 1950.
Durante el mismo tiempo, alternó sus estudios con los de etnografía e historia
del arte. Y aunque se dedicó al cine, no pudo abstraerse de ese rico caudal de
conocimientos que lo alimentó, tal como lo vemos en sus filmes, llenos de
alegorías simbólicas y de exaltaciones a las prácticas propias de los pueblos,
así como de una particular relación con los actores. Su interés por el teatro
se fortalecería en la década de l<span lang="es-419">os setenta</span> cuando dirigió
algunas obras, de las cuales no se tiene mucha referencia<span lang="es-419">,</span> puesto que se presentaron en círculos
muy cerrados.<o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
El debut de
Jancsó como realizador cinematográfico estuvo centrado en la producción de
documentales y noticiarios. Él no las considera grandes piezas<span lang="es-419">,</span> pero rescata de ellas la
oportunidad que le brindaron para aprender el oficio de hacer cine y para
recorrer el país y ver la realidad de lo<span lang="es-419"> en él acontecía</span>, aunque no tenía ninguna pretensión de “mostrar”
la realidad a través de sus trabajos, pues no creía que el cine siempre pudiera
hacerlo<span lang="es-419">. A</span>ntes bien,<span lang="es-419"> Jancsó</span> sentía que con los
noticiarios que organizaba ya estaba entrando en los terrenos de la ficción<span lang="es-419">; de ahí que </span>su paso a la
realización de largometrajes de ficción no fue nada difícil. Este tránsito tuvo
lugar en 1958 con <i>Las campanas se han ido
a Roma</i>, filme que se inscribe en la tendencia del <i>realismo socialista</i>. Es el momento de anotar que en 1945 Jancsó se
había afiliado al Partido Comunista de Hungría y que sus primeros trabajos
respondían a la lógica estética que <span lang="es-419">se marcaba desde </span>el Partido<span lang="es-419">; l</span>uego de los sucesos de 1956, cuando el gobierno comunista
controló a sangre y fuego el levantamiento popular, se desencantaría de sus
procedimientos y se desafiliaría de<span lang="es-419"> esa organización</span>. Ya hacia 1965, cuando tuvo su primera gran
aparición internacional, se podría decir que Jancsó estaba bastante alejado del
entorno comunista<span lang="es-419">,</span>
aunque seguía reivindicando su pensamiento de izquierda, utópico pero realista,
antiautoritario y escéptico.<o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
Se puede
considerar a <i>Cantata</i> (1963) como la
primera obra “personal” de Jancsó, con un sello de autor que empezaba a delinearse.
Este filme es un homenaje a Antonioni, su primer gran inspirador; de<span lang="es-419">l cual</span> retomó las tomas
largas, los encuadres en continua reconstrucción, los personajes en permanente
movimiento y la narrativa deslizándose hacia lo poético; el bello cierre del
filme así lo confirma: “Si la luz del cielo ciega tu vista / no culpes al sol,
sino a tus ojos”. <span lang="es-419">Esta
hermosa</span> cita<span lang="es-419">,</span>
extraída de la novela <i>Oldas és Kötés</i><span lang="es-419">,</span> de Jozsef Lengyel, <span lang="es-419">le</span> sirvió como base para el
guion. Aunque posteriormente Jancsó se alejaría del tratamiento psicológico de
los personajes, en esta primera obra alcanza a desarrollar una cierta
introspección en los mundos complejos de los sujetos. Su siguiente
largometraje, <i>Mi regreso a casa</i>
(1964) tiene un matiz autobiográfico y sirve como introducción a los temas
políticos e históricos<span lang="es-419">,</span>
recurrentes en sus filmes de <span lang="es-419">las
décadas de los años sesenta y setenta</span>. En cierta forma<span lang="es-419">, Jancsó</span> recuerda los días de cautiverio
que padeció el autor<span lang="es-419"> mismo</span>
durante la Segunda Guerra Mundial, pero nos propone un tono optimista,
expresado en la amistad que surge entre el cautivo y quien lo vigila. En este
trabajo, Gyula Hernádi comienza a ser el guionista de Jancsó, actividad que
desarrolló hasta <span lang="es-419">comienzos d</span>el
siglo XXI.<o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="es-419">El año </span>1965 <span lang="es-419">marca el momento </span>en que
Miklós Jancsó se d<span lang="es-419">a</span> a
conocer ante el mundo cinematográfico<span lang="es-419">: es en este punto cuando comienza</span> una carrera ascendente que
mantuvo su regularidad durante <span lang="es-419">por
lo</span> menos dos décadas. <o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
Se pueden
distinguir en la obra de Jancsó dos importantes trilogías: <span lang="es-419">la </span>de la historia y la de los
filmes-ballet. La primera comienza con <i>Los
desesperados</i><i> </i>(1965), filme que sirve como punto de partida para una
reflexión sobre la manera como el cine puede llegar a ver la historia. <o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
Hay un año
emblemático en la historia de Hungría<span lang="es-419">, el </span>de 1848, cuando <span lang="es-419">estall</span>ó la revolución contra la monarquía de los Habsburgo. En
realidad, <span lang="es-419">esta era </span>una
revolución burguesa liberal de carácter nacionalista que contó con el apoyo del
campesinado<span lang="es-419">,</span> pero que
finalmente fracasó<span lang="es-419">,</span>
aunque dejó la inquietud sobre la importancia de romper el atraso feudal y las
relaciones coloniales. Es importante tener en cuenta que la Hungría de esa
época era un país con más de la mitad de la población compuesta por minorías
étnicas<span lang="es-419">; era, a</span>simismo,
eminentemente agrícola, atrasado y con una nobleza que poseía gran parte de las
tierras. Después de 1848<span lang="es-419">
empiezan a aparecer en el país </span>las relaciones de producción capitalista,
con lo cual surge una clase obrera que empezará a organizarse y a luchar por
sus derechos. Hacia 1867 aparece la primera organización obrera, formada por
socialistas y anarquistas. Y precisamente, la historia de <i>Los desesperados</i> se ubica en la Revolución de 1848<span lang="es-419">,</span> pero no para contarnos hechos grandilocuentes ni para
decirnos <span lang="es-419">acerca d</span>el
bando triunfador o <span lang="es-419">del</span>
héroe que se debe inmortalizar, sino para mostrarnos pequeñas situaciones que suceden en una especie de campo de
concentración ubicado en medio de la nada (la vasta llanura húngara)<span lang="es-419">,</span> donde las tropas húngaras mismas ajustician a unos pobres
desarrapados <span lang="es-419">a los </span>que
consideran bandidos. El discurso político del momento es visto desde la óptica
de Jancsó como algo <span lang="es-419">vacío</span>
que termina justificando el autoritarismo, pues <span lang="es-419">como </span>los problemas sociales continuaban (“Los
pobres muchachos… siguen asaltando y generando desorden<span lang="es-419">” s</span>e nos dice en el prefacio de la
película<span lang="es-419">, y por tanto</span><span lang="es-419"> </span>“el estamento gubernamental debe controlar los desmanes,
las bandas…”<i>, </i>con la represión, por
supuesto<span lang="es-419">)</span>. Este es el
postulado político-discursivo de donde arranca el filme, <span lang="es-419">que</span> se irá desnudando para mostrarnos
que lo más importante de corroborar es que siguen existiendo ajusticiamientos,
persecuciones, delaciones, <span lang="es-419">suicidios,
</span>asesinatos con el fin de escarmentar, <span lang="es-419">y </span>presiones para convertir a los
paisanos en informantes. Más allá de querer mostrar las agresiones a una
ideología salvadora o el sacrificio de algún mártir que representa el modelo<span lang="es-419">,</span> Jancsó quiere enrostrarnos
algo que permanece: las dinámicas carcelarias, las amañadas formas de juzgar y
las estrategias para burlar las penas (en el filme, el número de muertos que
cada prisionero carga a sus espaldas determina un juego acusatorio perverso
para salvarse de la horca, pues “necesariamente” habrá otro que tenga más
crímenes a cuestas, y a ese que se debe ubicar para luego señalarlo). Al final,
apelando a cierto tono kafkiano, se imponen la quietud, la espera, el agobiante
sol, la humillación y la demostración del poderío militar encarnado en sus
símbolos<span lang="es-419"> – la </span>marcha, <span lang="es-419">la</span> milicia, <span lang="es-419">el</span> acento<span lang="es-419"> –</span>. <o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="es-419">C</span>uando repetidas veces se le
preguntó a Jancsó si el mensaje cifrado que había <span lang="es-419">tras</span> la película <span lang="es-419">aludía </span>a los hechos de 1956, antes que
responder favorable o desfavorablemente, reiteraba que su verdadero interés era
mostrar que “hay personas que quieren ser libres y hay quienes los reprimen”; <span lang="es-419">por supuesto, </span>esto va más
allá de los sucesos de<span lang="es-419"> aquel
año y</span> se dirige hacia todos los lugares donde haya represión.<o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
En coproducción
con la Unión Soviética y para conmemorar el 50 aniversario de la Revolución de
Octubre, Jancsó rodó en 1967 <i>Los rojos y
los blancos</i>. La particular mirada del director logra sobrepasar la
exaltación que pretendía dársele desde el lado soviético, pues<span lang="es-419">,</span> para empezar, ubica la
historia en la estepa del sur de Ucrania hacia 1919 (este año <span lang="es-419">alude</span>, ante todo, a la
instauración de la primera república comunista húngara bajo el mando de Béla
Kun) y muestra una brigada internacionalista conformada por gran número de
húngaros que luchan junto a los bolcheviques en la guerra civil rusa que tenía
lugar desde 1917<span lang="es-419">,</span> y
que enfrentaba a las fuerzas zaristas (blancos) <span lang="es-419">– </span>que buscaban reconquistar el poder<span lang="es-419"> – c</span>on los comunistas
(rojos) que pretendían expandir la efervescencia revolucionaria por toda
Europa.<o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
Es notable la
manera como el director, con libertad creativa y pericia analítica, se aproxima
a unos hechos tan complejos y los revivifica para exaltar la lucha popular,
pero sin negar las fisuras que permean a las dos fuerzas en contienda. A<span lang="es-419">sí, al</span> principio del filme
no es muy clara la identificación de los blancos y los rojos, ni por su atuendo
ni por sus actuaciones. Todos parecen utilizar los mismos métodos y los mismos
recursos<span lang="es-419">,</span> para
humillar y desprestigiar al enemigo e incluso a sus propios copartidarios. Hay
reclutamientos, persecuciones, deseos de borrar de la memoria al otro y<span lang="es-419">,</span> finalmente<span lang="es-419">,</span> asesinatos, que además son
rituales macabros. Una secuencia de extrema crueldad nos muestra el asesinato
de un rojo, luego de obligarlo a cantar un himno zarista, supuestamente para
que se <span lang="es-419">le concediera</span>
la libertad. Pero también hay una bella variación de <i>tempo</i> (aunque la temática gira en torno a la humillación) en
aquella secuencia que tiene lugar en medio de un espléndido bosque, cuando
obligan a las enfermeras a bailar un vals entre ellas, vestidas elegantemente,
y con el asedio de la muerte en cada paso; es ese el mismo momento en que
irrumpe (casi que por única vez) una música popular que exalta el idílico
paisaje y le suma profundidad a la miseria. Finalmente, antes que elogiar el
proceso de la guerra, la película reafirma <span lang="es-419">su</span> absurdo. Las palabras de una enfermera nos reitera que con la
guerra seguimos sembrando en la sombra: “Debemos grabarnos los nombres de los
muertos… por sus familias”<span lang="es-419">;
en otras palabras, al</span> final, los muertos ni siquiera pueden aspirar a un
nombre.<o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<i>Silencio y grito</i><span lang="es-419">,</span> de 1968, cierra la Trilogía de la
historia<span lang="es-419">. Esta película se
ubica,</span> al igual que la anterior<span lang="es-419">,</span> en 1919, año en que se intentaba crear una república comunista
húngara (República de los Consejos)<span lang="es-419">,</span> independiente del gobierno soviético. Las líneas comunes <span lang="es-419">de Jancsó </span>en <span lang="es-419">su</span> forma de apropiarse la
historia <span lang="es-419">muestran </span>aquí
su continuidad, aunque<span lang="es-419"> en
este caso</span> reduce<span lang="es-419">n</span>
el relato a una historia personal: un joven militante del proyecto político en
ciernes se refugia en una casa campestre<span lang="es-419">,</span> con la complicidad de un comandante militar y de dos hermanas
que lo acogen. Las peripecias para mantenerse incógnito resultan menos
representativas que el conflicto moral al <span lang="es-419">que</span> se enfrenta cuando descubre los actos criminales de las
hermanas, pues delatarlas significa<span lang="es-419">ría</span> el ajusticiamiento de todos. De nuevo, <span lang="es-419">el director pone sobre la mesa </span>las
dinámicas del poder<span lang="es-419">,</span>
para interrogar los acontecimientos de 1919, ese año tan particular y complejo
para el país magiar.<o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi1oiofg7-VKP9LRy8vnjd2K6egq01g_I5wZ9lRHiF-0ItQ4whxj2VUs7_-trvDZJFrxW99p-rmqoJcyFMG1SfasEYo8nL-JmPn-MZ4LCv34M4k_Q9wZczPWykktiBwmhKEfwlaAeRqJsE/s1600/Salmo+rojo.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="577" data-original-width="800" height="287" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi1oiofg7-VKP9LRy8vnjd2K6egq01g_I5wZ9lRHiF-0ItQ4whxj2VUs7_-trvDZJFrxW99p-rmqoJcyFMG1SfasEYo8nL-JmPn-MZ4LCv34M4k_Q9wZczPWykktiBwmhKEfwlaAeRqJsE/s400/Salmo+rojo.jpg" width="400" /></a>Es importante
anotar que con <i>Silencio y grito</i> se
cierran los trabajos en blanco y negro de Jancsó, al tiempo que se inicia el
trabajo fotográfico de János Kende, <span lang="es-419">quien alcanzaría</span> sus máximos logros en los filmes de los setenta.
Hasta ese momento Tamás Somló
había trabajado como director de fotografía,<span lang="es-419"> y era él </span>quien le <span lang="es-419">había dado</span> a los filmes de Jancsó ese sello particular al
desplazar la cámara como trazando pinceladas para mantener equilibrados los
encuadres durante largos planos abiertos, con la exaltación<span lang="es-419">, asimismo,</span> del claroscuro, la
iluminación natural y la profundidad de campo. Son pocos los primeros planos
que se observan en esos trabajos inaugurales, pero tienen cierta intensidad
(más por la desesperación que transmiten), mientras que algunos picados sirven
para empequeñecer a las masas y al mismo tiempo redimensionarlas en su
potencial poderío.<o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
Con su siguiente
película, <i>La confrontación</i> (1968)<span lang="es-419">,</span> Jancsó incluye (además del
color) la danza y la canción popular<span lang="es-419">es</span> como algo representativo del relato, así como las alegorías y
los rituales. Por esos mismos años, el director empezó a realizar algunos
trabajos fuera de su país, debido principalmente a la relación afectiva que
entabló con la guionista italiana Giovanna Gagliardo, con quien rodó en el país
itálico <span lang="es-419">cinco</span>
películas durante <span lang="es-419">la década
de </span>los setenta. <i>Sirocco en
invierno</i> (1969) que contó con producción francesa<span lang="es-419">,</span> y <i>La
pacifista </i>(1970)<span lang="es-419">,</span>
realizada en Italia, son dos trabajos que tienen un cierto espíritu heredero de
Mayo del 68, puesto que exalta acciones emprendidas por militantes de izquierda
no comunistas; en la primera, es un anarquista el que concita a la unidad entre
varios prisioneros<span lang="es-419">;</span> y
en la segunda, un guardia rojo de carácter pacifista es asesinado por sus
propios compañeros.<o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
Finalmente, es
importante resaltar que aunque en Jancsó hay una pasión por la historia, <span lang="es-419">gracias a </span>los
micro-acontecimientos que se engrandecen y le dan vida a los “hechos relevantes”,
él reconoce no hacer películas
históricas. <span lang="es-419">En efecto</span>,
<span lang="es-419">lo que quiere Jancsó es </span>expresar
su punto de vista sobre el mundo y para ello recurre a hechos históricos de los
cuales se puedan sacar reflexiones que permane<span lang="es-419">zcan</span>. <o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: center;">
<b>El ritual del movimiento<o:p></o:p></b></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%;">
<br /></div>
<div align="right" class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: right;">
<i>“El espacio recorrido es pasado, el
movimiento es presente, es el acto de recorrer. El espacio recorrido es
divisible, e incluso infinitamente divisible, mientras que el movimiento es
indivisible, o bien no se divide sin cambiar, con cada división, de naturaleza”<o:p></o:p></i></div>
<div align="right" class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: right;">
<b><i>Gilles
Deleuze</i></b><a href="file:///D:/CINE%20SENTIDO%202.docx#_ftn2" name="_ftnref2" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><i><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><b><span style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">[2]</span></b></span><!--[endif]--></i></span></a><i><o:p></o:p></i></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
Retomando
algunos de los elementos <span lang="es-419">trabajados</span>
por Gilles Deleuze (aunque en su magna obra no encontremos referencias a
Jancsó)<span lang="es-419">,</span> podemos
aproximarnos al trabajo realizado por el director húngaro (desde <span lang="es-419">los</span> primeros filmes ya
mencionados<span lang="es-419">,</span> pero
especialmente <span lang="es-419">en</span> tres
de los realizados en los años setenta) y
considerarlo como cine del movimiento o <i>filmes-movimiento</i>
que desarrollan esa primera tesis bergsoniana, la cual nos anuncia el
movimiento como algo presente, cuya naturaleza reside en el recorrer permanente.
De ahí que los cortes generados por los planos adquieran <span lang="es-419">en el cine </span>movilidad, heterogeneidad,
dinámica<span lang="es-419">; nunca</span>
quietud ni atemporalidad.<o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
Pocos directores
como Jancsó tuvieron tanta claridad acerca de lo que suponía liberar la cámara,
darle esa apertura hacia la temporalidad que atraviesa los espacios delimitados
por el encuadre y <span lang="es-419">nos pone </span>frente
a nuevas posibilidades perceptuales. La cuestión de moral a la que aludía
Godard cuando pensaba en los <i>travellings</i>
se convierte en Jancsó en una propuesta estilística, desafiante, marginal<span lang="es-419">,</span> pero llena de
insinuaciones para la producción audiovisual. El uso del plano-secuencia que se
venía afianzando con las nuevas olas de la época, en Jancsó también tenía su
particularidad: buscaba ante todo aproximarse a la realidad siguiendo el
comportamiento de los actores, pues consideraba que era en los planos largos
donde se podría gozar de cierta libertad para expresar un gesto, un caminar,
una manera de desplazamiento. Era, además, un intento de imitar la vida en sus
maneras más simples. Sin embargo, no se puede tildar la obra de Jancsó como una
apuesta ingenua por el <i>naturalismo</i>;
él va mucho más allá y propone otra manera de trabajar tanto el realismo como
el naturalismo. Su distancia frente al montaje expresaba resistencia a una
forma de narrar, de manejar las emociones<span lang="es-419">,</span> de estructurar un filme. Con esta <span lang="es-419">postura</span> se apartaba de las dinámicas
predominantes impuestas desde Hollywood<span lang="es-419">,</span> pero también de ese legado a favor del montaje, tan promulgado
por el realismo socialista, en el que había inscrito sus primeros trabajos.
Claro que el director también manifestaba tener una dificultad para hacer los cortes en las secuencias
(confesaba, por ejemplo, nunca entender el <i>plano
contra plano</i>) y por eso prefería reemplazarlos por movimientos de cámara<span lang="es-419">; a</span>demás, sostenía que esto
le resultaba más rápido y económico. Las secuencias largas las <span lang="es-419">filmaba</span> con la cámara en
movimiento sobre rieles de <span lang="es-419">setenta
a cien</span> metros. Construía la escena en función de los rieles, siempre
improvisando los movimientos, sin repetir más de dos o tres veces la misma
situación<a href="file:///D:/CINE%20SENTIDO%202.docx#_ftn3" name="_ftnref3" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">[3]</span></span><!--[endif]--></span></a>.<o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
La denominada <i>Trilogía de los filmes-ballet</i> está
compuesta por <i>Agnus Dei</i> (1970), <i>Salmo rojo</i> (1971) y <i>Electra, mi amor</i> (1974), todas ellas fueron realizados en Hungría.
Son los filmes <span lang="es-419">estéticamente </span>más
arriesgados y radicales<span lang="es-419">;
todos tienen</span><span lang="es-419"> </span><span lang="es-419">en </span>común la economía de planos (no
sobrepasan los <span lang="es-419">veinte</span>),
la danza de la cámara alrededor de los personajes, el movimiento incesante de
los actores, las danzas, los cánticos, las alegorías, los rituales. La más
enigmática de las tres películas es <i>Agnus
Dei</i>, cuyo nombre <span lang="es-419">remite</span><span lang="es-419"> </span><span lang="es-419">al</span>
ritual católico donde se le canta al “cordero de Dios”. Ubicada nuevamente en
1919, ahora es el tono apocalíptico el que se cierne sobre los personajes en
pugna: blancos y rojos representan la lucha entre Dios y Satán. Hay un marcado
interés del director por desacralizar el credo católico<span lang="es-419">; así, a</span>pelando a <span lang="es-419">la </span>simbología propia de dicho entorno,
logra desnudar la falsa mansedumbre, el apego al poder, la condena del
diferente<span lang="es-419">,</span> y el camino
del sacrificio que desemboca en la muerte. Asistimos pues a una representación
del Juicio Final, lo <span lang="es-419">cual</span>
dice mucho de un país que, para el momento en que se ubica la película, no sabe
hacia dónde va.<o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<i>Salmo rojo</i> es quizá el trabajo más
recordado de Jancsó, no solo por haber ganado en Cannes el premio a mejor
director, sino por <span lang="es-419">la</span>
fuerza de la puesta en escena<span lang="es-419">,</span>
que revive los momentos de efervescencia en que surgieron los movimientos
campesinos durante el siglo XIX. El guionista Gyula Hernádi, tras haber
encontrado en la Biblioteca Nacional un cuaderno con unos antiguos <i>salmos socialistas</i>, se propuso <span lang="es-419">elaborar</span> un relato a partir
de <span lang="es-419">ellos</span>, <span lang="es-419">y le dio a</span> la presencia
femenina un lugar central en la expresión del sentimiento revolucionario. La
estructura narrativa está <span lang="es-419">apoyada</span>
por las letras de los cánticos. <span lang="es-419">Así, d</span>esde el inicio y a
lo largo de todo el filme, alternadamente se escuchan distintas versiones de <i>La Marsellesa </i>y de <i>La Varchavianka<a href="file:///D:/CINE%20SENTIDO%202.docx#_ftn4" name="_ftnref4" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><b><span style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">[4]</span></b></span><!--[endif]--></span></a></i>, aderezadas con la
envolvente voz de Tamás Cseh, el gran cantautor húngaro que a partir de esta
película acompañar<span lang="es-419">ía</span> a
Jancsó en algunos de sus trabajos. Las proclamas campesinas abogan por
“derechos para el pueblo”, se afianzan con la declaración de permanecer “todos
juntos” y vislumbran un mañana en el que “serán hombres libres”<span lang="es-419">(</span><i>“</i>Sobre nuestras cabezas la tempestad resuena / con los rayos
malditos del infierno /<i> </i>hoy empieza
la lucha final”<span lang="es-419">)</span>. <span lang="es-419">A</span>legorías<span lang="es-419"> de toda suerte </span>circulan desafiando y
confrontando los poderes<span lang="es-419">,</span>
pero<span lang="es-419">,</span> al final, el
escepticismo de Jancsó vuelve a expresarse a través de la emotiva y poética
canción de Cseh, una de esas referencias
musicales que logran hacerse inolvidables: <o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<i>“¿Cuáles son las tres reglas de la muerte? /
Primero la carreta roja /después la verde hierba / y después la ciega locura /
Janós Szanto ha muerto / y siempre hasta el final / hasta el final del final. /
Es bien cierto, es así, / la piedra será dura / la mantequilla blanda”</i>. <o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
Jancsó nos
regala un bello filme<span lang="es-419">,</span>
no exento de críticas <span lang="es-419">de</span>
ciertos sectores<span lang="es-419">,</span> que
lo consideraron manierista, almibarado y fuera de contexto. Sin embargo, el
paso de los años ha servido para confirmarnos que este trabajo permanece con
gran fuerza y siempre logra revivir esa utopía exaltada desde el esperanzador
siglo XIX, como un camino aún por recorrer.<o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
Con <i>Electra, mi amor</i>, Jancsó hace su trabajo
formal aún más depurado. En solo <span lang="es-419">doce</span> planos logra revivir la tragedia de Electra sin ningún
escenario, solamente apropiándose de un gran espacio: la <i>puszta</i> (llanura húngara), <span lang="es-419">el</span> lugar preferido por el director hasta los años <span lang="es-419">ochenta</span>, cuando dirigió su
mirada hacia los entornos urbanos. Es la <span lang="es-419">misma </span>envolvente llanura que tan bellamente cantó el poeta Sándor
Petofi: “Es en el llano extenso como el mar / donde mi hogar está/ y mi alma
libre vuela como un águila/ por la estepa infinita”. <span lang="es-419">Tal como en</span> el texto griego, Electra
(“la que no olvida”) vuelve a ser adalid de la ley y la justicia, y con furia y
desparpajo arremete contra los tiranos: “Malditos sean los tiranos y bendito
sea cada hombre que resiste a la tiranía”. El pueblo es convocado por Electra
para vencer el miedo que los ata al tirano y por eso les recuerda que tienen la
fuerza para volver a empezar cada día. Con una sugestiva presencia al final del
filme (un helicóptero rojo al que se sube Electra junto a Orestes) se <span lang="es-419">evoca e</span>l pájaro de fuego que
debe morir cada día para renacer al siguiente con el espíritu de libertad. La
salmodia roja termina cuando el tirano ha muerto y se puede pronunciar la nueva
alocución: “Bendito sea su nombre, ¡Revolución!”. La Electra de Jancsó es un
personaje <span lang="es-419">que se mueve
continuamente y</span> sus pasos coreografiados se inscriben en la radicalidad
del movimiento que el director ha llevado a su límite. Su más importante
apuesta es por darle vida a <i>un cine del
movimiento. </i>Desde antes<span lang="es-419">,
Jancsó</span> ya nos había dicho que “las secuencias largas son la verdadera
expresión del filme: son el filme mismo”<a href="file:///D:/CINE%20SENTIDO%202.docx#_ftn5" name="_ftnref5" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">[5]</span></span><!--[endif]--></span></a>. Y
también había sostenido en alguna ocasión que “l<span style="background: white;">a
vida parece un movimiento continuo” y que este movimiento es “físico y también
filosófico: la contradicción se basa en el movimiento, el movimiento de ideas,
el movimiento de las masas”. Esa materialidad de las imágenes coincide con lo
planteado por Deleuze, cuando asevera que el</span> cine es capaz de liberar el
movimiento, puesto que <span lang="es-419">forma</span> parte de las imágenes materiales (inmanentes)
que no siempre dependen de la mirada humana (subjetividad)<a href="file:///D:/CINE%20SENTIDO%202.docx#_ftn6" name="_ftnref6" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">[6]</span></span><!--[endif]--></span></a>.<o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
Consider<span lang="es-419">o</span> que <i>Electra</i><i><span lang="es-419">, mi amor </span></i>es el filme de Jancsó que
marca un punto de llegada. Con él cierra un camino de exploración que lo puso
en un lugar estético y formal muy alto, <span lang="es-419">y que</span> sirvió <span lang="es-419">como</span>
referencia para directores como Angelopoulos, Tarr y Sokurov. El director mismo
presentía que no podía ir más allá, que la exploración debía<span lang="es-419"> ya</span> tomar otro rumbo. Tras la
realización de este filme<span lang="es-419">,
Jancsó</span> declaraba: “Empiezo a sentir miedo de
mi propio lenguaje. Creo que mi universo se ha cerrado demasiado. No me gustan
los universos cerrados y si aceptase encerrarme en el mío entraría en
contradicción conmigo mismo, con mis convicciones”<a href="file:///D:/CINE%20SENTIDO%202.docx#_ftn7" name="_ftnref7" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span style="color: black; font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">[7]</span></span><!--[endif]--></span></a>.
Quizás por esa razón, emprendió la realización de sus películas en Italia,
donde tuvo su mayor éxito con <i>Vicios
privados, públicas virtudes</i> (1976), la cual tuvo gran circulación
internacional, debido principalmente a la presencia de la temática erótica, que
por esos años empezaba a inundar las pantallas del mundo.<o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg8NRrm1K_T3yUza_Ttg18rGKptFVAdXMMT65Qz-xhuq382jo0gqlRuhPqFdMZ4Xq2S3rmKPfphiv1OhDIM2w13c5-HKCChcZ2WCQVu3eyjWNhW0rWmd3zGV067bk2B4B5HlbZelqwhn_Y/s1600/Electra+mi+amor.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="720" data-original-width="1280" height="225" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg8NRrm1K_T3yUza_Ttg18rGKptFVAdXMMT65Qz-xhuq382jo0gqlRuhPqFdMZ4Xq2S3rmKPfphiv1OhDIM2w13c5-HKCChcZ2WCQVu3eyjWNhW0rWmd3zGV067bk2B4B5HlbZelqwhn_Y/s400/Electra+mi+amor.jpg" width="400" /></a><o:p> </o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
Con este breve recorrido por <span lang="es-419">una </span>parte
de la obra de Jancsó, además de rendirle un homenaje al director, busc<span lang="es-419">o</span> revivir sus propuestas estilísticas y sacar del olvido una
obra <span lang="es-419">muy</span> rica para el estudio cinematográfico. Es muy difícil de
olvidar<span lang="es-419">,
además, </span>el manejo actoral que le dio a sus
películas. Con los actores tenía poco diálogo, había poca explicación,
pues buscaba que ellos asumieran el riesgo de seguir al director en sus
indicaciones generales (es decir, que tuvieran un acto de confianza, de
entrega, como consecuencia del oficio de actor). Es común encontrar secuencias
largas <span lang="es-419">en las que</span> los
actores hablan poco<span lang="es-419">,</span>
pero en cambio se mueven mucho. Se prioriza y se intensifica el lenguaje
corporal, <span lang="es-419">con lo cual se
genera</span> un gran vínculo con el universo teatral, aunque casi todo era
improvisado durante los rodajes. <span lang="es-419">Jancsó les </span>pedía a los actores que comprendieran las situaciones
y las confrontaciones (tensiones) mientras se estaba filmando. Por su puesto,
esto requería de humildad y contemplación por parte del actor (es preciso
anotar que muchos de ellos eran amigos personales de Jancsó, con quienes había establecido un equipo de
trabajo). De esta manera, el actor era indiferente, frío<span lang="es-419">,</span> no participaba en el personaje del
filme. Se presenta <span lang="es-419">así </span>un
doble juego de distanciamiento<span lang="es-419">:
</span>un no sentir del actor, una ausencia de psicología y<span lang="es-419">,</span> por tanto, de tragedia. Por eso es
común ver más <span lang="es-419">presencia de </span>grupos
que <span lang="es-419">de </span>personajes
individuales. El director no pretende hacer filosofía ni psicología con sus
trabajos. Para él existen los <i>movimientos</i>
de los actores como material natural. Debido al gusto que tenía por los <i>westerns</i> de Jonh Ford, había optado por
preferir la acción y la reciedumbre de los personajes a <span lang="es-419">su</span> psicologización. <span lang="es-419">También e</span>s muy común en sus filmes el
desnudo<span lang="es-419">,</span> pero sin
connotaciones eróticas, aunque sí elegía cuerpos bellos y paisajes claros (por
un cierto gusto clasicista que él mismo reconoció). Disfrutaba el movimiento de
los cuerpos jóvenes integrados con la naturaleza. El cuerpo era tratado como
extensión de la naturaleza en su expresión más auténtica<span lang="es-419">, a</span>unque<span lang="es-419">,</span> en algunos filmes, la desnudez hacía
referencia a la humillación.<o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
En Jancsó encontramos una síntesis de Antonioni (en
las composiciones amplias para pantallas gigantes y en los paisajes<span lang="es-419"> que,</span> aunque austeros,<span lang="es-419"> están </span>llenos de alegorías);
de Bresson (con esos actores impasibles y con la exageración en el diseño del
sonido); de Welles (a través de los <i>travellings</i>
exuberantes que bordean los espacios y construyen finas coreografías); y del
teatro del absurdo (<span lang="es-419">por</span>
momentos, los personajes, en una suerte de pesimismo desolado, parecen dirigi<span lang="es-419">rse</span> hacia un mundo vacío,
con una fe ciega en la historia y la revolución). Desde sus inicios como
documentalista, Jancsó <span lang="es-419">jamás n</span>egó
<span lang="es-419"> su </span>preocupa<span lang="es-419">ción</span> por lo político y<span lang="es-419"> por </span>la realidad. Su postura política a
favor del socialismo está expresada en casi todas las películas de estos
primeros años. Hacía 1972 sostenía que “el peor socialismo es mejor que el
mejor capitalismo” y que el poder “siempre era del pueblo”<a href="file:///D:/CINE%20SENTIDO%202.docx#_ftn8" name="_ftnref8" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">[8]</span></span><!--[endif]--></span></a>. No
hay que desconocer que estas declaraciones se daban en el entorno de un país
socialista, en un momento de grandes aperturas a la crítica y la reflexión, y <span lang="es-419">en el que el</span> Estado cubría
la mayor parte del proceso productivo cinematográfico. Su discurso no era
partidista<span lang="es-419">,</span> pero sí se
alineaba <span lang="es-419">con</span> los
marginados y las luchas populares. <span lang="es-419">Además, Jancsó </span>no tenía reparos en denunciar los regímenes
autoritarios: “<span style="background: white;">Cuando hay opresión, siempre hay
quienes se rebelan, aunque sepan que les espera la muerte”.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span style="background: white;">Al recordar a Jancsó es imposible </span><span lang="es-419" style="background: white; mso-ansi-language: #580A;">renunciar</span><span style="background: white;"> a la contemplación de su </span><span lang="es-419" style="background: white; mso-ansi-language: #580A;">tratamiento delicado de la</span><span style="background: white;"> forma: </span>“Lo que me
interesa es la forma y si busco constantemente la mayor sobriedad formal es
precisamente para intentar eliminar el romanticismo sentimental del que tanto
hemos abusado”<a href="file:///D:/CINE%20SENTIDO%202.docx#_ftn9" name="_ftnref9" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span style="color: black; font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">[9]</span></span><!--[endif]--></span></a>. Por eso
utiliza los materiales con un sentido realista. El director es
contundente al afirmar que la imagen no significa más que ella misma. Los
decorados son naturales, la luz es natural, los actores tienen un
comportamiento libre. Y no es precisamente la narración lo que más le interese,
<span lang="es-419">pues </span>los personajes
pueden confundirse fácilmente unos con otros; usualmente no tienen nombre ni
una caracterización particular, son más bien presencias simbólicas (un tirano,
un idealista, un trovador, un libertador, un sometido) que van acompañadas <span lang="es-419">de</span> sus respectivas
alegorías: uniformes, fuego, humillación, desnudez, caballos, velas, cánticos
populares, danzas, espadas, aves, entre otras.<o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
Volver sobre la
obra de Jancsó es asistir de nuevo a la fascinación de los espacios
abiertos, de la pantalla ancha, de la
plasticidad en las escenas, de la acción fuera de campo, de la recomposición
sutil de los encuadres, de la coreografía escéptica<span lang="es-419">;</span> de la austeridad en la psicología, en
el montaje, en los efectos extraordinarios y en la música incidental. Eso<span lang="es-419"> implica</span> dejarnos llevar por
ese cine ritual y poético que no deja de convocarnos. <o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
Finalmente, qu<span lang="es-419">iero</span> remitir a la web <i>Kinoeye</i><a href="file:///D:/CINE%20SENTIDO%202.docx#_ftn10" name="_ftnref10" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">[10]</span></span><!--[endif]--></span></a>,
donde se encuentra un exhaustivo estudio sobre la obra de Miklós Jancsó,
coordinado por Andrew James Horton, uno de los mayores especialistas en el
estudio de la cultura y los cines del centro europeo.<o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<b><span lang="es-419">Bibliografía<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<b><span lang="es-419">Alberó, P.</span></b><span lang="es-419">
(2006). <i>Vientos del Este: los nuevos
cines en los países socialistas europeos (1955-1975)</i>. Valencia: Ediciones
de la Filmoteca.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<b><span lang="es-419">Deleuze, G.</span></b><span lang="es-419">
(1984). <i>La imagen movimiento. Estudios sobre
cine 1</i>. Buenos Aires: Paidós.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<b><span lang="es-419">Jancsó, M.</span></b><span lang="es-419">
(1972). Entrevista a Miklós Jancsó. <i>Primer
Plano</i>, 1<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<b><span lang="es-419">Labarrére, A.</span></b><span lang="es-419">
(2009). <i>Atlas del cine</i>. Madrid: Akal.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<b><span lang="es-419">Zunzunegui, S.</span></b><span lang="es-419"> (2006). <i>Vientos del Este: los
nuevos cines en los países socialistas europeos (1955-1975)</i>. Valencia:
Ediciones de la Filmoteca.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<br /></div>
<br />
<div>
<!--[if !supportFootnotes]--><br clear="all" />
<hr align="left" size="1" width="33%" />
<!--[endif]-->
<div id="ftn1">
<div class="MsoFootnoteText">
<a href="file:///D:/CINE%20SENTIDO%202.docx#_ftnref1" name="_ftn1" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><span lang="ES-CO"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; mso-ansi-language: ES-CO; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US;">[1]</span></span><!--[endif]--></span></span></a><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif;">André Z. Labarrére, <i>Atlas del cine</i>, Madrid, Akal, 2009.</span><span lang="ES-CO"><o:p></o:p></span></div>
</div>
<div id="ftn2">
<div class="MsoFootnoteText">
<a href="file:///D:/CINE%20SENTIDO%202.docx#_ftnref2" name="_ftn2" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><span lang="ES-CO"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; mso-ansi-language: ES-CO; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US;">[2]</span></span><!--[endif]--></span></span></a><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif;">Deleuze Gilles, <i>La imagen movimiento – Estudios sobre cine 1</i>,
Buenos Aires, Paidós, 1984.</span><span lang="ES-CO"><o:p></o:p></span></div>
</div>
<div id="ftn3">
<div class="MsoFootnoteText" style="text-align: justify;">
<a href="file:///D:/CINE%20SENTIDO%202.docx#_ftnref3" name="_ftn3" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif;"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span lang="ES-CO" style="font-size: 10pt;">[3]</span></span><!--[endif]--></span></span></a><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif;"> Entrevista a Miklós Jancsó,
Revista de cine <i>Primer Plano</i>, Vol. 1
No. 4, Valparaíso, Ediciones Universitarias, 1972.<o:p></o:p></span></div>
</div>
<div id="ftn4">
<div class="MsoFootnoteText" style="text-align: justify;">
<a href="file:///D:/CINE%20SENTIDO%202.docx#_ftnref4" name="_ftn4" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><span lang="ES-CO"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; mso-ansi-language: ES-CO; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US;">[4]</span></span><!--[endif]--></span></span></a><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif;">La <i>Varchavianka</i>, también conocida como la <i>Varsovienne</i>, es una composición polaca de 1831, que exaltaba las
luchas obreras mundiales. Inspirado en la <i>Insurrección
Polaca de Noviembre</i> de 1830, el poeta francés Casimir Delavigne, compuso la
letra original, la cual sería posteriormente traducida al polaco y desde ahí, a
otros varios idiomas con sus propias versiones. En español es muy conocida la
versión de Valeriano Orobón, que luego se convirtió en el himno <i>A las barricadas</i>, el cual ha sido
retomado por diversos sectores anarcosindicalistas españoles.</span><span lang="ES-CO"><o:p></o:p></span></div>
</div>
<div id="ftn5">
<div class="MsoFootnoteText">
<a href="file:///D:/CINE%20SENTIDO%202.docx#_ftnref5" name="_ftn5" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><span lang="ES-CO"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; mso-ansi-language: ES-CO; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US;">[5]</span></span><!--[endif]--></span></span></a><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif;">Entrevista a Miklós Jancsó,
Ibídem.</span><span lang="ES-CO"><o:p></o:p></span></div>
</div>
<div id="ftn6">
<div class="MsoFootnoteText">
<a href="file:///D:/CINE%20SENTIDO%202.docx#_ftnref6" name="_ftn6" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><span lang="ES-CO"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; mso-ansi-language: ES-CO; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US;">[6]</span></span><!--[endif]--></span></span></a><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif;">Deleuze, Gilles, Ibídem.</span><span lang="ES-CO"><o:p></o:p></span></div>
</div>
<div id="ftn7">
<div class="MsoFootnoteText" style="text-align: justify;">
<a href="file:///D:/CINE%20SENTIDO%202.docx#_ftnref7" name="_ftn7" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><span lang="ES-CO"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; mso-ansi-language: ES-CO; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US;">[7]</span></span><!--[endif]--></span></span></a><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif;">Jancsó, Miklós, citado
por Santos Zunzunegui en <i>Vientos del
Este: los nuevos cines en los países socialistas europeos (1955-1975)</i>,
Valencia, Ediciones de la Filmoteca, 2006.<o:p></o:p></span></div>
</div>
<div id="ftn8">
<div class="MsoFootnoteText">
<a href="file:///D:/CINE%20SENTIDO%202.docx#_ftnref8" name="_ftn8" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><span lang="ES-CO"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; mso-ansi-language: ES-CO; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US;">[8]</span></span><!--[endif]--></span></span></a><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif;">Entrevista a Miklós Jancsó,
Ibídem.</span><span lang="ES-CO"><o:p></o:p></span></div>
</div>
<div id="ftn9">
<div class="MsoFootnoteText" style="text-align: justify;">
<a href="file:///D:/CINE%20SENTIDO%202.docx#_ftnref9" name="_ftn9" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><span lang="ES-CO"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; mso-ansi-language: ES-CO; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US;">[9]</span></span><!--[endif]--></span></span></a><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif;">Jancsó, Miklós, citado
por Pere Alberó en <i>Vientos del Este: los
nuevos cines en los países socialistas europeos (1955-1975)</i>, Valencia,
Ediciones de la Filmoteca, 2006.</span><span lang="ES-CO"><o:p></o:p></span></div>
</div>
<div id="ftn10">
<div class="MsoFootnoteText" style="text-align: justify;">
<a href="file:///D:/CINE%20SENTIDO%202.docx#_ftnref10" name="_ftn10" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><span lang="ES-CO"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; mso-ansi-language: ES-CO; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US;">[10]</span></span><!--[endif]--></span></span></a><span lang="ES-CO"> </span><i><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif;">Kinoeye</span></i><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif;"> fue un diario en línea sobre el
cine europeo, que circuló entre 2001 y 2004. El editor en Jefe fue Andrews
James Horton. La siguiente es la dirección donde se encuentra el estudio sobre
Miklós Jancsó: </span><span lang="ES-CO"><a href="http://www.kinoeye.org/index_03_03.php"><span style="font-family: "Times New Roman",serif;">http://www.kinoeye.org/index_03_03.php</span></a></span><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif;"><o:p></o:p></span></div>
</div>
</div>
</div>
Omar Ahttp://www.blogger.com/profile/05665780406648038335noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-8116240328939524638.post-14179835126831178862017-02-18T18:24:00.000-08:002017-02-18T18:24:11.713-08:00Cine colombiano: Identidades y tránsitos<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhSIrx2I47DPEUyo2CD5FlvSOH9viKVRRyI2zfqJalTTfHbUNv5VpsVhSNGy60Cgxw782L3COIkQwt5Lut_kdPiqOAh5u2IGNPPwWBrRNJUgBnG5uhn7fxM12wBns0SVq7MfOvYNTKaVio/s1600/proyector+de+cine.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="266" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhSIrx2I47DPEUyo2CD5FlvSOH9viKVRRyI2zfqJalTTfHbUNv5VpsVhSNGy60Cgxw782L3COIkQwt5Lut_kdPiqOAh5u2IGNPPwWBrRNJUgBnG5uhn7fxM12wBns0SVq7MfOvYNTKaVio/s400/proyector+de+cine.jpg" width="400" /></a></div>
<br />
<div align="right" class="MsoNormal" style="margin-bottom: 10.0pt; text-align: right;">
<i><span lang="es-419">“</span>El cinematógrafo nunca ha querido producir un acontecimiento
sino en primer lugar una visión… y es que la vida no ha devuelto a las
películas aquello que les había robado. Solo la mano que borra puede escribir
la cosa verdadera</i><i><span lang="es-419">”.<o:p></o:p></span></i></div>
<div align="right" class="MsoNormal" style="margin-bottom: 10.0pt; text-align: right;">
<b><span lang="es-419">J. L. Godard<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="es-419">Resulta compleja la reflexión en torno de un
concepto que no cuenta con una enunciación aceptada masivamente, más aún,
cuando sospecho que detrás de ciertas categorizaciones se esconden intereses
que buscan aproximarnos a formas unívocas de pensamiento. Sin embargo, es esa
falta de univocidad la que me permite ampliar las indagaciones hacia otras
maneras de mirar, de pensar y de sentir. Eso es lo que intentaré realizar a lo
largo de este texto sobre el “cine colombiano”.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="es-419">Fueron múltiples las inquietudes que me
surgieron desde un inicio para aproximarme a esta materia, pues es innegable
que el interés por el cine en Colombia ha tenido un crecimiento notable en los
últimos años tanto por la proliferación de festivales y muestras como por el
surgimiento creciente de escuelas de formación. Asimismo, cada vez surgen más
investigaciones sobre el cine colombiano desde perspectivas mayoritariamente
asociadas con las ciencias sociales. Y desde la instancia institucional, luego
de la promulgación de la Ley 814 de 2013 (Ley del cine), se ha venido
consolidando una dinámica permanente para brindar apoyos por medio de convocatorias
anuales a la producción nacional y a la circulación de diversos materiales audiovisuales. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span lang="es-419" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; mso-ansi-language: #580A; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">Frente a las anteriores inquietudes, decidí
elaborar un texto apelando por un lado al lugar común de rastrear la “identidad
nacional” que se ha intentado representar desde el cine y por el otro,
deteniéndome en tres filmes que precisamente no hacen parte de esas obras
canónicas que figuran como las más representativas del cine colombiano; esto
con el ánimo de mostrar cómo en cuestión de identidades se han empezado a
generar algunos tránsitos, los cuales ayudan a desnudar esa “visión ideal” de
lo que sería la identidad colombiana. </span></div>
<span lang="es-419" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; mso-ansi-language: #580A; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;"><br /></span>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b><span lang="es-419">Atisbos de identidad
nacional en el cine colombiano<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="es-419">Desde las primeras producciones realizadas en
Colombia se empezó a configurar una idea de identidad que conducía a mostrar
cierta visión exaltada y positiva del territorio nacional. Esto coincidía con
la perspectiva aglutinante de lo nacional que se buscaba desarrollar en la
segunda década del pasado siglo por medio de referentes institucionales; y
aunque hasta el momento no había ni asomos de una industria cinematográfica
colombiana (algo que 100 años después no ha logrado construirse) sí se
aprovechaba el estatuto de la imagen que empezaba a circular mayoritariamente a
través de las <i>imágenes en movimiento</i>
como vehículo que ayudara a delinear un bosquejo de nación. Y por la misma
razón, se trataba de ocultar aquello que no correspondía con esa mirada
institucional, como es el caso del que es reconocido como primer filme
argumental (<i>El drama del 15 de octubre</i>
(1910-1920)) del cual se dice que fue desaparecido por la censura debido a que
mostraba a los asesinos del general
Rafael Uribe Uribe. Algo que ya habla mucho de lo que realmente quería
mostrarse como propio de la nación. Qué ocultar y qué mostrar, definía la
lógica de los imaginarios nacionales desde el estamento gubernamental. <o:p></o:p></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiN_liKMK3tQyWwl709aJbP6jnmNM4a_MQduhegLm4tpNHoBKDzz7umHQjTvIA6DgeW7Z-yWNCG3KYxfUzl6UthI74z1V_FbMb4rB-n7WZ68ByjchA85pc1SNpgSUXiIa7PM3BTKn4HezI/s1600/Miradas+esquivas+a+una+nacion.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiN_liKMK3tQyWwl709aJbP6jnmNM4a_MQduhegLm4tpNHoBKDzz7umHQjTvIA6DgeW7Z-yWNCG3KYxfUzl6UthI74z1V_FbMb4rB-n7WZ68ByjchA85pc1SNpgSUXiIa7PM3BTKn4HezI/s1600/Miradas+esquivas+a+una+nacion.jpg" /></a></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="es-419">En el texto <i>Miradas
esquivas a una nación fragmentada<a href="file:///D:/CINE%20SENTIDO%202.docx#_ftn1" name="_ftnref1" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><b><span lang="es-419" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; mso-ansi-language: #580A; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">[1]</span></b></span><!--[endif]--></span></a></i>
de Nazly López, se identifican tres filmes representativos de esos primeros
años y se analizan tratando de ubicar, precisamente, esos rasgos definitorios
de lo nacional, sin olvidar que fueron los extranjeros quienes primero se
preocuparon por hace cine en Colombia. En <i>Bajo
el cielo antioqueño</i>, se toma el territorio (Antioquia) como punto de
partida y en éste, los referentes simbólicos que le hicieron eco a esa idea de
nación que se promulgaba, teniendo a la cristiandad como soporte. La identidad
se da desde lo regional específico, haciendo que la región se convierta en el
centro. Este drama romántico costumbrista desnuda el apego por lo tradicional
derivado de las creencias religiosas y elogia la irrupción de la modernidad de
la mano de ciertas prácticas productivas a mayor escala. Son identificables
además los referentes patriarcales (padre, sacerdote, juez) como vehículos
potenciadores del Estado, el cual, finalmente, todo lo subsume. Y por supuesto,
hay un claro distanciamiento del “otro”, del diferente, del que no hace parte
del lugar de élite desde donde se construye la película. Por su parte, en <i>Alma Provinciana</i> se le da vida a una
idea de nación estructurada a partir de <i>lo
social</i>, desde las diferencias de clase entre ricos y pobres; desde las
jerarquías y las relaciones de poder. La identidad se da a través del uso del
“lenguaje popular”, que es más englobante y menos excluyente. La autoridad, las
jerarquías, están dadas según el posicionamiento económico. En este caso, lo
ajeno ya no es diferente, sino que se incluye reconociendo su diversidad,
aunque no sea del todo aceptado. Y en <i>Garras
de oro</i>, el vínculo con la idea de nación se da por medio de referencias a
simbologías universales que exaltan las nacionalidades (himno, escudo,
bandera). De ahí que lo que se busca generar es un discurso nacionalista que se
levanta contra el despojo que padece un territorio y las consiguientes
violaciones a la soberanía nacional. Curiosamente, quienes aquí propician ese
discurso nacionalista son extranjeros; no hacen parte de ese pueblo expoliado,
y por el contrario, aducen ese hecho a la precariedad de los gobiernos de
aquella nación. Las palabras de conciencia nacional son proferidas por un
extranjero, mientras que el pueblo (ausente) asiente silenciosamente. Es una manera
de enrostrarnos cómo el desinterés en nuestras propias problemáticas ha sido un
claro referente de nacionalidad, concepto que en este caso se asimila con el de
patria.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="es-419">A pesar de los intentos de bosquejar una
identidad nacional a través del cine (temática que sigue siendo notable en los
estudios historiográficos que se adelantan desde la región latinoamericana) es
importante resaltar lo problemático que resulta hoy día el hablar de “cines
nacionales”, cuando el cine desde sus orígenes ha sido transnacional, lo cual
cada vez es más evidente en el mundo de la globalización. Además, es oportuno
pensar a partir de lo que nos propone Pedro Adrián Zuluaga, para quien “el
cine, antes que generar identidad, genera ‘memoria no oficial’, pensamiento
crítico”<a href="file:///D:/CINE%20SENTIDO%202.docx#_ftn2" name="_ftnref2" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span lang="es-419" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; mso-ansi-language: #580A; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">[2]</span></span><!--[endif]--></span></a>.
No hay que olvidar que la búsqueda de puntualizar los cines como nacionales es
algo que tiende a desaparecer en otros lugares, especialmente europeos.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="es-419">Poco a poco se nos hace imperativo volver a
interrogarnos sobre la categoría “cine colombiano”, y tratar de desentrañar qué
es eso que lo define. La pregunta con matices positivistas y basamento
cuantitativo que ha recogido el canon, se respondería con cierta evidencia
puesto que hay películas realizadas en este territorio ¿pero es esto
suficiente? Zuluaga sostiene que dicha categoría va más allá de un corpus de
películas o de ciertas “identidades” nacionales; y que tiene que ver más con
discursos cuyos significados son cambiantes. Por eso él considera que el cine
colombiano es y debe ser cada vez más algo “difícil de definir”. Por tal
razón, antes que buscar respuestas
esencialistas, es más interesante analizar la producción textual que se ha
hecho en el país para identificar las lógicas y los intereses que las
movilizan. En ese sentido, el libro <i>Cine
colombiano: cánones y discursos dominantes<a href="file:///D:/CINE%20SENTIDO%202.docx#_ftn3" name="_ftnref3" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><b><span lang="es-419" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; mso-ansi-language: #580A; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">[3]</span></b></span><!--[endif]--></span></a></i>,
del citado autor, aporta muy buenos elementos al ubicar los intentos que se
empezaron a generar desde los años 50 para “pensar el cine colombiano”. Vale la
pena mencionar algunos de esos esfuerzos: la creación del Cine club de
Colombia, la edición de las revistas “Guiones” y “Cinemés”, los primeros
proyectos de ley para la industria cinematográfica, la crítica de Valencia
Goelkel, Gaitán Durán y García Márquez en los grandes medios, el surgimiento de
la Cinemateca Distrital, y más adelante (años 70) la preocupación por definir
los intereses del cine colombiano desde diversos estrados. <o:p></o:p></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgHj_BnaXaiwOwe84mCDGIeznlblHYaNQqujr61YEMmlHT7XcKxzCOPvfx9EeK3iEOzRQgqh-ttC7iGSoZ9h8hUpfyjv3yIuxbHhcuYXof6Ma5U-SS3G64EvWBP_eqvXKq-0KYepeeWOmw/s1600/Cine+colombiano+canones+y.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgHj_BnaXaiwOwe84mCDGIeznlblHYaNQqujr61YEMmlHT7XcKxzCOPvfx9EeK3iEOzRQgqh-ttC7iGSoZ9h8hUpfyjv3yIuxbHhcuYXof6Ma5U-SS3G64EvWBP_eqvXKq-0KYepeeWOmw/s1600/Cine+colombiano+canones+y.jpg" /></a></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="es-419">Uno de los argumentos que se ha esgrimido de
manera recurrente cuando se ha intentado pensar la identidad nacional a través
del cine hace referencia a la ausencia de crítica cinematográfica en Colombia.
Frente a este particular, Zuluaga afirma que “sí ha habido crítica en el cine
colombiano y reflexión sobre sí mismo y que lo importante de ver es desde dónde
se ha escrito”. Por ejemplo, muestra cómo en el libro de Georges Sadoul aparece
una referencia bastante sucinta y a la vez imprecisa del cine producido en
nuestro país. Allí se toma partida por la visión que difundía Carlos Álvarez:
una mirada limitada que solo aceptaba el documental, el formato de 16 mm y el
bajo presupuesto, como una manera de enarbolar desde el medio, la lucha
antiimperialista. Zuluaga también refiere el trabajo de Hernando Salcedo Silva,
que busca hacer una reconstrucción histórica a partir de las voces que daban
testimonio de una época (1897-1950) en la que se consumía cine, principalmente,
extranjero y se generaban dinámicas alrededor del mismo. Luego cita los
trabajos de Hernando Martínez Pardo y Jorge Nieto; Carlos Mayolo y Ramiro
Arbeláez. Y elogia la labor de los cineclubes y la Cinemateca Distrital, en su
intento de buscar “heroicamente” el cine colombiano perdido para poder hacer la
reconstrucción historiográfica. Asimismo, tiene en cuenta los estudios de
Andrés Caicedo, Umberto Valverde y más adelante, de Luis Alberto Restrepo. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="es-419">Es muy interesante revisar lo que se ha escrito
sobre cine colombiano y corroborar que no es tan poco como usualmente se cree,
pues no solo se han desarrollado estudios desde el interior sino que en algunas
academias extranjeras también se han realizado investigaciones sobre nuestro
cine, tal como lo ha documentado Juana Suárez<a href="file:///D:/CINE%20SENTIDO%202.docx#_ftn4" name="_ftnref4" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span lang="es-419" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; mso-ansi-language: #580A; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">[4]</span></span><!--[endif]--></span></a>. Sin embargo, hay que anotar que existe un
lugar común en la producción textual sobre cine en Colombia: el triunfo de las
investigaciones provenientes de las ciencias sociales (básicamente
historiográficas) frente a los estudios orientados desde las ciencias humanas
que logren ahondar en problemas estéticos, epistemológicos y teóricos. Eso ha
definido un interés prioritario (en cuanto a objeto de análisis) por los filmes
que tienen una temática preferencial hacia cuestiones sociales, mientras que
las obras que han estado más preocupadas por la forma, se las ha pasado por
alto. Es curioso que en el libro <i>Como se
piensa el cine en Latinoamérica<a href="file:///D:/CINE%20SENTIDO%202.docx#_ftn5" name="_ftnref5" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><b><span lang="es-419" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; mso-ansi-language: #580A; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">[5]</span></b></span><!--[endif]--></span></a></i>,
publicado por el Observatorio Latinoamericano de Historia y Teoría del Cine, el
editor, Francisco Montaña, advierta en la presentación que hace del mismo, que
los artículos allí publicados no responden a esa pregunta inicial por la cual
fueron convocados. Esto coincide con el análisis que hace Lauro Zavala,
refiriéndose en general a la realidad de los estudios sobre cine en
Latinoamérica, cuando dice: <i>“</i></span><i>parece seguir dominando el uso del cine con
fines disciplinarios o instrumentales por sobre los fines interpretativos y
analíticos desde una perspectiva estética, interdisciplinaria y transnacional.
En otras palabras, el estudio del cine en la región sigue estando dominado por
el interés que tiene como industria cultural (en las carreras de comunicación)
más que como una forma de arte</i><i><span lang="es-419">”<a href="file:///D:/CINE%20SENTIDO%202.docx#_ftn6" name="_ftnref6" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><b><span lang="es-419" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; mso-ansi-language: #580A; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">[6]</span></b></span><!--[endif]--></span></a></span></i>.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhucI0RGDsRp2dzFd4nfAKE2HOifOeEiwgRruON8hRHHXFI7d2o4IPDPrcIjfyyzdTkKYGvBhBKlQg-6AANsf3NNPpsVz4WJscrLsv4Nce5LvESPxtbzjqt0LKDDqAsXyUABwhfw9MxO1M/s1600/Como+se+piensa+el+cine+latinoa.JPG" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhucI0RGDsRp2dzFd4nfAKE2HOifOeEiwgRruON8hRHHXFI7d2o4IPDPrcIjfyyzdTkKYGvBhBKlQg-6AANsf3NNPpsVz4WJscrLsv4Nce5LvESPxtbzjqt0LKDDqAsXyUABwhfw9MxO1M/s320/Como+se+piensa+el+cine+latinoa.JPG" width="226" /></a></div>
<o:p></o:p><br />
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="es-419">Antes de cerrar esta primera parte, quiero
volver al concepto de identidad para destacar que aunque éste originalmente se ha asociado con la idea de estado-nación, en los
últimos años el término ha tomado otras variantes que se desprenden de aquella
mirada esencialista. En palabras de Stuart Hall, la identidad ahora debe ser
pensada como “el proceso de sujeción a las prácticas discursivas”<a href="file:///D:/CINE%20SENTIDO%202.docx#_ftn7" name="_ftnref7" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span lang="es-419" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; mso-ansi-language: #580A; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">[7]</span></span><!--[endif]--></span></a>.
Es decir, la vinculación con uno u otro discurso (que a la vez también es
cambiante). Evidentemente, esta posición se ubica en el ámbito del lenguaje, el
cual remite a imágenes, predicados y símbolos comunes. De esta manera, tal como
lo anota Manuel Silva, lo importante de ver es de dónde provienen los discursos
que crean la identidad y también cómo imaginamos nuestra propia identidad, cómo
creamos ese tipo de ficción en nosotros mismos<a href="file:///D:/CINE%20SENTIDO%202.docx#_ftn8" name="_ftnref8" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span lang="es-419" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; mso-ansi-language: #580A; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">[8]</span></span><!--[endif]--></span></a>.
Por eso cuando miramos hacia el cine colombiano, podemos constatar que desde
sus inicios se buscó retomar un discurso oficial como vehículo idóneo para
configurar las imágenes que le darían vida a las representaciones individuales
y colectivas. Esto ratifica el papel que jugó el cine en los países
latinoamericanos a principios del siglo XX para afianzar el sentimiento de
identificación con lo nacional.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="es-419">Actualmente, la identidad ha dejado de ser algo
inamovible o suprahistórico y se ha hecho contingente. Entonces, es válido
decir que la identidad se hace transitoria y que sería más preciso hablar de
identidades. Siguiendo esta línea, nos adentraremos en tres filmes realizados
por colombianos, en los cuales encontramos otras miradas sobre lo nacional.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b><span lang="es-419">Mirar el archivo para
volver a pensarnos<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="es-419">El ensayo documental <i>Cesó la horrible noche</i> (2013) de Ricardo Restrepo, retoma un discurso que se ha hecho canónico
en el cine colombiano, aquel que asegura que nuestro cine versa sobre la
“realidad”, que hay una marcada tendencia hacia el “cine social”, que se ha
utilizado el cine como un espejo en el que miramos nuestras problemáticas (<i>nuestra larga noche</i>) como país. Pero ¿qué tipo de realidad es esa
que se cree ver? Si retomamos a Walter Benjamin cuando dice que lo que el cine
posibilita no es una <i>reproducción</i> de
la realidad sino una <i>producción</i> de la
misma, nos surge inmediatamente la inquietud de saber si realmente el cine
colombiano se ha preocupado por producir esa nueva percepción de la realidad o
simplemente se ha quedado en la antigua búsqueda estética de la <i>representación</i>. Creo que es prematuro
aventurar una respuesta, pero quizás, al mirar el trabajo de Ricardo Restrepo y
los otros dos que analizaremos en este escrito, podamos encontrarle algunas
fracturas a ese discurso canónico de la representación.<o:p></o:p></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgfLh6chYVXkD5acfg_7am720xzI3dGGOV3UPcgss5aDKzYU3M9RNWqwzAvpJoiJHIoNZ-O_UCmN0_9-BgHWheZsVZ7qgwhIaAV58zTY4g9ONZZLioR2nHONuvB7bndEQzsAgch57RBo8E/s1600/Documental-ceso-la-horrible-noche.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgfLh6chYVXkD5acfg_7am720xzI3dGGOV3UPcgss5aDKzYU3M9RNWqwzAvpJoiJHIoNZ-O_UCmN0_9-BgHWheZsVZ7qgwhIaAV58zTY4g9ONZZLioR2nHONuvB7bndEQzsAgch57RBo8E/s320/Documental-ceso-la-horrible-noche.jpg" width="320" /></a></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="es-419"> <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="es-419">En <i>Cesó
la horrible noche</i>, desde los créditos iniciales se escuchan unos breves
fragmentos del himno nacional, los cuales son matizados por el epígrafe de
William Ospina preguntándose sobre cuál sería la horrible noche que cesó a
finales del siglo XIX cuando se escribió dicho himno. Enseguida, ondea la
bandera al fondo de la imagen. Evidentemente, se alude a unos referentes
básicos de nacionalidad pero no se queda en la lectura ligera sino que intenta
complejizarlos a partir del encuentro con la potencia de los archivos fílmicos.
Luego de ubicar la ciudad de Bogotá como espacio central, se remite a las filmaciones
hechas por el padre del autor (el médico Roberto Restrepo) en abril de 1948. En
el trasfondo continúan los coros agónicos de otros fragmentos del himno,
mientras se intercalan imágenes de interiores que nos dan una idea de cómo eran
las casas de la época hasta centrarse en un plano cerrado sobre una de las
placas conmemorativas de la muerte de Jorge Eliécer Gaitán, la que reposa en el
sitio donde fue acribillado el caudillo liberal. En ese momento, la voz del
narrador nos anuncia el punto de partida de la reflexión fílmica: “el asesinato
de un hombre nos grabó una fecha en la memoria del desastre. 9 de abril de
1948”. – Una bandera raída y ensangrentada forma una cruz sobre el piso –. “La
violencia comenzó hace cinco siglos pero ese día quedó registrado en la
historia colectiva de Colombia”. Y el director se pregunta “¿Cómo explicar esta
barbarie y la injusticia desde un relato familiar?”. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="es-419">Frente a ese cine social colombiano tan
inmediatista, concentrado en problemas coyunturales, el director se propone
mostrar una visión más amplia que vincule las problemáticas dentro de un
proyecto macro, el cual sí podría entenderse como de “nación oficial”. Es a
partir de los archivos fílmicos y de los textos del abuelo (realizados hace más
de 65 años) que se hace la indagación. El abuelo había venido de Manizales a
Bogotá a fines de la II Guerra Mundial. Su entorno correspondía al de una alta
clase social. Era un intelectual decepcionado de su patria, que descubrió el
poderío de los otros por medio de sus filmaciones. Esos otros que desde los
cánones oficiales no eran “dignos de ser filmados”. Su gran interés era el
mostrar las profundas distancias (de los privilegiados y los de a pie) por
medio de panorámicas de las ciudades, de imágenes etnográficas de los lugares
visitados (donde reside el “gran valor” de ese país ignorado), de los
campesinos (para ese momento la mayoría de la población) entre quienes se
iniciaría el fuego, la desolación y la barbarie luego de que tres tiros
encendieran a una nación gracias al fanatismo de los partidos y a la gran
crisis socio-política que pareciera no tener fin. Aquí valdría la pena
preguntarnos si es la “violencia política” lo que nos define como país y si
debemos mostrarla casuística y permanentemente como ha sucedido en gran parte
del cine nacional ¿Hasta qué punto esto es inmovilizante? Porque es cierto que
mostramos ¿Y luego qué pasa? ¿Dónde está la potencia del movimiento social que
trasciende la mostración? No es que se esquive la denuncia, pero es hora de ir
más allá, tal como parece que lo propone Ricardo Restrepo.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="es-419">En cierto fragmento, quizás onírico o utópico,
imágenes ralentizadas nos muestran una manifestación con banderas rojas
corriendo hacia un indeterminado horizonte (¿acaso el triunfo de la angustia o
de la desesperación?) y en off la voz de una alocución nos da cuenta sobre el
avance del movimiento gaitanista (que no liberal, aunque fueran éstos segundos
los beneficiados con la muerte de quien muy seguramente les habría quitado el
poder): “Apodérense del gobierno… viva el partido liberal… a las armas…”.
Luego, un inteligente cambio de perspectiva nos deja ver imágenes que ahora
abordan a los manifestantes de espaldas, teniendo ya un horizonte definido: el
centro de la ciudad, el corazón del poder. Y de nuevo se hace un necesario
corte para mostrar lo que realmente vio el doctor Restrepo al otro día: los
cuerpos desmembrados, calcinados, las casas destruidas, y en medio de la calle
unos transeúntes que miran la cámara con distancia, sabiéndose poseedores de su
propia mirada, de su terrible desgarramiento. Como bien hace notar Edgardo
Gutiérrez, el cine ha cambiado la “percepción de lo real”, en adelante, la
identificación con la cámara se hizo
algo cotidiano, el estatus de voyeur se arraigó y de ahí el crecimiento del
gusto por mirar y ser mirado<a href="file:///D:/CINE%20SENTIDO%202.docx#_ftn9" name="_ftnref9" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span lang="es-419" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; mso-ansi-language: #580A; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">[9]</span></span><!--[endif]--></span></a>.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="es-419">La reflexión de Restrepo evidencia el triunfo
de la muerte, pero más por el desbocamiento de la turba que condujo a que se
mataran entre ellos mismos. Es por eso que hoy seguimos sin entender ese
terrible contraste ¿Dónde quedó el sueño de la revolución, la posibilidad tan
cercana para el cambio? Quizás una de las últimas secuencias nos brinde una
mirada certera cuando tras retroceder las imágenes se vuelve sobre el plano con
la bandera raída y tirada en el piso mientras
el cuerpo de un militar se exhibe tratando de protegerla. Al final, el
director nos aclara el alcance de su búsqueda, la que antes que intentar
conclusiones se propone generar más interrogantes, pues es consciente que
aunque se vuelva a un hecho real toda descripción que se haga de él es
incompleta. Por eso prefiere cerrar con una triste dedicatoria que acompaña el
regreso de un soldado en medio de los escombros: “a la zozobra por la suerte de
esta patria futura, con la infinita vergüenza de ver lo que somos”. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="es-419">Finalmente, me parece oportuno entrelazar la
búsqueda del filme con la reflexión teórica de Pasolini, quien proponía pensar
el mundo de lo <i>real</i> más allá de la <i>realidad</i>, es decir, representar lo
irrepresentable, teniendo en cuenta que el filme crea una realidad (su propia
realidad) incluso formal, pero no cuenta, como en la literatura, con una
realidad ya definida (la lengua) sobre la cual trabaja acogiéndose o
subvirtiendo sus códigos. Pasolini también afirmaba que l</span>a realidad
habla por sí misma a través de su sistema de signos, lo mismo que el cine. “¡La
realidad es un lenguaje! Lo que hay que hacer es la semiología de la realidad;
no la del cine”. La realidad se habla a sí misma, y el cine se encuentra en
medio de esa conversación para dar cuenta a través de su mecanismo, de cómo el
arte tiene una presencia directa en la conformación y el cambio de la realidad.<span lang="es-419"> Por eso es importante hacer la
diferencia entre <i>reflejar</i> la realidad
y <i>escribir</i>
la realidad. Ese <i>reflejar</i> tan acogido
como herencia del neorrealismo (en una lectura chata de ese movimiento) conduce
a una ligereza ingenua que no permite evidenciar el artificio que siempre está
detrás de una creación cinematográfica. Por su parte, <i>escribir lo real</i> es saber que no se cuenta con un código definido, que
hay infinitas expresiones de lo real y que el cine nunca acabará por juntarlas
todas, sino que producirá recortes de esa realidad y esto, aunque arbitrario,
es la mejor manera de que lo real logre mostrarse. </span>La imagen, pues, está
vinculada con la realidad, de ninguna manera, separada de ella. Pero no es una
representación de ésta, la imagen es realidad, está en “su construcción, la
configura, le da sentido, percepción y le otorga valor (significación<span lang="es-419">)”<a href="file:///D:/CINE%20SENTIDO%202.docx#_ftn10" name="_ftnref10" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span lang="es-419" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; mso-ansi-language: #580A; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">[10]</span></span><!--[endif]--></span></a>.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b><span lang="es-419">La distopía en la
reflexión de Oscar Campo<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 10.0pt; text-align: justify;">
<span lang="es-419">En el trabajo experimental de Oscar
Campo <i>El proyecto del diablo</i> (1999)
se transita por la desnudez envolvente del monólogo que no le teme a pasar de
lo onírico a la vigilia en un mismo acto. El personaje que nos cuenta su
historia es presa de un sueño que le genera pánico y lágrimas al ver cómo unos
tipos lo matan y lo lanzan al río Cauca. Dicho personaje, que puede ser apenas
un recorte de periódico deambulando por algún charco de la calle o un cuerpo
roto que nos enseña sus heridas y sus múltiples tonalidades, nos plantea de
entrada una distópica pregunta: ¿Es la cloaca nuestra casa? ¿Nuestro destino,
la vida en un basurero, en medio de cucarachas y de virus mutantes? Más
arriesgado y provocador no podría ser este punto de partida. <o:p></o:p></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh5vEVhW75VYYbqanEYiU1BbE5PkuJeBIMBOQq00BKIQZMfWRoIRkYy2l65cfjiIZ0OuTrmDWo9PvcQoThKcN_evVK5JFY4UH70FCPSBqqm3dH8bk5a-RaFZF6F1TMvCD-uIld385kx7nA/s1600/El+proyecto+del+diablo.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="189" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh5vEVhW75VYYbqanEYiU1BbE5PkuJeBIMBOQq00BKIQZMfWRoIRkYy2l65cfjiIZ0OuTrmDWo9PvcQoThKcN_evVK5JFY4UH70FCPSBqqm3dH8bk5a-RaFZF6F1TMvCD-uIld385kx7nA/s320/El+proyecto+del+diablo.jpg" width="320" /></a></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 10.0pt; text-align: justify;">
<span lang="es-419">El director, en efecto, sabe de la
potencia de la imagen en “la sociedad del espectáculo”, aquella que</span>
promueve un tipo de imagen que es, justamente, aquello que no vemos<span lang="es-419">; que se corresponde con la </span>lógica
del capitalismo, verificando, garantizando y reafirmando lo ya determinado, lo
ya producido.<span lang="es-419"> Por su parte,
la apuesta de Oscar Campo es por hacer énfasis en eso que no queremos ver,
luego de corroborar que “las cosas podrían ser peor” y que “el maldito acecha”.
<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="es-419">Recordemos que para filósofos como Gilles
Deleuze o Stanley Cavell, el cine primero que ser “arte” es “pensamiento”, y
por eso, antes que concentrarse en la estética se preocuparon por el
pensamiento que el cine generaba. Más aún, por el vínculo que la estética
configuraba con la política, con las preocupaciones del siglo XX, en principio.
En un sentido similar, Campo nos lleva a pensar con su ensayo experimental un
referente de identidad que se configuró desde lo regional en un año específico:
Cali, 1956. El personaje se define como “un cáncer del 56” que “viene de mala
sangre” y que “tiene la sangre caliente”. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="es-419">Recurriendo a documentos de archivo (periódicos
que exhiben las tragedias) y al entrelazamiento del fuego con los cuerpos
orgiásticos y los sonidos electrónicos, se establece un ritmo vertiginoso, a
veces cortado por encerramientos de algunos planos que expresan el
ensimismamiento del contradictorio y sentencioso personaje. Su relato nos lleva
por distintos momentos que dejaron huella en la historia personal. En el 68 fue
la apertura: de la ciencia en el colegio a la química en la universidad para
preparar explosivos y encabezar las marchas. En ese momento todo era diversión
y fácilmente se acogían los sueños colectivistas, que luego trajeron su propio
desencanto con “fórmulas del miedo a la vida… del odio a la vida”. La explosiva
lectura de Bukowski y Deleuze, combinada con el bazuco y los barbitúricos
hicieron que “todo se fuera a la mierda” y que se le despertara la pasión por
los antros y por enmendar la realidad: “destruirlo todo para cambiarlo todo”.
Es así como en los setenta, deja atrás las ideas arcaicas de Dios y de la moral
para llegar a ser parte de una “hermandad libertaria” que fabrica drogas en el
Chocó. En ese lugar todos están infectados con el virus B 3 que causa frenesí
sexual y la muerte en medio de convulsiones eróticas. Paradójicamente, con este
virus se llega a la inmortalidad. Se vive hasta los 30 años y se muere
asfixiado frente a una pareja que esté copulando para que el espíritu del
engendrado reciba el ánima del moribundo. En los años ochenta se entrega al
sueño americano, llega a los suburbios de Nueva York y en el 84 conoce las
cárceles por traficar drogas. Allí pasó 12 años y luego otra vez a Cali, donde
todo lo encuentra muy cambiado debido a la efervescencia por el dinero del
narcotráfico (¿la nueva identidad nacional?). Entonces, se vincula con una
oficina de sicarios, y allí de nuevo recibe el llamado del maldito, aunque éste
ya estaba agotado, perturbado, y no creía mucho en su proyecto. Estando en esa
nueva situación es cuando se vuelve realidad el sueño del comienzo: dos tiros y
al río Cauca para luego despertar en un basurero y cerrar la elipsis narrativa.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 10.0pt; text-align: justify;">
<span lang="es-419">Sin duda, Oscar Campo nos propone
una poesía que se ubica más allá del abismo, en el infierno. En ella se honra
al señor de las abominaciones y se lucha contra los señores que gobiernan desde
Roma hasta la Casa Blanca, pero también contra Lucifer, que ama al hombre de la
tierra y busca crear paraísos industriales o sea basureros de desechos. La
identidad nacional es “una colección de tragedias”, cuyos principales causantes
son los cerebros de una generación que dizque “buscaban un mejor futuro para la
sociedad” y nos dejaron sin horizonte distinto al del maldito que nos espía
desde cualquier lugar. Una de las sentencias finales del filme es sumamente
reveladora: “nada mejor que la podredumbre para una joven forma de vida que
quiere abrirse campo a como dé lugar… lo pujante y lo reluciente es lo que
mejor se congratula con la mierda”.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b><span lang="es-419">Buscando identidades
en la diáspora <o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="es-419">El tercer trabajo que vamos a reseñar circula
en las vertientes del documental, aunque es más una obra de autor que
reflexiona sobre el quehacer artístico. Se trata de <i>El encanto de las imposibilidades</i> (2007) de Nicolás Buenaventura.
Aunque la producción es francesa y el tema pareciera no tener nada que ver con
nuestra realidad, la génesis del proyecto tiene lugar en Cali, la ciudad natal
del director. Allí el realizador tuvo el encuentro con el “Cuarteto del fin de
los tiempos” de Olivier Messiaen, y desde el principio sintió un encantamiento
que en adelante fungió como deseo para
profundizar en el poderío del arte, en la fuerza de la imagen artística que no
es exclusividad de lo visible. En cuanto a la identificación del filme con
Colombia, Buenaventura es enfático: la obra </span><span style="background: white;">"</span><span lang="es-419" style="background: white; mso-ansi-language: #580A;">fue </span><span style="background: white;">escrita y pensada en Cali,
tiene una mirada que es de acá y el público así lo siente, me lo dice. Siente
que la película habla de ellos, de este país, de lo que aquí pasa"<a href="file:///D:/CINE%20SENTIDO%202.docx#_ftn11" name="_ftnref11" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span style="background-attachment: initial; background-clip: initial; background-image: initial; background-origin: initial; background-position: initial; background-repeat: initial; background-size: initial; font-family: "Times New Roman", serif; font-size: 12pt;">[11]</span></span><!--[endif]--></span></a></span><span lang="es-419" style="background: white; mso-ansi-language: #580A;">. Esto me lleva a
recordar la pregunta de </span><span lang="es-419">Luis
Ospina en <i>Oiga Vea</i> (1971) referente a
“¿qué es el cine oficial?”. Y es, entonces, cuando evidenciamos que en el cine
colombiano ha existido un canon que
define una manera de investigar, de analizar, de generar discursos, en última
instancia, de legitimar una forma de ver el país.<o:p></o:p></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhc6idEb4zuCbY2BrSoaH_7PO6tsNt2FJDXWdF0Tbmo_1zkLkgEwep13GG8aKv5af2tjVmSnEDlNCAIbFqee7ErbDK4ijQm1Q9deYK1kST3NNZLuZavr_W89LHUlqSMKaVFLwCwGqJ2gXQ/s1600/Encanto_de_las_imposibilidades.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="220" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhc6idEb4zuCbY2BrSoaH_7PO6tsNt2FJDXWdF0Tbmo_1zkLkgEwep13GG8aKv5af2tjVmSnEDlNCAIbFqee7ErbDK4ijQm1Q9deYK1kST3NNZLuZavr_W89LHUlqSMKaVFLwCwGqJ2gXQ/s320/Encanto_de_las_imposibilidades.jpg" width="320" /></a></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="es-419">Retomando a Ranciére para quien las imágenes
del cine son ante todo, “operaciones; relaciones entre lo decible y lo visible,
maneras de jugar con el antes y el después, la causa y el efecto”,<a href="file:///D:/CINE%20SENTIDO%202.docx#_ftn12" name="_ftnref12" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span lang="es-419" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; mso-ansi-language: #580A; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">[12]</span></span><!--[endif]--></span></a>se
nos facilita sentir de manera especial la entrada del filme, con el encuadre de
una mola (tejido indígena) y la ubicación del lugar desde donde surge la
búsqueda: “Vivía en Cali, Colombia, hace muchos años… la guerra ya estaba
presente”. Con la mirada de este “país que se ha hecho a tiros” como fondo, se
nos lleva a pensar la Guerra en la política internacional. Recordemos que el
arte se consolida cada vez más como el tema central de la filosofía política,
debido a su carácter emancipador de las masas que, desde la modernidad, se han
convertido en sujeto político, tal como lo exalta Sloterdijk. Aquella música de
Olivier Messiaen era un acontecimiento para el director. Tenía, mientras la
escuchaba, la sensación de escuchar una historia bien contada. Y al indagar,
descubrió que fue compuesta por cuatro prisioneros en la II Guerra Mundial. La
pregunta casi obvia que enseguida surge es ¿cómo se puede crear una pieza tan
profunda y mística en semejantes condiciones? Quizás Godard nos pueda aportar
algo desde sus Historias… cuando nos habla de la existencia de la imagen en dos
movimientos: como una “singularidad inconmensurable” que tiene su vida
autónoma, su presencia visual; y como una “operación de puesta en comunidad”,
de establecimiento de puentes para darle vida a una <i>historia</i> común<a href="file:///D:/CINE%20SENTIDO%202.docx#_ftn13" name="_ftnref13" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span lang="es-419" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; mso-ansi-language: #580A; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">[13]</span></span><!--[endif]--></span></a>.
<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="es-419">Buenaventura inicia el recorrido hacia Silesia,
el lugar donde quedaba el campo de prisioneros de Görlitz y se adentra en las
ruinas con la ayuda de un exprisionero que trata de ubicar el lugar y de
revivir las huellas. Los cortes nos ponen de cara a la interpretación del
cuarteto que sucede en una sala de conciertos y se intercalan con imágenes de
archivo de la guerra y la entrada en off de la voz de Messiaen que nos cuenta
cómo, en una salida al bosque y tras escuchar el ímpetu del canto de los
pájaros, decidió escribir la pieza musical. Desde allí, los pájaros serían una
presencia permanente en su obra, pues para él, ellos eran el “símbolo de la
libertad”. Otros exprisioneros describen el encarcelamiento y Messiaen vuelve
para decirnos que “si compuse este cuarteto fue para evadirme de la nieve, de
la guerra, de la prisión y de mí mismo”. Tratando de revivir ese particular
episodio creador, Buenaventura intenta una reconstrucción de la primera
presentación que tuvo lugar en el campo de concentración ante los otros
detenidos. Los músicos son vestidos con el uniforme de los prisioneros de
guerra y se tratan de adaptar los instrumentos a las condiciones que debieron
tener allí. En fin, se intenta una interpretación casi imposible, pues además
de las difíciles condiciones materiales, no hay que olvidar que se trata de una
obra que produce un sufrimiento obligatorio para quien la interpreta, pues es o
muy lenta o muy rápida. Messiaen hizo una asociación con el tiempo que aún le
quedaba por estar en el encierro, a sabiendas de que era indefinido. Buscaba
borrar los tiempos idénticos para producir un ambiente de intemporalidad
similar al del estado del sueño.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="es-419">El filme está construido a partir del ritmo que
le da el cuarteto. Es una evocación dictada por la fuerza de la música, por la
complejidad de algo que parece tan sencillo. Y busca pensar la guerra, pensar
el arte, pensar la vida y sentir la <b>ausencia
</b>(nuestra identidad en la diáspora), como en el último plano, donde
desaparecen los músicos, los espectadores, las sillas y solo queda la música:
la imposibilidad vencida. El mismo director nos dice sobre su filme: </span><span style="background: white;">"Yo quiero que hable de cómo los seres humanos
necesitamos del arte, el arte no es una diversión, no es un lujo, es tan vital
como respirar, como comer. El mundo no lo podríamos pensar, no podríamos
pensarnos a nosotros mismos sin el arte. Si estamos es una situación tan
compleja en este país es porque hay poco interés en el arte, en la cultura, en
la educación, que son esenciales"<a href="file:///D:/CINE%20SENTIDO%202.docx#_ftn14" name="_ftnref14" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span style="background-attachment: initial; background-clip: initial; background-image: initial; background-origin: initial; background-position: initial; background-repeat: initial; background-size: initial; font-family: "Times New Roman", serif; font-size: 12pt;">[14]</span></span><!--[endif]--></span></a></span><span lang="es-419" style="background: white; mso-ansi-language: #580A;">.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="es-419" style="background: white; mso-ansi-language: #580A;">Como el presente texto ha
girado en torno a la noción de identidad en nuestro cine, con sus respectivas
variantes y tránsitos, quiero retomar, ya para terminar, la idea de Edgardo
Gutiérrez quien nos dice que </span><span lang="es-419">quizás en un cine donde lo narrativo clásico no sea lo prioritario, se
encuentre lo fundamental de una cinematografía nacional. En un cine donde lo
importante sea la percepción de los objetos en su pregramaticalidad,
apareciendo como imágenes y sonidos. Donde haya un detenimiento en las
texturas, las formas, los colores, los rostros, las particularidades de los
objetos y de los escenarios en su materialidad, las señales del tiempo en el
cuerpo, el color de la piel, el caminar y los gestos<a href="file:///D:/CINE%20SENTIDO%202.docx#_ftn15" name="_ftnref15" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span lang="es-419" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; mso-ansi-language: #580A; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">[15]</span></span><!--[endif]--></span></a>.
Es decir, cuando el cine se haya desprendido de la necesidad de narrar para
alinearse con el deseo de describir, de mostrar la imagen material de la
naturaleza, el ritmo de un paisaje geográfico o de un paisaje humano. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="es-419"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: right;">
<span lang="es-419"><b>Imágenes tomadas de la circulación libre en la red</b></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div>
<!--[if !supportFootnotes]--><br clear="all" />
<hr align="left" size="1" width="33%" />
<!--[endif]-->
<div id="ftn1">
<div class="MsoFootnoteText" style="text-align: justify;">
<a href="file:///D:/CINE%20SENTIDO%202.docx#_ftnref1" name="_ftn1" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif;"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span lang="ES-CO" style="font-size: 10pt;">[1]</span></span><!--[endif]--></span></span></a><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif;"> </span><span lang="es-419" style="font-family: "Times New Roman",serif; mso-ansi-language: #580A;">López
Díaz, Nazly, <i>Miradas esquivas a una
nación fragmentada – Reflexiones en torno al cine silente de los años veinte y
la puesta en escena de la colombianidad</i>, Bogotá, Instituto Distrital de
Cultura y Turismo – Cinemateca Distrital, 2006.<o:p></o:p></span></div>
</div>
<div id="ftn2">
<div class="MsoFootnoteText" style="text-align: justify;">
<a href="file:///D:/CINE%20SENTIDO%202.docx#_ftnref2" name="_ftn2" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif;"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span lang="ES-CO" style="font-size: 10pt;">[2]</span></span><!--[endif]--></span></span></a><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif;"> </span><span lang="es-419" style="font-family: "Times New Roman",serif; mso-ansi-language: #580A;">Zuluaga,
Pedro Adrián, Cine colombiano e identidad cultural: respuesta a una estudiante,
publicado en el blog “Pajarera del medio”, 2012. Web: </span><span lang="ES-CO"><a href="http://pajareradelmedio.blogspot.com/2012/03/cine-e-identidad-cultural-respuesta-una.html"><span lang="es-419" style="font-family: "Times New Roman",serif; mso-ansi-language: #580A;">http://pajareradelmedio.blogspot.com/2012/03/cine-e-identidad-cultural-respuesta-una.html</span></a></span><span lang="es-419"> <o:p></o:p></span></div>
</div>
<div id="ftn3">
<div class="MsoFootnoteText">
<a href="file:///D:/CINE%20SENTIDO%202.docx#_ftnref3" name="_ftn3" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif;"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span lang="ES-CO" style="font-size: 10pt;">[3]</span></span><!--[endif]--></span></span></a><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif;"> </span><span lang="es-419" style="font-family: "Times New Roman",serif; mso-ansi-language: #580A;">Zuluaga,
Pedro Adrián, <i>Cine colombiano: Cánones y
discursos dominantes</i>, Bogotá, Instituto Distrital de Cultura y Turismo –
Cinemateca Distrital, 2013. <o:p></o:p></span></div>
</div>
<div id="ftn4">
<div class="MsoFootnoteText" style="text-align: justify;">
<a href="file:///D:/CINE%20SENTIDO%202.docx#_ftnref4" name="_ftn4" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif;"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span lang="ES-CO" style="font-size: 10pt;">[4]</span></span><!--[endif]--></span></span></a><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif;"> </span><span lang="es-419" style="font-family: "Times New Roman",serif; mso-ansi-language: #580A;">Suárez,
Juana, <i>Miradas desde el norte – la
academia estadounidense y el cine colombiano</i>, en Cuadernos de cine
colombiano, Cinemateca Distrital, 2008</span><span lang="es-419"><o:p></o:p></span></div>
</div>
<div id="ftn5">
<div class="MsoFootnoteText" style="text-align: justify;">
<a href="file:///D:/CINE%20SENTIDO%202.docx#_ftnref5" name="_ftn5" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif;"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span lang="ES-CO" style="font-size: 10pt;">[5]</span></span><!--[endif]--></span></span></a><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif;"> </span><span lang="es-419" style="font-family: "Times New Roman",serif; mso-ansi-language: #580A;">Montaña,
Francisco (editor), <i>Cómo se piensa el
cine en Latinoamérica – aparatos epistemológicos, herramientas, líneas, fugas e
intentos</i>, Universidad Nacional de Colombia, 2011<o:p></o:p></span></div>
</div>
<div id="ftn6">
<div class="MsoFootnoteText" style="text-align: justify;">
<a href="file:///D:/CINE%20SENTIDO%202.docx#_ftnref6" name="_ftn6" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif;"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span lang="ES-CO" style="font-size: 10pt;">[6]</span></span><!--[endif]--></span></span></a><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif;"> </span><span lang="es-419" style="font-family: "Times New Roman",serif; mso-ansi-language: #580A;">Zavala,
Lauro, <i>La teoría del cine en la región
iberoamericana y los problemas de la insularidad regional</i>, ponencia
presentada en el Encuentro Latinoamericano de Investigadores de Cine,
Universidad Nacional de Colombia-Ministerio de Cultura, 2010<o:p></o:p></span></div>
</div>
<div id="ftn7">
<div class="MsoFootnoteText" style="text-align: justify;">
<a href="file:///D:/CINE%20SENTIDO%202.docx#_ftnref7" name="_ftn7" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif;"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span lang="ES-CO" style="font-size: 10pt;">[7]</span></span><!--[endif]--></span></span></a><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif;"> </span><span lang="es-419" style="font-family: "Times New Roman",serif; mso-ansi-language: #580A;">Hall,
Stuart, citado por Manuel Silva Rodríguez en su texto: <i>La identidad nacional como producción discursiva y su relación con el
cine de ficción</i>, publicado en Revista Nexus Comunicación, No. 9,
Universidad del Valle, 2011<o:p></o:p></span></div>
</div>
<div id="ftn8">
<div class="MsoFootnoteText" style="text-align: justify;">
<a href="file:///D:/CINE%20SENTIDO%202.docx#_ftnref8" name="_ftn8" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif;"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span lang="ES-CO" style="font-size: 10pt;">[8]</span></span><!--[endif]--></span></span></a><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif;"> </span><span lang="es-419" style="font-family: "Times New Roman",serif; mso-ansi-language: #580A;">Silva
Rodríguez, Manuel, Ibídem.</span><span lang="es-419"><o:p></o:p></span></div>
</div>
<div id="ftn9">
<div class="MsoFootnoteText">
<a href="file:///D:/CINE%20SENTIDO%202.docx#_ftnref9" name="_ftn9" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif;"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span lang="ES-CO" style="font-size: 10pt;">[9]</span></span><!--[endif]--></span></span></a><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif;"> </span><span lang="es-419" style="font-family: "Times New Roman",serif; mso-ansi-language: #580A;">Gutiérrez,
Eduardo, <i>Cine y percepción de lo real</i>,
Buenos Aires, Las cuarenta, 2010.<o:p></o:p></span></div>
</div>
<div id="ftn10">
<div class="MsoFootnoteText">
<a href="file:///D:/CINE%20SENTIDO%202.docx#_ftnref10" name="_ftn10" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif;"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span lang="ES-CO" style="font-size: 10pt;">[10]</span></span><!--[endif]--></span></span></a><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif;"> </span><span lang="es-419" style="font-family: "Times New Roman",serif; mso-ansi-language: #580A;">Pasolini,
Pier Paolo, <i>Empirismo Herético</i>,
Córdoba, Brujas, 2005<o:p></o:p></span></div>
</div>
<div id="ftn11">
<div class="MsoFootnoteText" style="text-align: justify;">
<a href="file:///D:/CINE%20SENTIDO%202.docx#_ftnref11" name="_ftn11" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif;"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span lang="ES-CO" style="font-size: 10pt;">[11]</span></span><!--[endif]--></span></span></a><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif;"> </span><span lang="es-419" style="font-family: "Times New Roman",serif; mso-ansi-language: #580A;">Buenaventura,
Nicolás, en entrevista publicada por el periódico El Tiempo (versión virtual),
20 de septiembre de 2009. Web: </span><span lang="ES-CO"><a href="http://www.eltiempo.com/archivo/documento/CMS-6155987"><span lang="es-419" style="font-family: "Times New Roman",serif; mso-ansi-language: #580A;">http://www.eltiempo.com/archivo/documento/CMS-6155987</span></a></span><span lang="es-419" style="font-family: "Times New Roman",serif; mso-ansi-language: #580A;">
<o:p></o:p></span></div>
</div>
<div id="ftn12">
<div class="MsoFootnoteText" style="text-align: justify;">
<a href="file:///D:/CINE%20SENTIDO%202.docx#_ftnref12" name="_ftn12" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif;"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span lang="ES-CO" style="font-size: 10pt;">[12]</span></span><!--[endif]--></span></span></a><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif;"> </span><span lang="es-419" style="font-family: "Times New Roman",serif; mso-ansi-language: #580A;">Ranciére,
Jacques, <i>El destino de las imágenes</i>,
Buenos Aires, Prometeo libros, 2011.<o:p></o:p></span></div>
</div>
<div id="ftn13">
<div class="MsoFootnoteText">
<a href="file:///D:/CINE%20SENTIDO%202.docx#_ftnref13" name="_ftn13" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif;"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span lang="ES-CO" style="font-size: 10pt;">[13]</span></span><!--[endif]--></span></span></a><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif;"> </span><span lang="es-419" style="font-family: "Times New Roman",serif; mso-ansi-language: #580A;">Godard,
Jean Luc, en su filme <i>Historias del cine</i>
(1988-1998)<o:p></o:p></span></div>
</div>
<div id="ftn14">
<div class="MsoFootnoteText">
<a href="file:///D:/CINE%20SENTIDO%202.docx#_ftnref14" name="_ftn14" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif;"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span lang="ES-CO" style="font-size: 10pt;">[14]</span></span><!--[endif]--></span></span></a><span lang="ES-CO" style="font-family: "Times New Roman",serif;"> </span><span lang="es-419" style="font-family: "Times New Roman",serif; mso-ansi-language: #580A;">Buenaventura,
Nicolás, Ibídem.<o:p></o:p></span></div>
</div>
</div>
<span lang="es-419" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; mso-ansi-language: #580A; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;"><a href="file:///D:/CINE%20SENTIDO%202.docx#_ftnref15" name="_ftn15" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><span lang="ES-CO"><span class="MsoFootnoteReference"><span lang="ES-CO" style="font-size: 10pt;">[15]</span></span></span></span></a><span lang="ES-CO"> </span><span lang="es-419">Gutiérrez,
Edgardo, Ibídem.</span> </span>Omar Ahttp://www.blogger.com/profile/05665780406648038335noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8116240328939524638.post-18097842693817299572016-07-25T16:04:00.000-07:002016-07-25T16:04:14.929-07:0019 ENCUENTRO NACIONAL DE CRITICOS Y PERIODISTAS DE CINE DE PEREIRA<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiHua4XqtcvOTcWVCfRImpPB47HNVkOlPqrbj450S1ek-B5B0GgWEbR9nMZATvaHPZNBp5fFhAN8CZF5ERCZcg3VzKOOggI_4WlXi82uHzpEgyhZW1hCY5LhfNtZq49cPg8klnb9OfbPOk/s1600/19+encuentro+criticos+de+cine.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiHua4XqtcvOTcWVCfRImpPB47HNVkOlPqrbj450S1ek-B5B0GgWEbR9nMZATvaHPZNBp5fFhAN8CZF5ERCZcg3VzKOOggI_4WlXi82uHzpEgyhZW1hCY5LhfNtZq49cPg8klnb9OfbPOk/s400/19+encuentro+criticos+de+cine.jpg" width="267" /></a></div>
<br />
<div style="text-align: center;">
<b>Les comparto la programación del 19 ENCUENTRO NACIONAL DE CRITICOS Y PERIODISTAS DE CINE DE PEREIRA. Todos cordialmente invitados.</b></div>
<br />
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<b><u><span lang="ES-CO">AGOSTO 12 AL 15 DE 2016<o:p></o:p></span></u></b></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<br /></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<b><u><span lang="ES-CO">Viernes 12:<o:p></o:p></span></u></b></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO">Lugar: Teatro de Comfamiliar. (Cra.
5ta. No. 21-48)<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO">7.00 p.m. Inauguración.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO">* Saludo a los Invitados Especiales.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO">* Palabras del Alcalde de la Ciudad de
Pereira, Dr. Juan Pablo Gallo Maya,<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO">* Palabras de la Dra. Ana Lucía Córdoba
Velásquez, Secretaria de Deportes, Recreación y Cultura del Departamento de
Risaralda.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO">* Homenaje a los fanáticos de la imagen en
movimiento pereiranos <b><i>Adalberto Aguirre</i></b> (“Milagro en Roma”
de Lisandro Duque) y <b><i>Wilmer Sotto</i></b> (Nominado a los premios
TAL, Mejor contenido periodístico por su trabajo “MUERTOS AJENOS”). <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO">* Exhibición de apartes del <b><i>ARCHIVO
DE LOS ACEVEDO</i></b>; <b><i>Pioneros del Cine Nacional. </i></b><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO">(<u>Miss
Colombia</u> (1932); <u>Gardel, su última despedida</u> (1935); <u>Cine
parlante Nacional</u> (1937); <u>Eduardo Santos, Discurso</u> (1937); <u>Juegos
bolivarianos</u> (1938)).<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO">Presentación a cargo del Crítico <b><i>JUAN
GUILLERMO RAMÍREZ, </i></b>Crítico de Cine de varias revistas nacionales e
internacionales y Catedrático de Cine en varias universidades de Colombia.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO">Cortesía Cinemateca Distrital, Patrimonio
Fílmico Colombiano; IDARTES. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<b><u><span lang="ES-CO">Sábado 13:<o:p></o:p></span></u></b></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO">Lugar: Teatro de Comfamiliar. (Cra. 5ta. No. 21-48)<o:p></o:p></span></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<b><span lang="ES-CO">Conferencias y Proyecciones <o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO">08: 00 a.m. = “La
Colonización en el Quindío y José María Ocampo Toro <i>EL TIGRERO</i>”. Documental.
Presentación a cargo de su
realizador, <b><i>JORGE HERNANDO DELGADO</i></b>.
Cine clubista, cineasta e investigador
quindiano.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO">09:00 a.m. = “La
imagen publicitaria: los cortometrajes que venden”. <b><i>JAIME PONCE. </i></b>Crítico de
Cine de RCN Radio nacional.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO">10: 00 a.m. = “Sobre el Maestro de la Crítica de Cine LUIS
ALBERTO ÁLVAREZ”; Cortometraje y Charla.
Presentación de un nuevo ejemplar de la
Revista BABEL, dedicada al crítico Luis Alberto Álvarez<b><i>. VÍCTOR MANUEL BUSTAMANTE. </i></b> Escritor, Crítico de Cine e Investigador antioqueño.<b><i><o:p></o:p></i></b></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO">11: 00 a.m. = “El amor es más fuerte que la muerte”,
aproximación al pensamiento de Luis Alberto Álvarez, a cargo de <b><i>ANDRÉS
UPEGUI</i></b>, Cineasta y Coordinador Cultural del Festival de Cine de JARDÍN,
Antioquia.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO">12: 00 m. = Presentación del libro “La fobia de
Moliere” a cargo de su autor <b><i>GONZALO
RESTREPO SÁNCHEZ.<o:p></o:p></i></b></span></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<b><span lang="ES-CO">RECESO</span></b><span lang="ES-CO"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO"> 2:
00 p.m. = Libro: “En busca del Cine
Negro en Colombia”. A cargo de su autor <b><i>ANDRÉS
VÉLEZ CUERVO</i></b>.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO">2: 40 p.m. =
“Yo y Luis Alberto Álvarez y la
Crítica de Cine en Colombia en la actualidad”; <b><i>JUEAN DIEGO VELASQUEZ. </i></b>Cinéfilo
antioqueño.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO">3: 20 p.m. = “El Corto de Jean Luc Godard”. <b><i>JUAN GUILLERMO RAMÍREZ</i></b>. Crítico de
Cine bogotano.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO">4:20 p.m. = “Los
cortometrajes son ideas filmadas que cuando se ponen a circular, se convierten
en historias que perduran”. <b><i>GERMÁN A. OSSA E</i></b>., Director de los Encuentros Nacionales de
Críticos de Cine de Pereira. Crítico de Cine de EL DIARIO DEL OTÚN/ LA TARDE de
Pereira.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO">6:30 p.m.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO">Teatro de Comfamiliar<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO">Proyección de la película “<u>FIN DE SEMANA EN FAMILIA</u>”, de<b> <i>Benjamin Epps</i></b><i>.<o:p></o:p></i></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<b><u><span lang="ES-CO">Domingo 14:<o:p></o:p></span></u></b></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO">Lugar: Teatro de Comfamiliar.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO">08.00 a.m. = “Nuevas
estrategias para el Cine Nacional”. <b><i>Experiencias de CINEMATECA RODANTE. IDARTES</i></b>.
Bogotá. <b><i>Gloria Huertas</i></b>, Directora
del cortometraje “Caminos de Mujer”; <b><i>Julián Camelo</i></b>, director del corto
“Chirri Amor” y <b><i>Xiomara Rojas</i></b>, en representación de la Cinemateca Distrital.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO">09:00 a.m. = “El cine de los pantalones cortos” con exhibición
de cortos de Raoul Servais y Claudio Caldini. <b><i>OMAR ARDILA. </i></b>Crítico de
Cine huilense, Poeta.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO">10:00 a.m. = “Generalidades sobre la Crítica de Cine en
Latinoamérica”. <b><i>JORGE RUFFINELLI</i></b>. Uno de los más importantes críticos de cine
de Latinoamérica.(Uruguay- USA) (S.C.).<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO">10: 00 a.m. = Presentación del libro “El Cine contra las
películas”, de Jaime Andrés Ballesteros, a cargo del cine clubista borgiano <b><i>NELSON
ZULUAGA</i></b>. Experto en Comics, Cine clubista, guionista.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO">11:00 a.m.= “Harun Farocki y los inicios del Nuevo Cine
Alemán”. Exhibición de un cortometraje
del cineasta alemán. <b><i>GUSTAVO
VALENCIA. </i></b>Crítico de cine
bogotano. Experto en Cine alemán.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<b><span lang="ES-CO">RECESO<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO">Lugar: SALA DE CONCERTACIÓN No. 1 del <b>Centro
Cultural “LUCY TEJADA”. (Cra. 10 Calles 17 y 16)</b><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO">2:00 P.m. = “Mi experiencia como
cortometrajista”. Ejemplos. <b><i>OSCAR MARIO ESTRADA.<o:p></o:p></i></b></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO">3:00 P.m.=
Presentación de la Revista de
Cine <b>CANDILEJAS</b>, del Centro Cultural
de la Universidad del Tolima. <b><i>ANGÉLICA
MORA</i></b>, Editora.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO">3: 40 P.m. = “El Carnaval de Barranquilla
en el cortometraje del Caribe colombiano”, <b><i>GONZALO RESTREPO SÁNCHEZ. </i></b>Crítico de
cine barranquillero. Escritor.<b><i><o:p></o:p></i></b></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO">4:40 p.m. = “Manizales City: Arqueología
visual de la cultura Material e Inmaterial de una sociedad cafetera a
principios del Siglo XX”; <b><i>CARLOS JULIO GONZALEZ. </i></b>Investigador.
Docente universitario.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO">5:40 p.m. = “Cortas
miradas al cine corto”. <b><i>FELIPE MORENO. </i></b>Director del Festival
de Cine de Cortometrajes “EL ESPEJO” de Bogotá. Analista cinematográfico. Docente.
<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO">6:20 P.m. = Presentación de Festivales
pertenecientes a la ANAFE (Asociación Nacional de Muestras, Festivales y
Eventos cinematográficos de Colombia), Libros y Revistas de Cine.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<b><u><span lang="ES-CO">Lunes 15:<o:p></o:p></span></u></b></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO">Lugar: HOTEL DEL CAFÉ. (Calle 20 No. 4-60).
<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO">9:00 a.m. = Experiencias en Medellín con el
audiovisual. Conversatorio.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO">10:00 a.m. = Premiación 8º. Concurso de
Cortometrajes del Eje Cafetero.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-CO">11:00 a.m. = Reunión de la Asociación
Nacional de Críticos y Periodistas de Cine.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<i><span lang="ES-CO" style="color: red;">Del 9 al 15 de Agosto (martes a lunes): Exhibición de LOS
CORTOS PERTENECIENTES A LA cinemateca rodante de IDARTES (Bogotá) en el Museo de Arte de Pereira, Salón de
Audiovisuales, a las 7:00 p.m., y en la
sede del Cine Club Borges de Santa Rosa de Cabal.<o:p></o:p></span></i></div>
<div class="MsoNormal">
<i><span lang="ES-CO" style="color: red;">Coordinación a cargo de Nelson Zuluaga.<o:p></o:p></span></i></div>
<div class="MsoNormal">
<b><i><span lang="ES-CO">Cortometrajes a exhibir:<o:p></o:p></span></i></b></div>
<div class="MsoNormal">
<b><i><span lang="ES-CO">“El jarrón”, de José Luis Jaimes<o:p></o:p></span></i></b></div>
<div class="MsoNormal">
<b><i><span lang="ES-CO">“Reyna”, de John Salazar Montero<o:p></o:p></span></i></b></div>
<div class="MsoNormal">
<b><i><span lang="ES-CO">“Solo cuando me pierdo en mí”, de Jairo Benavides<o:p></o:p></span></i></b></div>
<div class="MsoNormal">
<b><i><span lang="ES-CO">“A mil”, de Daniel Buitrago<o:p></o:p></span></i></b></div>
<div class="MsoNormal">
<b><i><span lang="ES-CO">“La Hacienda”, de Iván Parra<o:p></o:p></span></i></b></div>
<div class="MsoNormal">
<b><i><span lang="ES-CO">“Chirri mi amor”, de Julián Camelo<o:p></o:p></span></i></b></div>
<div class="MsoNormal">
<b><i><span lang="ES-CO">“Veladas eternas”, de Julián Álvarez<o:p></o:p></span></i></b></div>
<div class="MsoNormal">
<b><i><span lang="ES-CO">“Invasión”, de Alejandro Morales<o:p></o:p></span></i></b></div>
<div class="MsoNormal">
<b><i><span lang="ES-CO">“Esperanza”, de Angélica Casij<o:p></o:p></span></i></b></div>
<div class="MsoNormal">
<b><i><span lang="ES-CO">“El cinco años”, de Dayra del Carmen Charfuelan y
otras<o:p></o:p></span></i></b></div>
<div class="MsoNormal">
<b><i><span lang="ES-CO">“Al sonar campesino”, de Sonia Cifuentes<o:p></o:p></span></i></b></div>
<div class="MsoNormal">
<b><i><span lang="ES-CO">“caminos de mujer”, de Gloria Huertas<o:p></o:p></span></i></b></div>
<div class="MsoNormal">
<b><i><span lang="ES-CO">“Saber y vida”, Creación colectiva<o:p></o:p></span></i></b></div>
<div class="MsoNormal">
<b><i><span lang="ES-CO">“Se me hizo el milagrito”, de Diego Saldarriaga<o:p></o:p></span></i></b></div>
<div class="MsoNormal">
<b><i><span lang="ES-CO">“Suyai”, de Martha Alejandra Villalba.<o:p></o:p></span></i></b></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<b><i><span lang="ES-CO">Exposición de
trabajos plásticos del artista
James Llanos “24 X Segundo”, en la Sala EL CORREDOR de Comfamiliar, durante el
mes de agosto.<o:p></o:p></span></i></b></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<b><i><u><span lang="ES-CO">Todos los eventos
con Entrada libre y gratuita.<o:p></o:p></span></u></i></b></div>
<br />
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
</div>
Omar Ahttp://www.blogger.com/profile/05665780406648038335noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8116240328939524638.post-28341518704703886712016-03-20T20:31:00.000-07:002016-03-20T20:31:55.533-07:00La música y el cine: de la funcionalidad al experimentalismo<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh3k-WM816b2ACKvaTTHRVA6QXp0f3x6x-LHg9GrcY7qZTxsUUT0464Kz96XXHkQEymH3zHHlQiLINH4JR1C9GvIVkj16-OuumX7SyWBj1NU-nE_-1lVAqlJylugGHlzCuyqPlEIRKKyjQ/s1600/musica-de-cine.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh3k-WM816b2ACKvaTTHRVA6QXp0f3x6x-LHg9GrcY7qZTxsUUT0464Kz96XXHkQEymH3zHHlQiLINH4JR1C9GvIVkj16-OuumX7SyWBj1NU-nE_-1lVAqlJylugGHlzCuyqPlEIRKKyjQ/s400/musica-de-cine.jpg" width="400" /></a></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="line-height: 150%; mso-margin-bottom-alt: auto; mso-margin-top-alt: auto; text-align: center; text-indent: 35.45pt;">
<br /></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="line-height: 150%; mso-margin-bottom-alt: auto; mso-margin-top-alt: auto; text-align: center; text-indent: 35.45pt;">
<b><span style="font-size: 14.0pt; line-height: 150%;"><br /></span></b></div>
<div align="right" class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-left: 8.0cm; mso-margin-bottom-alt: auto; mso-margin-top-alt: auto; text-align: right; text-indent: 35.45pt;">
<i>La música sigue siendo un vaso comunicante
tan políglota como ambiguo<o:p></o:p></i></div>
<div align="right" class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-left: 8.0cm; mso-margin-bottom-alt: auto; mso-margin-top-alt: auto; text-align: right; text-indent: 35.45pt;">
<span style="font-variant: small-caps;">mauricio kagel<o:p></o:p></span></div>
<div align="right" class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-left: 8.0cm; mso-margin-bottom-alt: auto; mso-margin-top-alt: auto; text-align: right; text-indent: 35.45pt;">
<span style="font-variant: small-caps;"><br /></span></div>
<div align="right" class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-left: 8.0cm; mso-margin-bottom-alt: auto; mso-margin-top-alt: auto; text-align: right; text-indent: 35.45pt;">
<i>Es la música la que escribe sobre el género
humano, en lugar de ser ella la que está siendo compuesta<o:p></o:p></i></div>
<div align="right" class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-left: 8.0cm; mso-margin-bottom-alt: auto; mso-margin-top-alt: auto; text-align: right; text-indent: 35.45pt;">
<span style="font-variant: small-caps;">morton feldman<o:p></o:p></span></div>
<div align="right" class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-left: 8.0cm; mso-margin-bottom-alt: auto; mso-margin-top-alt: auto; text-align: right; text-indent: 35.45pt;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; mso-margin-bottom-alt: auto; mso-margin-top-alt: auto; text-align: justify;">
<b>Primeras
aproximaciones <o:p></o:p></b></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; mso-margin-bottom-alt: auto; mso-margin-top-alt: auto; text-align: justify;">
<b><br /></b></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; mso-margin-bottom-alt: auto; mso-margin-top-alt: auto; text-align: justify;">
Una de las cuestiones sobre las que se ha
teorizado en menor medida en los estudios cinematográficos es la incidencia de
la música en las obras fílmicas. Sin embargo, tal como lo anota Rusell Lack,
desde los comienzos de la cinematografía, la presencia de la música ha sido
notable: básicamente estaba como acompañamiento en directo durante las primeras
proyecciones, lo que respondía al intento de extender la cotidianidad sumándole
esa música que convocaba en los escenarios populares.<o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; mso-margin-bottom-alt: auto; mso-margin-top-alt: auto; text-align: justify;">
Al parecer, el propósito inicial de los
realizadores era opacar el ruido del equipo de proyección y ayudar a combatir
la distracción frecuente del público. Con posterioridad, la música empezaría a
estar al servicio de la imagen, en un intento por “reproducir” los sucesos que
ocurrían en la pantalla.<o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; mso-margin-bottom-alt: auto; mso-margin-top-alt: auto; text-align: justify;">
En consonancia, Michel Chion agrega que
fue más adelante cuando se creó una temporalidad que permitía ubicar al
individuo (que apreciaba la obra en su soledad) más allá del tiempo cotidiano,
es decir, en un tiempo de representación (45). Además, la música posibilitó la
creación de un espacio, de un decorado y de una atmósfera que ayudaban a
suscitar otras emociones, no necesariamente vinculadas con los diálogos y la
acción.<o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; mso-margin-bottom-alt: auto; mso-margin-top-alt: auto; text-align: justify;">
La música que empezó a poblar las
narrativas fílmicas tenía, además, antecedentes en la intermitente música
escénica del drama y en los pasajes y números cantados de la comedia, que
siempre se mantuvieron como elementos externos que no pretendían la unidad,
sino la evocación, luego de imprimirle múltiples sentidos a su puesta en
escena.<o:p></o:p></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgPcM9jouzNMrDhERPv51xvpwSTDtZTC_0XaunK1NFgbmCsCX1pggzdJlOhL4qJBZvlqqCb4zJhZlseNw7AkBiRnpJK6S5_LJqReealelY86yJ5noojhfC-MXtWkcPagPaY8goGy_YkO9k/s1600/la+musica+en+el+cine+Lack.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgPcM9jouzNMrDhERPv51xvpwSTDtZTC_0XaunK1NFgbmCsCX1pggzdJlOhL4qJBZvlqqCb4zJhZlseNw7AkBiRnpJK6S5_LJqReealelY86yJ5noojhfC-MXtWkcPagPaY8goGy_YkO9k/s400/la+musica+en+el+cine+Lack.jpg" width="263" /></a></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; mso-margin-bottom-alt: auto; mso-margin-top-alt: auto; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; mso-margin-bottom-alt: auto; mso-margin-top-alt: auto; text-align: justify;">
Antes del cine, ya se podía hablar de dos
artes del movimiento: la danza y la música, que, de cierto modo, sirvieron de
referencia para el nuevo dispositivo artístico. Luego vendrían a corroborarse
otras cercanías entre el cine y la música, entre ellas el carácter de “artes de
la <i>duración</i>” (temporales) que tienen
como nexo común el <i>ritmo</i>. Estas
proximidades, poco a poco, le permitirían al cine, subjetivar el movimiento y
empezar a funcionar como un “aparato espacio-temporal”.<o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; mso-margin-bottom-alt: auto; mso-margin-top-alt: auto; text-align: justify;">
Por supuesto, la presencia de la música dentro
del cine no dejó de ser problemática, pues muy pronto hubo detractores que (en
su afán purista) consideraron que las dos expresiones debían ir por caminos
diferentes y que no deberían servirse mutuamente para opacar los defectos de la
otra.<o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; mso-margin-bottom-alt: auto; mso-margin-top-alt: auto; text-align: justify;">
En principio, se propagó la idea de que la
música en el filme no debería oírse. Esta fue una propuesta un poco trivial y
empobrecedora de los alcances que ofrecían la conjunción imagen-música, al
usarla de manera constructiva y creadora de contrastes, es decir, haciendo que
la música se ubicara al nivel de la acción dentro de la narrativa fílmica.<o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; mso-margin-bottom-alt: auto; mso-margin-top-alt: auto; text-align: justify;">
De todas maneras, estos postulados, a
veces radicales, han servido para ahondar en la especificidad de las dos
expresiones artísticas y para esclarecer sus vínculos. Así, aunque reconocemos
que la música no es lo esencial del cine, hoy vemos que algunas de sus formas
sí pueden definirle un itinerario o una impronta. No hay que olvidar que son
distintas las posibilidades perceptuales del ojo y del oído. Este último se ha
acomodado menos al avance de la industrialización y a la multitud de imágenes
que de allí se derivan (la predominancia de la imagen de la que han hablado
Godard o Virilio).<o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; mso-margin-bottom-alt: auto; mso-margin-top-alt: auto; text-align: justify;">
Sin embargo, la música también se ha
dejado seducir por la propuesta que busca adecuarla a unos sonidos de época o a
unas tonalidades predominantes. Por esa razón, no deja de ser relevante
reflexionar sobre la función de la música, su aporte, el auxilio o la
reivindicación que logra hacer de una “mala” filmación debido a la contundencia
de su partitura (especialmente para cierto cine que se piensa a sí mismo desde
y en la misma elaboración de sus formas).<o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; mso-margin-bottom-alt: auto; mso-margin-top-alt: auto; text-align: justify;">
Una vez que la música empezó a instalarse
dentro de la forma cinematográfica, fue adquiriendo ciertas formas. La primera
fue el <i>leitmotiv</i> (“células musicales
asociadas a los personajes”), con el cual se pretendió enfocar algo de manera
fácil pero contundente, dado su carácter evocador y que podía memorizarse
fácilmente. No obstante, presentaba el problema de no seguir la secuencialidad
propia del montaje cinematográfico. Ya se auguraba, entonces, la necesidad de
construir una obra mayor que mantuviera cierta organicidad.<o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; mso-margin-bottom-alt: auto; mso-margin-top-alt: auto; text-align: justify;">
Una segunda forma fue la <i>melodía</i> (“sucesión de sonidos musicales
muy expresivos, que tienen sentido en sí mismos”), aunque el problema en el
cine predominante (el del modo de representación institucional) es que no se
podía desplegar la independencia del compositor y el desarrollo de su “idea”;
pues tenía prioridad la funcionalidad, y no la expresividad, del compositor,
con lo que se perdía, entonces, el carácter poético de la melodía.<o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; mso-margin-bottom-alt: auto; mso-margin-top-alt: auto; text-align: justify;">
Generalmente, el desarrollo del filme (por
su conformación óptica) es más cercano a la prosa y a la asimetría. Por ende,
la estructuración simétrica propia de la melodía se ve necesariamente reducida.
Claro que, como veremos más adelante, esto empezará a sufrir rupturas cuando se
incorporen elementos musicales experimentales a los filmes, con los cuales se
irá más allá de la consagrada funcionalidad.<o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; mso-margin-bottom-alt: auto; mso-margin-top-alt: auto; text-align: justify;">
Por otra parte, no hay que olvidar que la
música empezó resolviendo o solucionando las intenciones <i>dramáticas</i> del filme, dejando de lado el aspecto referido a la
composición. Y, cuando dicha <i>función
dramática</i> se toma en serio, puede llegar a ser un elemento central de la
narración fílmica.<o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; mso-margin-bottom-alt: auto; mso-margin-top-alt: auto; text-align: justify;">
En ese sentido, Aaron Copland considera
que la música cinematográfica es una forma de música dramática, pues hay muchas
ocasiones en las que la música se pone en un filme siguiendo únicamente una
intención dramático-musical. Claro que también se ha utilizado como <i>contrapunto dramático</i>, en oposición
evidente a lo que la imagen pretende mostrar, con lo cual se amplía el
horizonte estético, pues, antes que ambientar, busca intensificar o
simplificar. El recordado director soviético Sergei Eisenstein consideraba que
el vínculo de la música con el cine estaba dado por el tiempo; especialmente a
través de la forma musical del “contrapunto”, ese elemento estético central que
buscaba en sus filmes.<o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; mso-margin-bottom-alt: auto; mso-margin-top-alt: auto; text-align: justify;">
Otro mecanismo explotado recurrentemente
por el cine ha sido la <i>tensión musical</i>
(del dramatismo a la tensión). Pero también se le ha dado cabida a la
interrupción, para dilatar la resolución, para descansar, para invitar a que se
aprecien otros elementos. En fin, podríamos decir que el cine mismo ha sido
concebido y conformado como una polifonía, siendo capaz de expresar por sí solo
el contrapunto. Así pues, teniendo en cuenta estos presupuestos, nos queda más
fácil entender que, como asevera Claudia Gorbman,<span lang="es-419"> “toda música filmada sufre una
narrativización”.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; mso-margin-bottom-alt: auto; mso-margin-top-alt: auto; text-align: justify;">
En estas primeras aproximaciones, es
necesario dirigir rápidamente la mirada a lo que supuso la introducción del
sonido dentro de la obra fílmica misma, cuando se instaló ya como algo
constitutivo de ella. Paradójicamente, con la llegada del sonido, la música fue
opacada por la imagen y pasó a un segundo plano.<o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; mso-margin-bottom-alt: auto; mso-margin-top-alt: auto; text-align: justify;">
Esto se debe a la exigencia de las
productoras de transmitir un naturalismo y un realismo (para seguir con la
estructura clásica de otras artes a las que estaban acostumbrados los
espectadores) y a la resistencia del sistema perceptivo a analizar lo sonoro
desde un punto de vista material. Sumado a ello, también se presentaron
problemas en las grabaciones debidos al ruido de fondo, que seguía siendo
bastante alto, a la falta de profundidad del sonido y a la presencia de la música
en un primer plano (muy superficial) como si estuviera hecha para un solo oído.<o:p></o:p></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjYgclKQ53HvW3iZSkiMa8BcgGMmmzS7UmEPgcXz20qj6OM_iaONh70jsCiCDTCRqCcbRueOvYz4nH64rqi40BzQNtdUqGPoVMhKyJSH09nGr7w9l-JxqAhA3BblCJX4v5uB8jH_pTFC8E/s1600/La+musica+en+el+cine+Chion.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjYgclKQ53HvW3iZSkiMa8BcgGMmmzS7UmEPgcXz20qj6OM_iaONh70jsCiCDTCRqCcbRueOvYz4nH64rqi40BzQNtdUqGPoVMhKyJSH09nGr7w9l-JxqAhA3BblCJX4v5uB8jH_pTFC8E/s400/La+musica+en+el+cine+Chion.jpg" width="265" /></a></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; mso-margin-bottom-alt: auto; mso-margin-top-alt: auto; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; mso-margin-bottom-alt: auto; mso-margin-top-alt: auto; text-align: justify;">
Finalmente, resulta adecuado recordar
algunos elementos teóricos sobre la presencia de la música en el cine. Según el
teórico estadounidense Robert Stam, hay tres tipos de formas musicales en un
filme: 1) música interpretada dentro del filme (sincronizada o
postsincronizada); 2) música grabada preexistente; 3) música compuesta
especialmente para el filme.<o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; mso-margin-bottom-alt: auto; mso-margin-top-alt: auto; text-align: justify;">
Para el compositor Aaron Copland, la
música sirve en la pantalla de varias maneras: 1) crea una atmósfera más
conveniente de tiempo y lugar; 2) subraya refinamientos psicológicos; 3) sirve
como una especie de fondo neutro; 4) da un sentido de continuidad; 5) sostiene
la estructura teatral de una escena.<o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; mso-margin-bottom-alt: auto; mso-margin-top-alt: auto; text-align: justify;">
Por su parte, Michel Chion prefiere hablar
de “música de pantalla”, antes que de “música diegética”, y de “música de
fondo”, en lugar de “música extradiegética”. Asimismo, también desarrolla los
conceptos de música <i>empática</i> (la que
está vinculada o adherida expresamente a un sentimiento) y <i>anempática</i> (la que sigue su curso de manera indiferente ante
cualquier acontecimiento expreso de la narrativa fílmica; tal como sucede con
el discurrir del mundo, que continúa su marcha aunque para un sujeto todo haya
terminado).<o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; mso-margin-bottom-alt: auto; mso-margin-top-alt: auto; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; mso-margin-bottom-alt: auto; mso-margin-top-alt: auto; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; mso-margin-bottom-alt: auto; mso-margin-top-alt: auto; text-align: justify;">
<b>Definición
de una forma: la funcionalidad<o:p></o:p></b></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; mso-margin-bottom-alt: auto; mso-margin-top-alt: auto; text-align: justify;">
<b><br /></b></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; mso-margin-bottom-alt: auto; mso-margin-top-alt: auto; text-align: justify;">
La primera forma en que la música hizo
presencia en el cine fue manifestando una funcionalidad, justo en el momento en
que se empezó a imponer la <i>Gebrauchsmusik</i>
(‘música para usar’ o ‘música para tocar y cantar’) durante los años veinte y
treinta del siglo pasado.<o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; mso-margin-bottom-alt: auto; mso-margin-top-alt: auto; text-align: justify;">
El propósito era retomar la música
prerromántica y alejar la complejidad, de modo que resultara más cercana al
público. Grandes compositores del entorno académico musical, como Hindemith,
Copland, Milhaud y Britten, acogieron dicha tendencia, que se enmarcaba dentro
del movimiento de la “nueva objetividad”, tan difundido en Alemania durante
esos años y que buscaba que el arte fuera social y práctico (de Arcos 64-65).<o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; mso-margin-bottom-alt: auto; mso-margin-top-alt: auto; text-align: justify;">
Los encargos hechos a compositores del
mundo clásico —como el que, en 1908, la sociedad de producción francesa Le Film
d’Art le hizo a Camille Saint-Saens para que compusiera la música original del
filme <i>El asesinato del duque de Guisa</i>—
respondían al interés de acompañar las imágenes con un fondo musical que les
sirviera de ilustración o ambientación, mas no como elemento expresivo que
pudiera hacer parte de la narración o de la puesta en escena.<o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; mso-margin-bottom-alt: auto; mso-margin-top-alt: auto; text-align: justify;">
Sin embargo, en esos años, fue común
recurrir a reconocidos compositores que, poco a poco, empezaron a figurar en el
equipo de producción (aunque casi siempre trabajando a distancia). Entre ellos
vale la pena recordar a Maurice Jaubert, Bernard Herrmann, Arthur Honegger,
Erik Satie, Paul Hindemith, Sergei Prokofiev, Dimitri Shostakovich y Francis
Poulenc.<o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; mso-margin-bottom-alt: auto; mso-margin-top-alt: auto; text-align: justify;">
Sin embargo, hubo muchos directores
importantes que desestimaron la creación propia de una pieza musical para su
filme y, en cambio, recurrieron al uso de grandes obras clásicas de los siglos
XVIII y XIX. Para facilitar las cosas y expresar libremente el encantamiento
con alguna obra clásica, el director optaba por incluirla como un parte
integrada con la diégesis.<o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; mso-margin-bottom-alt: auto; mso-margin-top-alt: auto; text-align: justify;">
No obstante, el uso de ciertos fragmentos
de obras clásicas también suscitó agudas polémicas respecto a la vinculación
(superposición) de “sublimes” frases musicales con “grotescas” imágenes.
Además, había una segunda preocupación, pues era posible que la sinfonía
funcionara muy bien, a nivel estructural de la secuencia, pero que no se
adecuara al flujo narrativo.<o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; mso-margin-bottom-alt: auto; mso-margin-top-alt: auto; text-align: justify;">
Andréi Tarkovski dice que, desde los inicios,
el uso de la música en el cine estuvo concentrado en establecer
correspondencias con “el ritmo y la tensión emocional de las<span lang="es-419"> imágenes”. </span>Siguiendo esta reflexión,
podríamos decir que el elemento inicial que instala la música en el cine es la <i>sensación</i>, dado su carácter popular de
espectáculo de feria. Más tarde se irá adaptando a las variaciones modernas que
experimenta la música en general: la tensión en la armonía y la ruptura con la
simetría y la misma tonalidad.<o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; mso-margin-bottom-alt: auto; mso-margin-top-alt: auto; text-align: justify;">
Sin embargo, los clichés se han mantenido
preponderantemente, pues facilitan y dirigen las emociones. Esta ha sido la
tendencia canónica, en correspondencia con el modo de representación
institucional. El mecanismo para producir la música en el clásico Hollywood
desligaba el trabajo en tres agentes: compositor, arreglista y director musical
(que tenía la última palabra y era el que hacía la grabación).<o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; mso-margin-bottom-alt: auto; mso-margin-top-alt: auto; text-align: justify;">
Dicho modelo tenía unas líneas
fundamentales: el sinfonismo y el <i>leitmotiv</i>,
estas propiciaban la función musical “ilustradora” de espacios o estados de
ánimo. Frente a esta unidireccional manera de concebir la música para el cine,
Hans Eisler protestaba de la siguiente manera:<o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; mso-margin-bottom-alt: auto; mso-margin-top-alt: auto; text-align: justify;">
<i>Dado
que el cine no es una obra de arte (unificada), y dado que la música ni puede
ni debe ser parte de tal unidad orgánica, el intento de imponer unidad
estilística a la música para el cine es absurdo… Lo que se necesita es una
planificación musical, un uso libre y consciente de todos los recursos
musicales sobre la base de una percepción precisa de la función dramática de la
música, que es diferente en cada caso. (Citado en Lack 108)<o:p></o:p></i></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjJcDIE8DSadiIQTUvXvfdCrXCT3T0iyNmGAFifx2m8hlWlXiLEfQkBm0X24LTw8q9EUXtr5nEIRqYYKrI3mx_x-Q_nGZzTM2cAE9_p3yN2ciQ5HdOiUizU6knhSqSUDP7BnFhBsfC-sN4/s1600/el+cine+y+la+musica+adorno.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjJcDIE8DSadiIQTUvXvfdCrXCT3T0iyNmGAFifx2m8hlWlXiLEfQkBm0X24LTw8q9EUXtr5nEIRqYYKrI3mx_x-Q_nGZzTM2cAE9_p3yN2ciQ5HdOiUizU6knhSqSUDP7BnFhBsfC-sN4/s400/el+cine+y+la+musica+adorno.jpg" width="279" /></a></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; mso-margin-bottom-alt: auto; mso-margin-top-alt: auto; text-align: justify;">
<i><br /></i></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; mso-margin-bottom-alt: auto; mso-margin-top-alt: auto; text-align: justify;">
Adorno y Eisler advertían que el
compositor musical, al enfrentarse al cine, estaba inaugurando una nueva faceta
de su práctica. Ahora debía pensar más en secuencias aisladas y ver cómo estas
tenían una función particular dentro de un todo que es la obra cinematográfica.
Según ellos, el compositor para cine piensa en “periodos”, antes que en
“desarrollos”. Y la conjunción de dichos periodos es la que lleva a un
desarrollo temático, pues la adecuación de la estructura musical a la forma del
cine supone una “variación” permanente, una técnica de la variación bastante
desarrollada por la música.<o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; mso-margin-bottom-alt: auto; mso-margin-top-alt: auto; text-align: justify;">
Por tal razón, el compositor requiere
conocer el filme en su conjunto para así poder establecer una “planificación” y
lograr que la interacción sea fructífera. Se precisa, entonces, que la
sincronización imagen-música sea tenida como eje central. Pero la realidad que
observaban los autores alemanes distaba mucho de esa pretensión. Por eso,
anhelaban que la labor del compositor de música para cine tuviera la altura
necesaria y la suficiente libertad para darle vida a una obra completa, aunque
fragmentada (por razones obvias del filme), y autónoma.<o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; mso-margin-bottom-alt: auto; mso-margin-top-alt: auto; text-align: justify;">
En ese sentido, consideraban que “la
música del cine [debía] ser elevada al nivel técnico de la producción, y no
solo al de la reproducción” (Adorno y Eisler 173). Creo que esta es una
preocupación que aún mantiene su vigencia y sobre la cual vale la pena volver
para profundizar en el estudio de la música en el cine.<o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; mso-margin-bottom-alt: auto; mso-margin-top-alt: auto; text-align: justify;">
Según este planteamiento, lo que se busca
es que haya una captación en la marcha, de manera incidental, puesto que en el
filme usualmente no hay tiempo para las profundidades, para la contemplación
pausada de la estructura musical. Pero la gran paradoja es que esa música debe
estar también armonizada con la imagen para que pueda suplir la profundidad que
a esta le falta.<o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; mso-margin-bottom-alt: auto; mso-margin-top-alt: auto; text-align: justify;">
En términos musicales, se debería estar
circulando más bien en los bordes (lo que no implica superficialidad), en el
movimiento y en el color, antes que en la armonía. La música en el cine debe
estar, pero no permanecer; debe completar la imagen, pero saber fugarse para
hacerse lo menos notoria <i>¡En la
imperceptibilidad está su potencia!</i><o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; mso-margin-bottom-alt: auto; mso-margin-top-alt: auto; text-align: justify;">
Por su parte, Michel Chion sostiene que la
música no alcanza a ser absorbida por el filme, pues permanece en su ritmo, que
sigue siendo autónomo. Esto no quiere decir que, en ocasiones, la música
alcance a ser “el universo concreto del filme, que escapa a las leyes de lo
real” (algo pretendidamente buscado por cierto tipo de cine). Y, precisamente
por eso, puede conducir a un orden simbólico o creador que organiza el resto
del filme (202).<o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; mso-margin-bottom-alt: auto; mso-margin-top-alt: auto; text-align: justify;">
Asimismo, precisa que ahora es más fácil
separarse del “servilismo” de la música frente al filme, para proponer que esta
ayude a simbolizarlo, a imprimirle un sentido o a expresar ese universo en el
que se mueve toda la obra o, en ocasiones, fragmentos de ella. Además, nos
recuerda que, con la aparición del “sonoro”, se hizo más común el uso de la
música vinculada a la acción, lo que se fundamentó en la intención de expresar
cierto realismo (materialismo), en oposición a la “fuga” lírica que pudiera
provocar una música “incidental”.<o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; mso-margin-bottom-alt: auto; mso-margin-top-alt: auto; text-align: justify;">
Para cerrar esta rápida aproximación a la
funcionalidad de la música en el cine, cabe plantear que la música
cinematográfica no está necesariamente jerarquizada frente a la imagen, pues,
es el único elemento del filme que conserva su autonomía, su carácter de
principio en sí mismo y puede funcionar de manera aislada (por ejemplo, las
bandas sonoras tienen sus propios canales de difusión y sus fervientes
seguidores).<o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; mso-margin-bottom-alt: auto; mso-margin-top-alt: auto; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; mso-margin-bottom-alt: auto; mso-margin-top-alt: auto; text-align: justify;">
<b>Variaciones
desde la teoría musical <o:p></o:p></b></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; mso-margin-bottom-alt: auto; mso-margin-top-alt: auto; text-align: justify;">
<b><br /></b></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; mso-margin-bottom-alt: auto; mso-margin-top-alt: auto; text-align: justify;">
La tradición y los primeros acercamientos
a la música en el cine nos muestran que la prioridad era buscar la
funcionalidad, la aplicación de la música a una estructura narrativa
audiovisual. Con la música en el cine, se perpetuó una tradición conservadora:
la tonalidad. Y, por eso, la tradición decimonónica de Hollywood optó por el
uso de la gran música clásica en sus filmes.<o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; mso-margin-bottom-alt: auto; mso-margin-top-alt: auto; text-align: justify;">
Pero, con el cambio sucedido durante el
siglo XX en cuestiones musicales (dodecafonismo, electroacústica, acusmática,
experimental), también se le abrieron nuevos intereses a la música para cine;
aunque cabe decir que, inicialmente, la música de cine no sintió la evolución
de la música, pues retomó la forma romántica de la melodía (propia del siglo
XIX).<o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; mso-margin-bottom-alt: auto; mso-margin-top-alt: auto; text-align: justify;">
Sin embargo, la evolución musical tiene
que ver con la historia de la tecnología musical y con los cambios culturales
de los oyentes. Y la historia de la música cinematográfica, ineludiblemente, ha
estado unida a la historia del cine. Este usualmente ha empleado formas
musicales breves, a diferencia de la tradición de la música tonal (predominante
en los primeros años del cine), que tiende a ser de composiciones largas.<o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; mso-margin-bottom-alt: auto; mso-margin-top-alt: auto; text-align: justify;">
La composición para cine inauguró una
nueva forma de creación musical en la que la concisión y la reparación eran
puntos determinantes. Para eso, se precisaba una adecuación al flujo dramático,
una preparación, una intensificación, un adelantamiento y una conclusión; todo esto,
apegándose (como línea básica) a la variación permanente que se presentaba
dentro de un filme.<o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; mso-margin-bottom-alt: auto; mso-margin-top-alt: auto; text-align: justify;">
Justamente, las nuevas creaciones
musicales también llegaron al cine para proponerle rupturas y variaciones. Una
de esas primeras incorporaciones musicales renovadoras de la dinámica
cinematográfica fue el uso de la técnica compositiva dodecafónica por parte de
Leonard Rosenman, en el filme <i>La telaraña</i>
(Vicent Minelli, 1955). Aunque Schömberg había desarrollado su escala
dodecafónica hacia la primera década del siglo pasado, solo hasta la década de
los cincuenta, empezaría a hacer presencia en obras cinematográficas.<o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; mso-margin-bottom-alt: auto; mso-margin-top-alt: auto; text-align: justify;">
El punto de quiebre que marcó un avance en
el papel que entraría a jugar la música en el cine se dio a partir de la década
de los cincuenta; cuando, por un lado, se reforzó el vínculo con el <i>serialismo</i> musical y, por otro, se
avanzó en la aceptación del azar como elemento para la composición musical
fílmica. También influyó el posicionamiento de la música electrónica y,
finalmente, el surgimiento de la <i>música
concreta</i>, que le daría cabida a sonidos musicales o naturales procedentes
de discos de gramófono, los cuales eran retomados y modificados para hacer
parte de una composición mayor.<o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; mso-margin-bottom-alt: auto; mso-margin-top-alt: auto; text-align: justify;">
Sin embargo, todas estas incorporaciones
han estado opacadas por el poco interés que se ha tenido en estudiar la música
del cine como composición autónoma. El análisis del sonido en el cine solo
empezó a tener trabajos rigurosos a partir de la década de los ochenta, con
excepción del trabajo de Adorno y Eisler, que data de los años cincuenta. Y no
es que este deba ser el punto determinante en los estudios cinematográficos, pero,
ante la ausencia de su estudio, vale la pena empezar a pensar el cine desde
dicha orilla.<o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; mso-margin-bottom-alt: auto; mso-margin-top-alt: auto; text-align: justify;">
Por supuesto, el análisis no debe
necesariamente provenir de los músicos (usualmente concentrados en
rigurosidades estrictamente musicales), pues la tendencia actual muestra que
quienes se preocupan por este tipo de análisis usualmente provienen de otras
áreas, como la filosofía, la literatura o los estudios culturales.<o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; mso-margin-bottom-alt: auto; mso-margin-top-alt: auto; text-align: justify;">
Claro que hay una realidad notable que no
puede pasarse por alto, y es que la música sigue siendo la menos comprendida de
las artes, aunque, al estar configurada como un lenguaje (según dicen los
discursos mayoritarios), debería de ser posible conocer sus elementos para
entenderla. Sin embargo, discusiones contemporáneas ponen en duda la condición
de lenguaje de la música, tal como ha venido discutiéndose desde hace más de
cincuenta años sobre la catalogación del cine como un tipo de lenguaje.<o:p></o:p></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgIMzQgfu_7vu4Cu5gnOtGe6GQWXvt49QW2gntyFfNkL9QqY60CFWTkjxBsqE4IduRp1acHvtoa8Ec6RJ3g_O36UtQHBeJ4PwBhiWjH_Nk1MXJgZA-sPD4a0o2ZP_5i-0zoSk-wST9lpVQ/s1600/experimentalismo+en+la+musica+del+cine.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgIMzQgfu_7vu4Cu5gnOtGe6GQWXvt49QW2gntyFfNkL9QqY60CFWTkjxBsqE4IduRp1acHvtoa8Ec6RJ3g_O36UtQHBeJ4PwBhiWjH_Nk1MXJgZA-sPD4a0o2ZP_5i-0zoSk-wST9lpVQ/s400/experimentalismo+en+la+musica+del+cine.jpg" width="283" /></a></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; mso-margin-bottom-alt: auto; mso-margin-top-alt: auto; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; mso-margin-bottom-alt: auto; mso-margin-top-alt: auto; text-align: justify;">
Adaptándose a las variaciones de la teoría
musical, el cine moderno se alinea con la polifonía y la disonancia. Esta
apertura trae variaciones ventajosas para el desarrollo dramático del filme,
dado que el sonido se autonomiza (aísla) y se dinamiza, lo que abre nuevos
caminos para la interpretación.<o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; mso-margin-bottom-alt: auto; mso-margin-top-alt: auto; text-align: justify;">
El sonido puede, desde un determinado
momento, incitar la tensión, aunque no corresponda con el desarrollo del
relato. Esta variación concuerda con la emancipación de la armonía en el ámbito
musical. Poco a poco, la música en el cine va adquiriendo más relevancia y deja
de ser “telón musical” para pasar a ser “fondo” en el sentido positivo de
“completar”, es decir, de crear contrastes que amplían, que intensifican las
percepciones estéticas.<o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; mso-margin-bottom-alt: auto; mso-margin-top-alt: auto; text-align: justify;">
Junto con la nueva ola, el <i>jazz</i> y el <i>rock</i> ascendieron en el interés para ampliar el espectro musical del
cine. Lo primero que hicieron fue romper con el predominio de la orquesta
sinfónica en la banda musical<a href="file:///D:/CINE%20SENTIDO%202.docx#_ftn1" name="_ftnref1" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">[1]</span></span><!--[endif]--></span></a>:<o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; mso-margin-bottom-alt: auto; mso-margin-top-alt: auto; text-align: justify;">
<i>Fundamentalmente,
por lo que se refiere a la música de cine, el jazz rompió la wagneriana de los
leitmotiv y los temas reemplazando estos por un comentario musical e impresionista,
que funcionaba más como un narrador omnipotente en la película que como una
partitura para el cine. La naturaleza expresiva era más aforística… (Lack 251)<o:p></o:p></i></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; mso-margin-bottom-alt: auto; mso-margin-top-alt: auto; text-align: justify;">
De esta manera, se estaba en consonancia
con el pensamiento de la época (“fragmentario, discontinuo e introvertido”),
que se alejaba con fuerza de la necesidad del mimetismo y del tematismo y que
aproximaba la imagen a una dinámica más temporal, más musical. En la nueva ola,
la música fue un elemento de estilo que prefiguraba la acción e introducía la
ironía.<o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; mso-margin-bottom-alt: auto; mso-margin-top-alt: auto; text-align: justify;">
Con el ascenso de la atonalidad, se le dio
más importancia al <i>timbre</i>, a la <i>textura</i> y a la <i>densidad</i>, mientras que se impuso la libertad rítmica y la ausencia
de dirección, de tema y de melodía. Es decir, la atonalidad ha sido un emblema
de libertad.<o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; mso-margin-bottom-alt: auto; mso-margin-top-alt: auto; text-align: justify;">
Según Ana María Sedeño, la música atonal
tiene una “capacidad parentética (poder de crear un tiempo entre paréntesis,<span lang="es-419"> un fuera de tiempo en el tiempo)”.
Pero </span>no siempre en un filme la música es completamente atonal, pues cada
vez más funciona en apoyo equilibrado con la música tonal, no siempre
recurriendo a los clichés que vinculan a una u otra con desorden u orden.<o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; mso-margin-bottom-alt: auto; mso-margin-top-alt: auto; text-align: justify;">
La música contemporánea se ha adaptado más
fácilmente al cine debido a su característica (compartida) de estar construida
en formas breves (muchas veces independientes). Asimismo, el aporte de
disonancias, proveniente de la música contemporánea, es algo que le interesa al
cine debido a la posibilidad que abre de componer creaciones polifónicas o
contrapuntísticas.<o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; mso-margin-bottom-alt: auto; mso-margin-top-alt: auto; text-align: justify;">
La gran importancia de la música
experimental en el cine es que ha sabido aprovechar la disonancia como recurso
narrativo. En muchas ocasiones, su tono intempestivo e incompleto sirve para
que, o bien la imagen se encargue de llenarlo, o bien el espectador sincronice
sus emociones frente a la obra. No obstante, a pesar de la “emancipación de la
disonancia” (que advierte María de Arcos), alcanzada durante el siglo XX, hoy
la mayoría de la música cinematográfica, a nivel armónico, sigue siendo de
estructura tonal.<o:p></o:p></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjjA4P9s54dasCp0ofEIqNDylp8FfeziUYUBPvhVRjQhDfNoSgcPVveLLVb5VLKIziLHIXqcJt-pqaflzLbJeuWNXDAPs9jT1cNPbZ1gTGo-QBlR_K4TuoRpxjnXeALfCpN3db5rDOO5ZA/s1600/la+musica+contemporanea+en+el+cine.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjjA4P9s54dasCp0ofEIqNDylp8FfeziUYUBPvhVRjQhDfNoSgcPVveLLVb5VLKIziLHIXqcJt-pqaflzLbJeuWNXDAPs9jT1cNPbZ1gTGo-QBlR_K4TuoRpxjnXeALfCpN3db5rDOO5ZA/s400/la+musica+contemporanea+en+el+cine.jpg" width="286" /></a></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; mso-margin-bottom-alt: auto; mso-margin-top-alt: auto; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; mso-margin-bottom-alt: auto; mso-margin-top-alt: auto; text-align: justify;">
Esta breve introducción acerca de lo que
supone reflexionar sobre la música del cine nos empieza a plantear diversos
interrogantes a la luz de la teoría cinematográfica. Es preciso volver a pensar
componentes del filme que pueden tener alcance musical: el movimiento, el ritmo,
el tiempo, la sincronización imagen-sonido. También es necesario volver a
preguntarnos si debe coincidir la imagen con la música: ¿de qué forma:
indirecta o antitética? Quizás volviendo la mirada a los estudios sobre el
montaje, podamos encontrar una mediación para establecer unidad en la
afirmación y en la negación, en la pregunta y en la respuesta.<o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; mso-margin-bottom-alt: auto; mso-margin-top-alt: auto; text-align: justify;">
En este camino, encontramos miradas que ya
han empezado a esclarecer algunas cosas. Michel Chion nos dice que la música es
el elemento más <i>plástico</i>, más
flexible, del filme, puesto que se comunica más fácilmente con el público hasta
alcanzar gran intensidad, dado su carácter sensible.<o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; mso-margin-bottom-alt: auto; mso-margin-top-alt: auto; text-align: justify;">
Por el contrario, la imagen es más
susceptible de alcanzar un límite (el encuadre), mientras que la música oscila
entre el campo y el fuera de campo… y aún más allá. Por tanto, la música no
“acompaña” al filme, sino que lo “co-irriga”, lo “co-estructura”. En ocasiones,
“modula el espacio” y actúa como “fuerza activa” que “subjetiviza y psicologiza
al cine-público” (Chion 218-230).<o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; mso-margin-bottom-alt: auto; mso-margin-top-alt: auto; text-align: justify;">
Ya en una reflexión teórico-práctica,
Tarkovski invoca a la música para que funcione como un “estribillo poético” que
logre remitirnos a las fuentes. Dicha práctica, evidentemente, le traerá nuevas
experiencias emocionales al espectador que asiste a una sala de cine. El
cineasta ruso concibe la música en el cine como un elemento natural del mundo
sonoro. Por lo tanto, cree que, en muchas ocasiones, basta con el ruido…, pues
la música sobra. Sin embargo, aclara que es preciso seleccionar los sonidos
para no caer en una cacofonía.<o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; mso-margin-bottom-alt: auto; mso-margin-top-alt: auto; text-align: justify;">
Aunque, al elaborar la banda sonora, se le
ha dado primacía a la presencia de la voz y se ha reducido la música<span lang="es-419"> y el ruido, Artavadz Pelechian en
su estudio sobre el sonido (citado en Barnnier), hace notar </span>que este se
compone de ruidos y de música y que, como material fílmico, es indisociable de
la imagen. La ruta que conduce a este director está dada por dos movimientos:
el ritmo y la emoción.<o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; mso-margin-bottom-alt: auto; mso-margin-top-alt: auto; text-align: justify;">
Pelechian transforma el registro de los
ruidos para llevar la expresividad acústica hacia la abstracción usando música
conocida (generalmente aquella que haya logrado despertar emociones
colectivas), pues considera que dicha música está para sentirse, antes que para
ser verbalizada o llevada a la reflexión. El director armenio se aleja de la
sincronización, de la articulación, pero no de la posibilidad de suscitarle
emociones al espectador (Barnier 171-179). Reconoce que el sonido insufla
profundidad: la imagen está encadenada con el espacio; mientras que el sonido,
lo traspasa. Evidentemente, esta aproximación al minimalismo es cercana a la
estética del cine silente.<o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; mso-margin-bottom-alt: auto; mso-margin-top-alt: auto; text-align: justify;">
De similar manera, Godard instala con su
práctica una juguetería que piensa el hecho fílmico, que lo redimensiona, al
someter a las partituras (creadas para el filme o tomadas del repertorio
clásico) a una serie de rupturas e interrupciones recíprocas. Por supuesto, es
el ritmo el que sufre la variación, el que se renueva, el que se enriquece.<o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; mso-margin-bottom-alt: auto; mso-margin-top-alt: auto; text-align: justify;">
Igualmente, el compositor y director
cinematográfico argentino Mauricio Kagel consideraba a las películas sus
verdaderas óperas. En ellas, construía la dramaturgia cinematográfica siguiendo
leyes musicales. Al tiempo que las asociaba con la diégesis, las mantenía
totalmente autónomas frente al plano visual. De esa manera, añadía nuevas
prácticas a la experiencia cinematográfica musical.<o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; mso-margin-bottom-alt: auto; mso-margin-top-alt: auto; text-align: justify;">
Finalmente, recordamos que también la
música contemporánea ha sabido servirse del cine, pues fue a través de este
como las múltiples variaciones musicales ocurridas durante el siglo XX
encontraron la mejor vía para llegar a un público masivo. De haberse quedado
solo en los ámbitos tradicionales de difusión musical, habrían permanecido
mucho más escondidas de lo que han estado.<o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; mso-margin-bottom-alt: auto; mso-margin-top-alt: auto; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; mso-margin-bottom-alt: auto; mso-margin-top-alt: auto; text-align: justify;">
<b>Bibliografía
<o:p></o:p></b></div>
<div class="MsoFootnoteText" style="line-height: 150%; mso-margin-bottom-alt: auto; mso-margin-top-alt: auto; text-align: justify;">
<span style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 150%; mso-ansi-language: ES;">Adorno,
Theodor, y Hans Eisler. <i>El cine y la
música</i>. Madrid: Fundamentos, 1981.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoFootnoteText" style="line-height: 150%; mso-margin-bottom-alt: auto; mso-margin-top-alt: auto; text-align: justify;">
<span style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 150%; mso-ansi-language: ES;">Barnier,
Martin. “El sonido en las películas de Pelechian”. En <i>Materia y cosmos: las películas de Artavazd Pelechian</i>, Bogotá:
Idartes, 2011.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoFootnoteText" style="line-height: 150%; mso-margin-bottom-alt: auto; mso-margin-top-alt: auto; text-align: justify;">
<span style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 150%; mso-ansi-language: ES;">Becerra,
Sergio, y Rémi Fontanel. <i>Materia y
cosmos: las películas de Artavazd Pelechian</i>. Bogotá: Idartes, 2011.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoFootnoteText" style="line-height: 150%; mso-margin-bottom-alt: auto; mso-margin-top-alt: auto; text-align: justify;">
<span style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 150%; mso-ansi-language: ES;">Chion,
Michel. <i>La música en el cine</i>,
Barcelona: Paidós, 1997.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoFootnoteText" style="line-height: 150%; mso-margin-bottom-alt: auto; mso-margin-top-alt: auto; text-align: justify;">
<span style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 150%; mso-ansi-language: ES;">Copland,
Aaron. <i>Cómo escuchar la música</i>.
México: FCE, 1994.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoFootnoteText" style="line-height: 150%; mso-margin-bottom-alt: auto; mso-margin-top-alt: auto; text-align: justify;">
<span style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 150%; mso-ansi-language: ES;">De
Arcos, María. <i>Experimentalismo en la
música cinematográfica</i>. Madrid: FCE, 2006.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoFootnoteText" style="line-height: 150%; mso-margin-bottom-alt: auto; mso-margin-top-alt: auto; text-align: justify;">
<span style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 150%; mso-ansi-language: ES;">Eisler,
Hans. <i>Composing for the films</i>. Nueva
York, 1947.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoFootnoteText" style="line-height: 150%; mso-margin-bottom-alt: auto; mso-margin-top-alt: auto; text-align: justify;">
<span style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 150%; mso-ansi-language: ES;">Gorbman,
Claudia. <i>Unheard melodies: Narrative film
music</i>. BFI Publishing, 1987.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoFootnoteText" style="line-height: 150%; mso-margin-bottom-alt: auto; mso-margin-top-alt: auto; text-align: justify;">
<span style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 150%; mso-ansi-language: ES;">Lack,
Rusell. <i>La música en el cine</i>. Madrid:
Cátedra, 1999.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoFootnoteText" style="line-height: 150%; mso-margin-bottom-alt: auto; mso-margin-top-alt: auto; text-align: justify;">
<span style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 150%; mso-ansi-language: ES;">Kagel,
Mauricio. <i>Palimpsestos</i>. Buenos Aires:
Caja Negra, 2011.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoFootnoteText" style="line-height: 150%; mso-margin-bottom-alt: auto; mso-margin-top-alt: auto; text-align: justify;">
<span style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 150%; mso-ansi-language: ES;">Sedeño,
Ana María. <i>La música contemporánea en el
cine</i>. Universidad de Málaga, 2005.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoFootnoteText" style="line-height: 150%; mso-margin-bottom-alt: auto; mso-margin-top-alt: auto; text-align: justify;">
<span style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 150%; mso-ansi-language: ES;">Stam,
Robert. <i>Teorías del cine</i>. Barcelona:
Paidós, 2010.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoFootnoteText" style="line-height: 150%; mso-margin-bottom-alt: auto; mso-margin-top-alt: auto; text-align: justify;">
<span style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 150%; mso-ansi-language: ES;">Tarkovski,
Andréi. <i>Esculpir en el tiempo</i>.
Madrid: RIALP, 2002.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; mso-margin-bottom-alt: auto; mso-margin-top-alt: auto; text-align: justify; text-indent: 35.45pt;">
<br /></div>
<br />
<div>
<!--[if !supportFootnotes]--><br clear="all" />
<hr align="left" size="1" width="33%" />
<!--[endif]-->
<div id="ftn1">
<div class="MsoFootnoteText" style="mso-margin-bottom-alt: auto; mso-margin-top-alt: auto; text-align: justify;">
<a href="file:///D:/CINE%20SENTIDO%202.docx#_ftnref1" name="_ftn1" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><span style="font-family: "Garamond",serif; mso-ansi-language: ES;"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span style="font-size: 10pt;">[1]</span></span><!--[endif]--></span></span></a><span style="font-family: "Garamond",serif; mso-ansi-language: ES;"> Es importante citar
filmes emblemáticos que introdujeron, con bastante notoriedad, los sonidos del <i>rock</i> y del <i>jazz</i>: <i>Semilla de maldad</i>
(Richard Brooks, 1952) y <i>Agente 007
contra el Dr. No</i> (Terence Young, 1962).<o:p></o:p></span></div>
</div>
</div>
</div>
Omar Ahttp://www.blogger.com/profile/05665780406648038335noreply@blogger.com0